SPILLING OVER: PAINTING COLOR IN THE 1960S TO OPEN AT THE WHITNEY MARCH 29
NEW YORK, Opening at the Whitney on March 29,
Spilling Over: Painting Color in the 1960s

Whitney Museum of American Art
99 Gansevoort Street
New York, NY 10014
(212) 570-3600
https://whitney.org/ 
Drawn entirely from the Whitney’s collection, Spilling Overincludes important recent acquisitions by Emma Amos and Kay WalkingStick, as well as works by Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Alvin Loving, Miriam Schapiro, Frank Stella, and others. Half of the included paintings have not been shown atthe Whitney for over twenty-five years.
“Color as a formal, social, and political matter feels particularly urgent today, but the artists in Spilling Over already saw it as a means to bridge the seen and the felt, the conscious and unconscious, the political and the environmental. We’re thrilled to bring together such an incredible group of artists and their works, some acquired nearly at the time of their making and some very new to the Whitney’s collection,” said David Breslin, the exhibition curator and DeMartini Family Curator and Director of the Collection.
Scott Rothkopf, Senior Deputy Director and Nancy and Steve Crown Family Chief Curator, remarked, “We are particularly honored to be unveiling the first paintings to enter our collection by Kay WalkingStick and Emma Amos, the latter of which has been acquired jointly with The Studio Museum in Harlem—a fitting symbol of the long friendship between these two museums and the many artists we both hold dear.”

Philip Martin Gallery presents a solo exhibition of new paintings by Holly Coulis.

There will be a reception for the artist Saturday, May 4 from 6-8pm.
May 4 - July 6, 2019

www.philipmartingallery.com

Holly Coulis’s paintings operate as stages where still life scenes unfold. A table, or tables, create an initial structure where simplified, geometric forms are arranged and interact. There is a sense of order in these scenes as though the fruits and dishes had been laid out by some external force. Through layers of paint, linear elements are created, giving the illusion of colorful stripes or energy fields around individual objects. These works feel familiar, but upend our sense of figure/ground, horizon-line, perspective, and scale. In these newest paintings, the still life begins to verge into abstraction.

Coulis works from a visual vocabulary built up over years of practice, and the sense of discovery and newness in her works occurs as she continues to explore her own paintings and their possibilities: “I rarely look at a scene. It’s more about shapes of things I know. Things like oranges, lemons, cherries: they’re all very easy shapes.” Standing in front of her works, we are immediately involved in a scene of pleasure and abundance, surprise and stimulation - a stimulation that is physical, intellectual and aesthetic.

Exposition du 5 avril 2019 au 11 mai 2019
Vernissage le 4 avril 2019 à partir de 18h
Galerie Laurent Strouk, 2 avenue Matignon 75008 Paris
Tel. : 01 40 46 89 06 email : galerie(at)laurentstrouk.com
http://www.laurentstrouk.com/ 

Ici, en 2019, dans la Galerie Laurent Strouk, Antonio Seguí propose des surfaces rondes et carrées, des tableaux colorés, vifs, allègres et des teintes intenses surprennantes.
Toutes les oeuvres carrées sont peintes en une technique mixte sur toile. Les autres oeuvres sont rondes ; les tondos sont peints à l’acrylique sur bois découpé.
En 2019, les surfaces rondes et carrées de Seguí se retrouvent. Les cercles mettent en évidence le Soleil et la Lune. Les mystiques représentent souvent Dieu comme un cercle dont le centre se trouve partout, la circonférence nulle part et qui fait preuve d’une perfection inaccessible à l’humain. Le cercle ne connaît ni début ni fin, ni direction, ni orientation.
Le contraire symbolique du cercle serait le carré qui représente le monde terrestre, humain et matériel. Le carré permet aux humains de s’orienter dans l’espace. Le carré établit un système de coordonnées ; il impose une structure au chaos...
En 2017 et 2018, Antonio Seguí travaille sur une étrange garde-robe circulaire. Une armoire dans laquelle on aurait rangé des robes, des vestes et des pantalons masculins, des sous-vêtements de femmes et d’hommes, des chapeaux.

Lucio Fontana On the Threshold

Exhibition Dates:
January 23–April 14, 2019
Exhibition Location:
The Met Breuer, Floor 3, Floor 5 and The Met Fifth Avenue Gallery 913
https://www.metmuseum.org/ 

Lucio Fontana: On the Threshold—the first retrospective of the artist in the United States in more than four decades—will reassess the legacy of this key postwar figure through a selection of exquisite sculptures, ceramics, paintings, drawings, and environments made between 1931 and 1968. The founder of Spatialism and one of the most innovative artists of the 20th century, Lucio Fontana (1899–1968) is widely known for a series of slashed paintings from 1958 known as the Cuts (Tagli) that became symbols of the postwar era. The exhibition at The Met Breuer will present extraordinary examples of this iconic series, and will also explore Fontana’s beginnings as a sculptor and his pioneering work with environments, contextualizing the radical nature of the Cuts within his broader practice.

The exhibition is made possible by The International Council of The Metropolitan Museum of Art.

Additional support is provided by the Jane and Robert Carroll Fund and the Aaron I. Fleischman and Lin Lougheed Fund.

It is organized by The Metropolitan Museum of Art in collaboration with the Fondazione Lucio Fontana.

Lucio Fontana (Italian, 1899-1968). Spatial Concept, Expectations, 1959. Oil on canvas. Olnick Spanu Collection © 2018 Fondazione Lucio Fontana/Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Jean-Baptiste Huynh
WOMAN Portrait de la beauté
18 février – 11 mai 2019
18 February – 11 May 2017
Ouverture lundi 18 février de 14h à 18h
The gallery will be opened Monday 18 February from 2 – 6pm
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com   
+ 33 1 45 63 13 19  
www.galerie-lelong.com

WOMAN, projet artistique de Jean-Baptiste Huynh mené de 2018 à 2020, met en lumière la beauté du visage de la femme. Le portrait est au cœur de l'œuvre de Jean-Baptiste Huynh depuis 25 ans. WOMAN s'inscrit dans la continuité de l'étude qu'il a réalisée sur le visage à travers les âges et les grands ensembles culturels, de 1996 à aujourd'hui (Chine, Corée du Sud, Ethiopie, Inde, Iran, Japon, Kazakhstan, Mali, Ouzbékistan, Pérou, Vietnam...).
 
Du 18 février au 11 mai 2019, la Galerie Lelong & Co. invite Jean-Baptiste Huynh à présenter WOMAN - Portait de la beauté, une série de photographies pour la plupart inédites dans son espace avenue Matignon. « Etant artiste visuel, photographe, c'est naturellement par le regard, par l'interprétation du réel grâce à la lumière que j'explore la question de la beauté. Elle nourrit mon travail depuis ses fondements il y a trente ans et est aujourd'hui le sujet même de l'étude photographique que je mène sur la beauté du visage de la femme dans son universalité, son authenticité et son intemporalité à travers le monde. Comment sublimer ce qui est beau ? Comment sublimer ce qui ne l'est pas ? Pourquoi ? Et la beauté, la laideur, existent elles en soi ? Parallèlement, je réalise une série d'interviews auprès de personnalités d'horizons variés - actrice, neuroscientifique, poète, musicien, grand couturier, architecte, galeriste, grand collectionneur, modèle - auxquelles je demande : Qu'est-ce que la beauté ? – Qu'est ce que la beauté représentée par l'artiste ? » Jean-Baptiste Huynh.

" Le temps de s'en apercevoir ", le titre du livre de Emmanuel de Waresquiel, prix littéraire 2019 du café Les Deux Magots, pourrait bien être la devise du café le plus emblématique de Paris. S'apercevoir de quoi ? Que la littérature et Les Deux Magots ont une histoire non pas parallèle, mais une histoire commune, liée l'une à l'autre, voire imbriquée l'une dans l'autre, le célèbre café s'identifiant comme le lieu de l'avant-garde des mouvements intellectuels .

Premiers clients que la littérature a retenus, Verlaine et Rimbaud s'y croisent, échangent regards et mots et s'y attablent .
 Les surréalistes emmenés par André Breton, y établissent leur quartier dans les années 20 ; refusant le conformisme du Prix Goncourt, ils décident, en 1933, de créer un nouveau prix littéraire « Le prix des Deux Magots » qu'ils décernent à un jeune inconnu, Raymond Queneau pour son livre " Le chiendent ".
 Intellectuels et artistes, révoltés, révolutionnaires ou anticonformistes les rejoignent pour témoigner de leur refus de l'académisme; Les Deux Magots peut s'enorgueillir d'accueillir à la fois Picasso et Fernand Léger, Prévert, Gide et Aragon, mais aussi l'auteur américain le plus amoureux de Paris et ses cafés, Hemingway qui immortalise cette atmosphère si particulière du Quartier latin dans " Paris est une fête ".
 Après guerre, c'est la grande époque du couple Sartre-Beauvoir dont les débats avec leurs amis existentialistes enflamment les nuits de Saint-Germain des Prés .

 Prémonitoire, Baudelaire écrivait : " La vie parisienne est féconde en sujets poétiques et merveilleux. Le merveilleux nous enveloppe et nous abreuve comme l'atmosphère ; mais nous ne le voyons pas." Ainsi, Les Deux Magots est devenu LE café des intellectuels et de ceux, et ils sont nombreux, qui souhaitent les voir, les écouter et leur parler.
" Le temps de s'en apercevoir ", un mythe est né.

Francoise Forgerit

Partout dans la presse on affiche des prix records dans les ventes aux enchères internationales aussi bien en France qu’à l’étranger, pour des artistes de notoriété internationale: avec ces résultats on fait un buzz qui laisse croire que les œuvres d’art valent cher, et se vendent facilement.
La réalité est toute autre : 80% des ventes mondiales aux enchères se font à moins de 6000 € et même 50% des ventes se font à moins de 1000 € alors que le marché de plus de 135.000 € ne représente que 2% du marché et au-delà de 300.000 € ce marché n’est que de 1%. Alors de quoi parle t'on ?
C’est le grand mensonge du marché de l’art qui laisse entendre qu’il faut payer cher les chefs d’œuvre.
Les vrais collectionneurs eux savent que l’on peut acquérir un chef d’oeuvre d’un artiste connu pour moins de 3000 € : vous en aurez la preuve en vous promenant à Drouot dans les ventes aux enchères ou chez les marchands, ateliers d'artistes, galeries et foires d'art.
Les prix des œuvres de haut niveau vont-ils baisser : la réponse est oui, la baisse a déjà commencé :

Le 20 juin 2018 une œuvre de Picasso chez Christies Londres
Femme dans un fauteuil (Dora Maar) (1942)
Peinture, Huile/toile, 92 x 73 cm
Estimée: 20 489 256 € à 28 457 300 €
S’est vendue au marteau 19 350 964 €

Le 19/06/2018 chez Sotheby's Londres une œuvre de Picasso,
Buste de femme de profil (Femme écrivant) (1932)
Peinture, Huile/toile, 116,3 x 73,5 cm
Dont on attendait 45.000.000 € a été vendue au marteau: 27 312 432 €

Le 19/06/2018 chez Sotheby's Londres une œuvre de Picasso,
Le peintre et son modèle (1964)
Peinture, Huile/toile, 162 x 130 cm
Estimée 8 535 135 € à 10 811 171 €
a été vendue au marteau 6 259 099 € soit moins que l’estimation basse.

Par contre on peut estimer que toutes les œuvres entre 0 et 18.000 € qui représentent 90 % du marché vont s’apprécier régulièrement, des bonnes affaires sont à faire : 30% des transactions mondiales se font même à moins de 390 €. N’oubliez pas que si vos grands-parents avaient acheté pour l’équivalent de 500 à 7000 € à l'époque des Picasso, Chagall, Van Gogh etc. vous seriez aujourd’hui très riches. Des milliers d’artistes sont sous-cotés sur le marché actuel de l’art car les acheteurs fortunés sont des suiveurs et non pas des novateurs et des découvreurs de talents. Formez votre œil en allant dans les galeries, les ventes aux enchères, les Musées, en visitant les ateliers d’artistes : devenez un vrai amateur d'art capable d'avoir votre opinion par vous-même en toute indépendance, et faites-vous plaisir en devenant propriétaire d'une oeuvre qui vous séduit.
Le monde change dans tous les domaines et le marché de l’art va subir des grandes remises en question sur le haut niveau qui rappelons-le ne représente que 2% du marché : et tant pis pour les spéculateurs et suiveurs et tant mieux pour les vrais amateurs et amoureux de l'art. L'art est une histoire d'amour.

Patrick Reynolds

Lolochka huile sur toile de 1989 Nativité dim. 116 x 89 cm exemple de chef d'oeuvre créé par une des artistes fondatrice du mouvement Art Cloche précurseur de Stree Art

Exposition Jean DEWASNE du 11/01 au 02/03/2019
Galerie ANTOINE LAURENTIN
23 quai Voltaire - 75007 Paris
Tel : +33 (0)1 42 97 43 42 / e-mail : contact(at)galerie-laurentin.com
site web : www.galerie-laurentin.com

RYTHME & COULEUR

Remerciements
Je tiens à remercier tout particulièrement, Monsieur Gérard Galby, ainsi que : Madame Celia de Boisanger, Monsieur Bruno Graziani, Monsieur et Madame Alain Jouquey, Mademoiselle Carole Joyau, Madame Philippe Maréchaux, Madame Elisabeth Maréchaux-Laurentin.
Je tiens également à remercier mes restaurateurs, encadreurs pour leur efficacité.
Je souhaite enfin remercier Madame Caroline Jouquey-Graziani pour la conception et la mise en page du catalogue.
Antoine Laurentin

Introduction
Jean Dewasne choisit l’abstraction comme langage.
Il est le premier lauréat du Prix Kandinsky avec Jean Deyrolle en 1946, année de la création du salon des Réalités Nouvelles, vitrine de l’art concret et de l’abstraction géométrique dont il revendique l’héritage à la suite de Herbin qui le fait entrer au comité. Lors de ces années pionnières, il participe aux expositions de groupe autour des tendances de l’art abstrait à la galerie Denise René, dont il devient un des artistes « phares ». Au début des années cinquante il contribue à l’essor de l’abstraction en Scandinavie et en Belgique et bénéficie d’une forte audience au Danemark en analysant les problèmes de l’art abstrait dont il affirme sans ambiguïté qu’il s’agit d’« une éthique, un mode de vie qui s’adapte ». En 1949 avec son «Traité de la peinture plane» (publié en 1972) il pose les assises de l’art d’avant-garde dont son Atelier d’art abstrait fondé en 1950 avec Edgard Pillet, lieu d’enseignement et de réflexion sur l’art abstrait ne désemplit pas et devient le laboratoire qui suscite de vives réactions notamment le pamphlet de Charles Estienne « L’art abstrait est-il un académisme ? » auquel Léon Degand répond par un autre texte «L’épouvantail de l’académisme abstrait». Le décor est planté.

BANKSY a été acheté 188.500 EUR - Achetez  GUGLI un des précurseurs du STREET ART qui rassemble tous les symboles de ce mouvement, humour, créativité, érotisme, légèreté de l'être, critique et remise en question de la société (héritage de mai 68) - voir la biographie de GUGLI - Voir également LOLOCHKA une des créatrices du groupe ART CLOCHE, groupe précurseur et fondateur du Street Art avec notamment un de ses chefs de file : Henri SCHURDER

 DIGARD AUCTION - 188 500 € pour Banksy vendredi 08 juin 2018
Vendredi 8 juin, lors de la vente d’art contemporain urbain de DIGARD AUCTION, une œuvre du célèbre street artist BANKSY (né en 1974) a été acquise 188 500 € (frais inclus ; lot n° 44). Drill Rat a été réalisé en 2002 à la peinture aérosol sur plâtre.

L'année 2018 a commencé en beauté pour le magazine en ligne LE MUSEE PRIVE qui voit son audience augmenter régulièrement :

240.000 visiteurs par mois dont 53% sont américains,

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Le succès de l'alliance de publication d'articles portant sur l'art et de la vente en ligne d'oeuvres d'art porte l'ambition légitime de devenir le 1er support du monde de l'art.

A cette fin, nous avons l'intention d'ouvrir le capital de notre société aux investisseurs qui le désirent et, en même temps d'offrir des emplois pour assurer un service de haute qualité auprès des musées, galeries, commissaires-priseurs, artistes, tout en étant en relation avec les annonceurs publicitaires du domaine du luxe comme le montre la vidéo ci-dessous.

The year 2018 is starting beautifully for the online magazine LE MUSEE PRIVE which sees his audience increase regularly:

240,000 visitors a month, 53% of whom are Americans

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The success of the alliance of publishing articles on art and the online sale of works of art carries the legitimate ambition to become the first support of the world of art.

To this end, we intend to open the capital of our company to investors interested in our company and at the same time to offer jobs to ensure a high quality service to museums, galleries, auctioneers, artists , while being in relation with advertisers advertising the field of luxury as shown in the video below.