Les institutions culturelles s'engagent aujourd'hui résolument vers le bien-être des visiteurs en faisant appel à la mise en place d'expérience Mindful Art® pour transformer les espaces culturels en lieu de vie, propice à l'introspection et au ressourcement. Nouvelle manière d'aborder ou de découvrir une œuvre d'art, Mindful Art® propose une expérience unique de méditation pleine conscience, de neuroscience et de poésie. Plus que prendre le temps et de ralentir le pas dans les musées, Mindful Art® Experience permet aux participants de regarder les œuvres autrement, d'établir un lien personnel, intime et direct avec l'œuvre. En 2024, la créatrice de la méthode, Marjan Abadie, propose une riche programmation avec, entre autres, l'ouverture d'un espace dédié à la médiation guidée au Palais des Beaux de Lille, l'inauguration de capsules sonores et des ateliers performance à travers toute la France et la Belgique.

Mise en place d'une capsule sonore au Musée des Beaux-Arts d'Orléans

À partir du 23 mars 2024

Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans et Mindful Art collaborent depuis 4 ans pour le bien-être de tous les publics. Dans la continuité logique de cette collaboration, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans, profondément engagé dans l'inclusion et le bien-être, va mettre en place une création sonore méditative Mindful Art. Cette création propose à tous les visiteurs un temps de pause au cours de leur parcours de visite. La capsule sonore sera inaugurée le 9 mars. Chaque visiteur pourra s'accorder une pause au pied de Saint Sébastien, soigné par Irène, d'après Georges de La Tour et poursuivre sa visite de manière plus immersive et sensible. Il s'agit d'une transition entre "faire le musée" et "être avec les œuvres d'art au musée", offrant ainsi une expérience enrichissante et plus intime à chacun.

Né en 1985 à Paris. Vit et travaille entre Berlin et Paris.

Kevin Lucbert est diplômé en 2008 de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Lors de ses études il se lie d'amitié avec Yann Bagot et Nathanaël Mikles. Ensemble ils créent le collectif artistique Ensaders et participent régulièrement à des performances, expositions et conduit des workshops de dessin. En parallèle il travaille pour The New York Times, Télérama, Les Échos, le groupe de presse Mondadori ou encore Starbucks, Hermès ou BIC, qui a récemment acquis quelques un de ses dessins pour leur collection d'art contemporain. En 2018, les œuvres de la collection BIC sont exposées au 104 à Paris, parmi lesquelles, celles de Lucbert.

Inspiré par de multiples sources, Maurits Cornelis Escher, Alfred Kubin, Philippe Mohlitz ou Les Cités Obscures de Schuitten et Peeters, Lucbert a développé une création unique dans laquelle il explore un monde parallèle, un univers absurde qui lui est propre. Dans sa série Blue Lines réalisée au stylo BIC bleu, il explore des paysages surréalistes et des compositions frontales et imaginaires. Ses œuvres traduisent un monde spatial et rêveur.

 29/09/2023 - 14/01/2024

Pablo Picasso (1881-1973) a travaillé sur la sculpture pratiquement dès le début de sa longue carrière. Pour l'artiste de Malaga, il ne s'agissait pas d'un médium de moindre rang, mais plutôt d'une forme d'expression comparable à la peinture, au dessin ou à la gravure. Dans sa pratique, il n’y avait pas d’arts majeurs et mineurs, mais plutôt des langages et des matériaux différents qui lui permettaient de transmettre divers aspects de sa création. Le corps, objectif ultime de la représentation et instrument principal de Picasso tout au long de sa carrière, est le pilier fondamental de cette exposition qui s'inscrit dans le cadre des commémorations du 50e anniversaire de sa mort.

Pablo Picasso (1881–1973) trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria. Para el artista malagueño, no se trataba de un medio de un rango menor, sino de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo o el grabado. En su práctica, no existían artes mayores y menores, sino diferentes lenguajes y materiales que le permitían transmitir aspectos diversos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición, que se enmarca dentro de los actos de conmemoración del 50º aniversario de su fallecimiento.

Monographie dédiée à l'artiste, avec des essais de Carmen Giménez, Diana Widmaier-Ruiz-Picasso et Pepe Karmel sur l'œuvre sculpturale de Picasso . Le volume est illustré d'images des œuvres présentes dans l'exposition, tant actuelles qu'historiques réalisées par Brassaï.

Nicolas de Staël Musée d’Art Moderne de Paris

15 septembre 2023 – 21 janvier 2024

Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre une grande rétrospective à Nicolas de Staël (1914-1955), figure incontournable de la scène artistique française d’après guerre. Vingt ans après celle organisée par le Centre Pompidou en 2003, l’exposition propose un nouveau regard sur le travail de l’artiste, en tirant parti d’expositions thématiques plus récentes ayant mis en lumière certains aspects méconnus de sa carrière (Antibes en 2014, Le Havre en 2014, Aix-en-Provence en 2018

La rétrospective rassemble une sélection d’environ 200 tableaux, dessins, gravures et carnets venus de nombreuses collections publiques et privées, en Europe et aux Etats-Unis. À côté de chefs-d’œuvre emblématiques tels que le Parc des Princes, elle présente un ensemble important d’œuvres rarement, sinon jamais, exposées, dont une cinquantaine montrées pour la première fois dans un musée français.

Organisée de manière chronologique, l’exposition retrace les évolutions successives de l’artiste, depuis ses premiers pas figuratifs et ses toiles sombres et matiérées des années 1940, jusqu’à ses tableaux peints à la veille de sa mort prématurée en 1955. Si l’essentiel de son travail tient en une douzaine d’années, Staël ne cesse de se renouveler et d’explorer de nouvelles voies : son « inévitable besoin de tout casser quand la machine semble tourner trop rond » le conduit à produire une œuvre remarquablement riche et complexe, « sans esthétique a priori ». Insensible aux modes comme aux querelles de son temps, son travail bouleverse délibérément la distinction entre abstraction et figuration, et apparaît comme la poursuite, menée dans l’urgence, d’un art toujours plus dense et concis : « c’est si triste sans tableaux la vie que je fonce tant que je peux », écrivait-il.

La rétrospective permet de suivre pas à pas cette quête picturale d’une rare intensité, en commençant par ses voyages de jeunesse et ses premières années parisiennes, puis en évoquant son installation dans le Vaucluse, son fameux voyage en Sicile en 1953, et enfin ses derniers mois à Antibes, dans un atelier face à la mer.

En prenant appui sur deux projets phares autour de la transidentité et de la photographie, Transgalatique et Casa Suzanna, nous aborderons avec nos invité·es l'artiste chercheur SMITH et les commissaires d'exposition Nadège Piton et Isabelle Bonnet, la question du genre et ses mutations par le prisme de la photographie et des livres de photographie.

Rencontre animée par Véronique Prugnaud - The Eyes : https://www.institut-photo.com/event/photographie-transidentite/

https://www.instagram.com/theeyespublishing/ 

MARK ROTHKO

Du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024

Première rétrospective en France consacrée à Mark Rothko (1903-1970) depuis celle du musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999, l’exposition présentée à la Fondation Louis Vuitton à partir du 18 octobre 2023 réunit quelque 115 œuvres provenant des plus grandes collections institutionnelles et privées internationales, notamment de la National Gallery of Art de Washington, de la famille de l’artiste et de la Tate de Londres. Se déployant dans la totalité des espaces de la Fondation, selon un parcours chronologique, elle retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste depuis ses premières peintures figuratives jusqu’à l’abstraction qui définit aujourd’hui son œuvre.

“Je ne m’intéresse qu’à l’expression des émotions humaines fondamentales...”

Mark Rothko

L’exposition s’ouvre sur des scènes intimistes et des paysages urbains – telles les scènes du métro new-yorkais –, qui dominent dans les années 1930, avant de céder la place à un répertoire inspiré des mythes antiques et du surréalisme à travers lesquels s’exprime, pendant la guerre, la dimension tragique de la condition humaine.  

À partir de 1946, Rothko opère un tournant décisif vers l’abstraction dont la première phase est celle des Multiformes, où des masses chromatiques en suspension tendent à s’équilibrer. Progressivement, leur nombre diminue et l’organisation spatiale de sa peinture évolue rapidement vers ses œuvres dites « classiques » des années 1950 où se superposent des formes rectangulaires suivant un rythme binaire ou ternaire, caractérisées par des tons jaunes, rouges, ocre, orange, mais aussi bleus, blancs...  

En 1958, Rothko reçoit la commande d’un ensemble de peintures murales destinées au restaurant Four Seasons conçu par Philip Johnson pour le Seagram Building – dont Ludwig Mies van der Rohe dirige la construction à New York. Rothko renonce finalement à livrer la commande et conserve l’intégralité de la série. Onze ans plus tard, en 1969, l’artiste fera don à la Tate Gallery de neuf de ces peintures qui se distinguent des précédentes par leurs teintes d’un rouge profond, constituant une salle exclusivement dédiée à son travail au sein des collections. Cet ensemble est présenté exceptionnellement dans l’exposition.

Crédits : Mark Rothko, No. 14, 1960 - Huile sur toile, 289.6 x 266.7 cm
San Francisco Museum of Modern Art Helen Crocker Russell Fund purchase
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

La MEP présente du 18 octobre 2023 – 11 février 2024 la première rétrospective en France de l’artiste néerlandaise Viviane Sassen Phosphor – Art & Fashion (1990-2023)

MEP – Maison Européenne de la Photographie
5/7 rue de Fourcy 75004 Paris
01 44 78 75 00

www.mep-fr.org 

Cette exposition réunit plus de 200 créations et retrace 30 ans de production d’une œuvre où la photographie côtoie le collage, la peinture et la vidéo.

Cette exposition réunit ses séries iconiques, parmi lesquelles « Umbra », « Parasomnia », « Flamboya » ou « Roxane », des archives inédites, ses œuvres aux techniques mixtes mêlant tirages photographiques, peintures, collages et vidéos ainsi qu’une sélection de ses photographies de mode. L’exposition ambitionne d’éclairer le processus créatif de Viviane Sassen en suivant deux grands axes : la recherche constante de renouvellement des formes photographiques et l’importance de la sphère intime dans son œuvre. Chez Sassen, la photographie n’est pas une simple surface mais un lieu ouvert où elle fait cohabiter ses rêves, ses désirs et ses craintes avec la réalité tangible du monde.

Après quelques années passées à étudier la mode, Viviane Sassen se tourne rapidement vers la photographie où elle se forme à la Utrecht School of the Arts (HKU). Dès la fin de ses études, elle alterne entre projets personnels et commandes commerciales. Son style photographique – aux couleurs intenses, aux jeux graphiques sur l’ombre et la lumière ainsi que le regard singulier qu’elle porte sur les corps – est rapidement plébiscité. Sassen acquiert une renommée internationale, aussi bien dans la sphère de la mode qu’au sein des institutions culturelles.

A l’occasion de cette exposition sera édité un ouvrage de plus de 400 pages aux éditions Prestel et en collaboration avec la MEP. La conception du livre est assurée par la graphiste néerlandaise Irma Boom

Commissaire de l’exposition :Clothilde Morette, responsable de la programmation, MEP assistée par Aden Vincendeau, assistante d’exposition, MEP et Elisa Monteillet, chargée de production, MEP

Photo : Self Portrait,1990 © Viviane Sassen and Stevenson (Johannesburg / Cape Town / Amsterdam)

VOL - LA PEINTURE FIGURATIVE DE JUDIT REIGL

MUSÉE DE KISCELL, BUDAPEST, HONGRIE

23 AOÛT - 27 OCTOBRE 2023

Plusieurs musées européens et hongrois célèbrent le centenaire de la naissance de Judit Reigl au travers d'expositions consacrées à l'artiste. Les œuvres présentées au Musée Kiscell - Galerie Municipale de Budapest permettent de faire le pont entre l'exposition de la Neue Nationalgalerie de Berlin et celle organisée par le Musée des Beaux-Arts de Budapest. En effet, la première couvre la période la plus célèbre de l'artiste, ses peintures abstraites et figuratives des années 1950 aux années 1980, tandis que la seconde propose une sélection d'œuvres datant des dernières années de la carrière de Judit Reigl. L'exposition au Musée Kiscell se concentre quant à elle sur l'intervalle entre ces deux périodes et révèle pour la première fois l'importance occupée par la représentation de l'homme dans l'œuvre de Judit Reigl.

Dans l'espace monumental de la chapelle du Musée Kiscell (qui était un lieu important pour Reigl) ces figures humaines flottantes et volantes trouvent un contexte particulier. L'exposition est organisée en collaboration avec le Fonds de dotation Judit Reigl, la fondation parisienne chargée de préserver l'héritage de l'artiste et détenant les droits d'auteur de son œuvre.

On view October 8, 2023–January 15, 2024

BOSTON (August 9, 2023) - John Singer Sargent (1856–1925) brought his sitters to life, but he did much more than simply record what appeared before him. He pinned and draped, he changed or ignored decorative details, and sometimes he simply made it up. Organized by the Museum of Fine Arts, Boston (MFA), and Tate Britain, Fashioned by Sargent explores the artist’s influence over his sitters’ images by illuminating the liberties he took with sartorial choices to express distinctive personalities, social positions, professions, gender identities and nationalities. The exhibition features approximately 50 paintings by Sargent—including major loans from museums and private collections around the world—along with more than a dozen dresses and accessories. Several of these garments are reunited for the first time with Sargent’s portraits of the sitters who once wore them. Through the lens of dress, Fashioned by Sargent presents exciting new scholarship and offers a new perspective on the artist’s creative practice.

Fashioned by Sargent is sponsored by Bank of America. Generously supported by the Terra Foundation for American Art, and Tom and Bonnie Rosse. Additional support from Lynn Dale and Frank Wisneski, the Barbara M. Eagle Exhibition Fund, the MFA Associates / MFA Senior Associates Exhibition Endowment Fund, the Dr. Lawrence H. and Roberta Cohn Fund for Exhibitions, and the Alexander M. Levine and Dr. Rosemarie D. Bria-Levine Exhibition Fund. Fashioned by Sargent is co-organized by the Museum of Fine Arts, Boston, and the Tate Britain, London.

Mohamed Melehi Untitled 1983 © Mohamed Melehi Estate

UNTIL 14 JANUARY 2024

A major exhibition about the artists of the renowned Casablanca Art School

Tate St Ives will be the first museum in the UK to explore the intense period of artistic rebirth that followed Morocco’s independence, forged by the experimental teaching methods of the Casablanca Art School in the 1960s and 1970s.

Led by Farid Belkahia alongside Mohammed Chabâa, Mohamed Melehi and others, this pioneering school paved the way for a new generation of socially engaged modern artists who formed an influential avant-garde network.

Works by 22 artists will be brought together to demonstrate the wide variety of the Moroccan ‘new wave’, from vibrant abstract paintings and urban murals to applied arts, typography, graphics and interior design.

The exhibition will also include a selection of rarely-seen print archives, vintage journals, documentary photographs and films.

This exhibition is a collaboration between Tate St Ives and Sharjah Art Foundation, where it will open in February 2024. It is also part of a key moment of international research into the Casablanca Art School, which includes a collaborative project initiated in 2020 between KW Institute for Contemporary Art and Sharjah Art Foundation, in partnership with Goethe-Institut Marokko, ThinkArt and Zamân Books & Curating.

Tate St Ives Porthmeor Beach St Ives Cornwall TR26 1TG

https://www.tate.org.uk/

A Brief Guide to the Casablanca Art School | Tate