| Christian Boltanski nous a quitté ce 14 Juillet 2021. Lui qui, toute sa vie nous a parlé de la mort, il l’a finalement rencontrée. Cet artiste autodidacte, hanté par la shoah s’est questionné tout au long de son parcours sur les souvenirs, vrais ou inventés, le temps qui passe et finalement l’issue fatale qui le fascinait autant, sans doute, qu’il la craignait Avec ses murs entiers, de photos souvenirs, de boites métalliques, d’archive ou de gâteaux, de vêtements usagés comme des enveloppes vides mais aussi des souvenirs de vie, il nous conduisait à réfléchir sur la question du temps et la valeur des souvenirs. Ses installations captaient des instants qui ne lui appartenaient pas vraiment. Parfois instants heureux qui construisaient pour lui une vie imaginaire au travers des souvenirs des autres. Parfois souvenirs de l’horreur, qu’il n’a pas vraiment vécue, caché mais pas déporté. Il s’est sans doute considéré comme un survivant chanceux (mais pourquoi lui plutôt qu’un autre?) qui aurait préféré ne pas voir et qui ne pouvait s’empêcher de nous montrer...Pour ne jamais oublier. Boltanski m’a émue jusqu’aux larmes dès ma première confrontation, dans la Réserve du Musée des enfants I et II installée au sous sol du MAM de Paris, et que je ne manque jamais de revoir à chacune de mes visites dans ce musée. Depuis ce jour, fascinée par cet être unique, je n’ai eu de cesse de transmettre mon enthousiasme pour cet artiste tellement sensible mais aussi un brin provocateur, qui a même réussi à vendre ce qui lui restait de vie en viager! J’ai voulu rendre hommage à Christian Boltanski aujourd’hui, pour ce qu’il a été mais aussi pour ce qu’il m’a permis de devenir. Martine Manfré Itzinger |
Le Musée Prive - Art Magazine
Carlo Guarienti : L'artiste qui défie le temps… par Martine Manfré itzinger
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Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000. Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano. Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans. Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2) Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle. Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde. Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne. (2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias : En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié. Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984. https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa (3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano. |
John Harrison Levee (1924-2017) un peintre insuffisamment reconnu - Un texte par Martine Manfré Itzinger
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Il serait peut être temps de rendre hommage à un artiste qui est venu et a vécu en France et dont les qualités créatrices, jamais remises en cause, justifieraient largement qu'une rétrospective lui soit consacrée en France et pourquoi pas à Paris dans sa ville d'adoption. Il semblerait que son indépendance d'esprit l'ait desservi car il est resté fidèle à une forme de liberté artistique jugée rebelle et a accordé plus d'importance à son art qu'au marché de l'art. Les protagonistes du théâtre artistique international lui en ont a apparemment tenu rigueur.
(2) - New York University, University of Southern California de Los Angeles, Washington University (3) - Patrick Reynolds, L'Expressionnisme Abstrait, Editions Le Musée Privé, 2007 |
John Levee archétype du héro Américain - John Levee archetype of the American hero
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Les grands-parents de John Levee, russes lithuaniens, avaient émigré aux Etats Unis à la fin du XIXème siècle en fuyant les pogroms d’extermination des juifs en Russie. Ils arrivèrent à New York au pays de la liberté et exercèrent une activité dans le domaine de la mode. Roze la mère de John, très jolie femme, actrice connue du cinéma muet et originaire du Montana, avait épousé son père Michael originaire de Chicago. John Harrison Levee was born in Los Angeles, California on April 10, 1924, the son of Michael and Roze Levee. John Levee's grandparents, Russian Lithuanians, emigrated to the United States at the end of the 19th century, fleeing the pogroms of extermination of Jewish in Russia. They arrived in New York in the land of the free and engaged in fashion. Roze, John's mother, a very pretty woman, a well-known silent film actress from Montana, had married her father Michael from Chicago. Ils ont rejoint en Californie le frère de Michael et sont tombés amoureux de cette région où ils s’installèrent définitivement. Ainsi naquit leur fils John à Los Angeles en 1924 – John a effectué une Licence de philosophie à l'Université de Californie, sportif très bon joueur de tennis, il jouait à Los Angeles avec les meilleurs joueurs américains. Il aurait pu effectuer son service militaire et rester à Los Angeles, en restant un peu tranquille : ce serait mal connaitre la personnalité de John : John a eu l’attitude d’un héros, le héros américain qui est représentatif de l’Amérique que nous aimons, cette Amérique qui a sauvé notre civilisation They joined Michael's brother in California and fell in love with this region where they settled permanently. Thus was born their son John in Los Angeles in 1924 - John completed a Bachelor of Philosophy at the University of California, a very good sportsman, tennis player, he played in Los Angeles with the best American players. He could have done his military service and stayed in Los Angeles, being a little quiet: it would be misunderstanding John's personality: John had the attitude of a hero, the American hero who is representative of the America we love, this America who saved our civilization. |
Autour du chiffre « Trois » dans l’art graphique… A propos de deux estampes.
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« Composition » de John Harrison LEVEE, lithographie en cinq couleurs éditée à 30 exemplaires sur papier Johannot en 1954, aux dimensions de 66 sur 51 cm , acquise par le MOMA. « Grand Nielle n°2 » de Gérard TITUS CARMEL, sérigraphie en cinq couleurs éditée à 60 exemplaires sur vélin d’Arches, en 1997, aux dimensions de 90 sur 63 cm.
Une sensation d’énergie contenue, de mouvements et d’équilibre émane de cette estampe de John Harrison Levée datant de sa période « Expressionisme abstrait ». Une paréidolie en forme de « machine » s’en dégage. L’équilibre de l’ensemble est tel que l’artiste est à même de nous en préciser le centre de gravité, situé au croisement des branches d’une figure en forme de « X ». Autour s’organise la « machine » dont la clef est à prendre dans un « rond postérieur » au positionnement pouvant aussi évoquer un réservoir ou un moteur... Trois angles orientés s’y inscrivent en traits clairs : vers le haut, vers le bas et, plus ouvert et doté d’une aura de profondeur, vers l’avant. Ils donnent à l’ensemble une assise dans l’espace. L’aplat rectangulaire et noir, en avant du « réservoir » fait contrepoids par sa masse à « l’outil » dressé en haut et en avant de la « machine ». Il participe à l’harmonie de l’œuvre. L’étude des tracés peints par John Harrison Levée manifeste une intention d’évoquer des vibrations, des mouvements . Ainsi la « roue » à l’avant, au moyeu noir, est dotée d’une cinétique évidente ; la ligne sinusoïdale au-dessus du « rond postérieur » est pleine à l’arrière mais soumise aux vibrations dans sa partie antérieure ; des petits traits multiples et verticaux évoquent en bas et à l’arrière de la « machine » la présence possible de gaz d’échappement… |
John LEVEE un des leaders de l’expressionnisme abstrait américain
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En 1929, le Museum of Modern Art (MOMA) ouvre ses portes à New York (USA). En 1933, le président des États-Unis, Franklin Delano Roosevelt, crée une aide économique pour les artistes. La scène artistique américaine se met en place. En 1936, l’exposition « Cubism and abstract art » est présentée au MOMA. Ces événements favorisent l’émergence de l’art abstrait américain dont le premier mouvement d’avant-garde est l’expressionnisme abstrait. Il se développe dans les années 1950-1960. Aucun manifeste n’a été rédigé. Les artistes ne s’engagent pas dans l’écriture, car pour eux, le langage plastique doit se suffire à lui-même. La principale nouveauté réside dans une nouvelle relation au geste. La photo montre à gauche le tableau de John LEVEE de 1955 (encre de chine 75 x 52,5 cm ) qui figure dans la collection du M.O.M.A. de new-York Voir également dans la Collection du M.O.M.A John Levee October 1, 1958 Dimensions 28 3/4 x 39 3/8" (73 x 100 cm) |
Autour du chiffre « Trois »…par Hervé Le Goaréguer
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| Portrait de Hervé Le Goaréguer dans son atelier |
La présence dans l’élaboration d’une œuvre d’éléments figuratifs, de formes géométriques semblables, au nombre de « trois », se rencontre volontiers dans l’art graphique. J’ai été surpris de constater que l’application de cette image conceptuelle dans ma démarche en peinture facilitait le rendu d’un rythme ou l’expression d’un mouvement. Comme s’il y avait là l’émanation implicite d’un « quelque chose » de dynamique et d’harmonieux. Mon propos est ici d’illustrer l’hypothèse que « Trois » est un chiffre à part, un concept en lui-même, donnant une impression d’unité, intimement lié au mouvement, au rythme et par conséquent à la vie… Pour commencer, étayons cette hypothèse dans le domaine de l’art. En musique, le rythme à trois temps nous entraine dans une valse réelle ou imaginaire. Les concertos s’établissent classiquement sur trois mouvements ; la composition des symphonies peut s’établir sur trois mouvements ; la forme sonate adopte une structure tripartite (exposition, développement, réexposition.) La trilogie, en littérature, est une œuvre unique constituée de trois écrits différents ayant chacun une existence propre. Sa vérité ne se saisit qu’au terme de la lecture des trois ouvrages. Selon Jean-Louis Le Craver, conteur et chercheur dans le domaine des Contes populaires, le trois est omniprésent dans les « Contes merveilleux de tradition orale ». Dans les titres par exemple : « Le sorcier aux trois ceintures », « Le petit berger et les trois géants », « Les trois poils du diable »... A propos des personnages : le héros est souvent le plus jeune d'une fratrie de trois tout comme l'héroïne (Cendrillon par exemple) est la plus jeune des trois sœurs... Les situations aussi relèvent fréquemment d'une réalité ternaire : passer trois nuits dans une église est une épreuve qualifiante ; la couronne est promise à qui réussira au mieux au cours de trois quêtes successives ; l'enfant promis à la sirène reçoit le don de trois oiseaux... Le « trois » casse la répétition et introduit une nouveauté qui annule la monotonie, réveillant l'attention.Il est intéressant de constater que cette quintessence de l'imaginaire populaire que le Conte représente accorde une telle place au chiffre « Trois »..... La peinture et la sculpture organisent aussi une œuvre unique sur trois panneaux complémentaires. Les triptyques ne sont pas rares. Il existe trois couleurs primaires : le jaune, le rouge et le bleu. |
Gustave Miklos et la Hongrie - Un amour unilatéral - texte de Julia Cserba
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La vente de la collection Jacques Doucet en 1972 a permis de redécouvrir l'Art déco aux collectionneurs puis progressivement au grand public. C’est à partir de ce moment que le sculpteur Gustave Miklos, figure emblématique de ce style, vénéré dans les années 1920-1930 et tombé dans l’oubli après la Deuxième Guerre mondiale, retrouve la place qu’il mérite sur la scène artistique internationale. Néanmoins, alors que ses œuvres sont devenues de plus en plus recherchées dans le monde, il est resté pratiquement inconnu jusqu’au début du 21ème siècle dans son pays natal, la Hongrie. Bien que Miklos ait définitivement quitté Budapest en 1909, il a toujours porté la Hongrie dans son cœur. Beaucoup de faits témoignent de son attachement à ses origines hongroises. Toutefois ce sentiment, comme dans le cas de Joseph Csaky, n’était pas réciproque. Quelques éléments complétant l’étude biographique très élaborée de Christiane Patkai permettent de démontrer cette triste réalité. |
JOHN LEVEE LE CONCRET ET L’ABSOLU PAR JEAN-PAUL GAVARD-PERRET
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Malgré des techniques et des langages picturaux différents tous ces peintres révolutionnent l’art de leur temps par une abstraction sensuelle, violente et souvent colorée. L’émotion se donne selon de nouvelles voies et une liberté subversive émerge. Dans cette mouvance le parcours de John Levee est particulièrement intéressant même s’il n’a pas obtenu la reconnaissance publique qui accompagne le travail d’un Pollock, d’un Motherwell ou d’un Rothko. Après l’âge d’or du mouvement et à partir des années 70 Levee s’oriente vers une exigence plus disciplinée. Apparaît dans son œuvre une sorte de néo-constructivisme ou un géométrisme dans lesquels se lisent encore les pulsions de sa période antérieure. Devenant le plus parisien des peintres américains on le classe parfois dans la seconde école de Paris. Mais tout cela reste néanmoins secondaire. Ce qui compte demeure la force particulière d’une œuvre d’une rigueur, d’une pureté rare. Levee n’a jamais triché et son travail le prouve. Et il mérite pour ceux qui l’ignoreraient encore plus qu’un simple coup d’œil. |
IN FINE EDITIONS D'ART
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In Fine éditions d'art vous emmène en ce joli mois de Mai : admirer la lumière de Zao-Wou-Ki, accompagner Paul Durand-Ruel et les Post-Impressionnistes, mener l'enquête dans l'atelier des Changenet, visiter Chambord avec Lydie Arickx, prendre place à la table des dijonnais, concourir au Prix de l'AICA, faire le singe à Chantilly, se laisser conter les grands mythes avec Marie de Mahenge. Nos nouveautés à paraître disponibles en Mai 2021 ! Diffusion CDE / Distribution SODIS Retrouvez nos actualités sur Facebook https://www.facebook.com/infine.editionsdart Instagram https://www.instagram.com/infine.editionsdart/ Pinterest https://www.pinterest.fr/infineeditionsdart/ Twitter https://twitter.com/infine_editions et sur www.infine-editions.fr Marc Alexis Baranes Directeur des éditions In Fine éditions d'art Tél. 01 87 39 84 62 mabaranes(at)infine-editions.fr |
Roselyne Bachelot-Narquin ministre de la Culture
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Roselyne Bachelot-Narquin a été nommée ministre de la Culture par le président de la République, sur proposition du Premier ministre, le lundi 6 juillet 2020. Consulter le décret relatif aux attributions du minis Formation Universitaire : Parcours professionnel : Mandats et fonctions ministérielles : - Conseillère générale du Maine et Loire, canton d’Angers Nord Est (1982-1988) Délégation à l’information et à la communication Tél : 01 40 15 83 31 |
Comment commencer une collection d'art contemporain - How to start a contemporary art collection
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Comment commencer cette belle aventure, comment vivre ce moment unique qui consiste à acquérir une première oeuvre d'art. The proliferation of international fairs and fairs, auctions, galleries and the proliferation of websites specializing in contemporary art make the public want to enter this open and accessible market. How to start this great adventure, how to live this unique moment which consists in acquiring a first work of art. Conseil N°1 : Formez votre oeil Advice Nr 1 : Train you eye Au départ il faut former son œil pour savoir détecter les bons artistes qui peuvent avoir un avenir. Pendant cette période transitoire allez dans les Musées, les expositions, les salles des ventes, les galeries, les marchés à la brocante, et les salons d’art contemporain. Quand vous aurez vu des milliers d’œuvres vous pourrez détecter celles dont la qualité vous touche. At the beginning you have to train your eye to know how to detect good artists who may have a future. During this transitional period go to museums, exhibitions, auction rooms, galleries, flea markets, and contemporary art fairs. When you have seen thousands of works you will be able to detect those whose quality touches you.
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collection P. Reynolds ancienne Collection Emmanuel David |
Taschen Walter Chandoha Cats Photographs 1942–2018
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Bien avant Internet et les chats sur Instagram, Chandoha fascine le public avec ses adorables boules de poils. De la publicité aux cartes de vœux, des puzzles aux boîtes d’aliments pour animaux, ses clichés renvoient un mélange d’amour sincère pour ces créatures, d’éthique professionnelle et de maîtrise technique sans failles. Caractéristique du style de Chandoha, la lumière glamour, qui met en valeur la fourrure de chaque félin, s’impose comme un incontournable du portrait animalier durant des générations et inspire des maîtres comme Andy Warhol qui puise parmi les charmants portraits de Chandoha pour son livre d’illustration de chats. Cats nous plonge dans les archives uniques en leur genre de l’artiste et en a extrait photos couleur prises en studio, portraits saisis dans leur contexte, clichés de rue noir et blanc, images vintage capturées lors d’expositions félines, charmants tableaux de chats et d’enfants, et bien d’autres. Cet ouvrage rend un hommage mérité à ces créatures fascinantes, mais aussi à un photographe décédé en 2019 à l'âge de 98 ans et dont la compassion et l’amour des animaux transparaissent dans la moindre de ses œuvres. |
Taschen publie BABY SUMO de Helmut Newton
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Helmut Newton (1920–2004) a toujours témoigné d’un sain dédain pour les solutions faciles ou prévisibles. Son SUMO —une aventure éditoriale audacieuse et sans précédent— était un projet irrésistible. L’idée d’un recueil d’images, reproduites sur des pages d’une taille exceptionnelle et selon les normes de pointe en matière de création et d’impression est née d’un dialogue ouvert, exploratoire entre le photographe et l’éditeur. Avec un poids impressionnant de 35 kilos, ce concept original et ses techniques de production sans faille, ce livre a établi de nouvelles normes. Publié dans une édition limitée à 10.000 exemplaires signés et numérotés, le premier SUMO a été épuisé peu après sa parution et sa valeur de rachat s’est rapidement multipliée. Véritable sensation dans le monde de l’édition à l’échelle de la planète, le livre a emporté le genre de la monographie vers une toute nouvelle dimension et se trouve désormais dans de nombreuses collections importantes à travers le monde, dont celle du Museum of Modern Art de New York. Le tout premier exemplaire du SUMO, signé par plus de 100 célébrités apparaissant dans le livre, a battu le record du livre le plus cher du 20e siècle, vendu aux enchères à Berlin le 6 avril 2000 pour un montant de 620.000 Deutsche Marks. Créé à l’occasion du 100e anniversaire de la naissance de Helmut Newton et du 40e anniversaire de TASCHEN, cette nouvelle édition spectaculaire éditée par June Newton est désormais disponible. Rétréci de moitié exactement par rapport à l’illustre original de 1999, le «BABY SUMO» n’a rien perdu en glamour. Avec plus de 400 images à couper le souffle, reproduites et imprimées selon les derniers standards, il a toujours l’envergure d’une exposition privée de photographies. Il est lui aussi publié dans une édition limitée à 10.000 exemplaires, avec un livret détaillé documentant la fabrication de cet événement éditorial majeur. Philippe Starck a de nouveau conçu le lutrin qui accompagne le livre, cette fois avec un piédestal, un moyen idéal de présenter cet ouvrage. BABY SUMO, l’ultime pièce de collection. Pour les collectionneurs de l’œuvre de Newton et tous ceux qui souhaitent posséder une pièce de l’histoire de l’art. La légende continue! Édition Collector limitée à 10.000 exemplaires numérotés, avec un lutrin de Philippe Starck |
Manifeste en ligne pour un art philosophique et éthique
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Les analyses abondent de tous horizons pour changer nos paradigmes, nos valeurs, nos gouvernances politiques, économiques, sociales, écologiques, culturelles, locales aussi bien que planétaires et nos comportements individuels, pour repenser nos pratiques de santé publique, d’éducation, de commerce, revaloriser la société civile face aux logiques surplombantes de nos gouvernants. Tout y passe, contradictoirement souvent. Mais force est d’entendre le silence assourdissant d’un grand absent de ce concert d’appels urgents à mutations : l’art. Pourtant dans le domaine de l’art aussi, la « normalité » qui nous a menés à une catastrophe planétaire doit être profondément repensée. -La créativité individuelle du « n'importe quoi est art » initiée par Dada, Fluxus, le happening, les installations les plus diverses, a eu ses vertus créatives, on ne saurait le nier. Mais cette liberté extrême, qui nous libérait des poncifs de l’art et de la société, et célébrait l’alliance de l’art avec la vie, a inévitablement, comme l’avant-gardisme exacerbé des années 1960-70, atteint un degré de caprice individuel, de saturation, de non-sens et d’épuisement de ses modalités expressives, qui en détournent aujourd’hui le public élitiste, et auxquelles le grand public n’a jamais adhéré. Et c’est sans compter que le monde a considérablement changé entre temps, appelant à de nouveaux engagements artistiques. |
Lolochka que la joie demeure
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| Lolochka 1989 huile sur tole 116 x 89 cm nativité |
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Que la joie demeure Construire des images qui déconstruisent les images archétypales et mettre le souffle , le changement permanent au coeur du tableau. Lolochka |
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| Lolochka Before the birth |
Signé Mona par Renaud Siry Editions Douin
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Renaud Siry est chanteur (disque d'or en 1980 avec Help Michèle), musicien (pianiste, guitariste et batteur), grand collectionneur d'automobiles miniatures et passionné de voitures. Il a publié chez E.T.A.I : DS miniatures de mon enfance, 50 ans de tôle et Peugeot 404 de mon enfance. Avec Signé Mona, il publie son premier roman qui part d'une idée simple. " Et si la Joconde, qui vous regarde avec insistance, n'était pas celle que vous croyez ? EAN : 9782354982263 - 380 p. format 150x230 mm. Editions Douin |
Lettre de Michel Patrix à Jacques Busse 1949
| Ce texte expose la philosophie de la peinture et de la vie selon Michel Patrix Ces images sont tirées du livre écrit par sa veuve "Il n'y a de jugement que dernier : le quotidien d'une femme de peintre", Annie Guevel, Editions Hubert Julia - 1984, L'original se trouve dans le livre de bord de l'Artiste Blaise Patrix les ateliers pARTage 46, rue du fort, B1060 Bruxelles gsm:+32 (0)4 78 56 31 33 http://www.blaisepatrix.com |
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Tél: (33) 09 75 80 13 23 |
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