Henri Matisse, Grand nu couché (Nu rose), 1935, Huile sur toile, 66,4 x 93,3 cm, The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection, fondée par le Dr Claribel Cone et Etta Cone, Baltimore, Maryland, 1950,

© Succession H. Matisse / 2024, ProLitteris, Zurich, Photo: Mitro Hood

22 septembre 2024 – 26 janvier 2025

La Fondation Beyeler à Riehen/Bâle présentera à l'automne 2024 la première rétrospective Henri Matisse en Suisse et dans l'espace germanophone depuis près de 20 ans. Réunissant plus de 70 oeuvres majeures en provenance de collections privées et de musées européens et américains de premier plan, l'exposition mettra en lumière l'évolution et la richesse du travail précurseur de l'artiste.

Henri Matisse (1869–1954) compte parmi les créateurs les plus célèbres de l'art moderne. Son oeuvre précurseur a profondément influencé des générations d'artistes, de ses contemporains à nos jours. En libérant la couleur du motif et en simplifiant les formes, il a redéfini la peinture et apporté à l'art une légèreté nouvelle. Matisse a également innové dans le domaine de la sculpture et, avec les papiers découpés de sa phase tardive, développé une pratique unique à la croisée de la peinture, du dessin et de la sculpture.

L'exposition couvrira toutes les périodes du travail de l'artiste. Elle commencera avec les premières oeuvres produites vers 1900, en passant par les toiles révolutionnaires du fauvisme et les travaux expérimentaux des années 1910, les tableaux sensuels de la période niçoise et des années 1930, pour culminer dans les légendaires papiers découpés de l'oeuvre tardif des années 1940 et 1950. Cette profusion de tableaux, de sculptures et d'oeuvres sur papier de premier plan donnera à voir l'évolution et la richesse de l'oeuvre singulier de Matisse.

28/09/2024 - Brigitte Bardot fête ses 90 ans : femme libre au parcours ensoleillé exceptionnel  elle représente l’incarnation de la beauté féminine, du plaisir de vivre en créant du bonheur autour de soi. Le bonheur la défense et la préservation des animaux est une de ses préoccupations fondamentales qui s’accompagne d’un sens et d’un respect humain immense des animaux. Brigitte Bardot incarne une sensualité positive faite d’authenticité et d’audace, résolument française, elle a l’immense force l’intelligence et la bravoure de dire ce qu’elle pense, quoi qu’il lui en coûte : on aime sa voix, son naturel , en un mot sa personnalié et sa philosophie de vie. Les courriers affluent du monde entier vers Saint-Tropez pour célébrer les 90 ans d’une femme libre au parcours insensé auquel son village rendra un hommage public ce samedi 28 septembre à la Fondation Linda et Guy Pieters. - Patrick Reynolds

https://www.brigitte-bardot.fr/ 

Fondation Linda et Guy Pieters

28 Boulevard Vasserot
(Places des Lices)
83990 Saint-Tropez

+33 4 22 84 01 89
+33 4 94 43 41 33

info(at)fondationlgp.com

https://www.fondationlgp.com/en/welcome

le 28 / 09 / 2024

Miró
Exposition jusqu'au 24 novembre 2024

La Banque, Musée des Cultures et du Paysage d'Hyères
En partenariat avec la Fondation Maeght 

La Banque, musée des Cultures et du Paysage de la ville d'Hyères (Var), présente jusqu'au 24 novembre 2024 l'exposition Miró. Organisée en partenariat avec la Fondation Maeght qui célèbre ses 60 ans cette année, cette exposition révèle des pièces exceptionnelles qui mettent en lumière l'œuvre prolifique de ce génie artistique

Vue in situ de l'exposition © La Banque, musée des Cultures et du Paysage - Hyères

74 œuvres créées entre 1956 et 1977

À la fin des années 1950, Joan Miró entame une période de profonde transformation artistique qui durera jusqu'à la fin de sa vie. Cette période marque l'apogée de son génie créatif et donne naissance à des œuvres d'une puissance expressive inégalée.

Nouvelles explorations

04/09/24 Découvrez l'œuvre de Guillaume Corneille (1922-2010) artiste prolifique et coloriste hors norme. Toute sa vie durant, Corneille cherche partout la joie : il l'exalte dans la luxuriance de la nature, un peu partout dans le monde mais aussi aux côtés de ses amis et des artistes qui l'ont fasciné ou dans l'hommage rendu à la beauté des femmes.

L'exposition vous permet de vivre toutes les périodes créatives de l'artiste pour qui l'estampe est une pratique constante. Riche de plus de 150 œuvres, le parcours vous enthousiasmera par la diversité de ses approches, la constance de son énergie, sa poésie, sa relation à la vie animale et de tout ce qui fait la splendeur du monde. Il est l'un des plus grands coloristes de l'Art de la seconde moitié du XXᵉ siècle et ce, dès ses années CoBrA jusqu'à son admiration pour Van Gogh, comme lui hollandais exilé à Auvers‑sur‑Oise.

Corneille langs de vreugde

Maak kennis met het werk van Guillaume Corneille (1922-2010), vruchtbaar kunstenaar en buitengewoon colorist. Zijn leven lang ging Corneille overal op zoek naar vreugde: hij verheerlijkte ze in de weelderige natuur, overal ter wereld, maar ook aan de zijde van zijn vrienden en van de kunstenaars die hem fascineerden, of in zijn eerbetoon aan de schoonheid van de vrouw.

De tentoonstelling gunt je een blik op alle creatieve periodes van de kunstenaar die tal van gedrukte prenten uitgaf. Het wordt een betoverende reis langs meer dan 150 werken, stuk voor stuk getuigen van verschillende benaderingen, een nooit tanende energie, een rijke poëzie en een liefde voor dieren en voor alle pracht die de wereld te bieden heeft. Corneille was een van de grootste coloristen van de tweede helft van de 20e eeuw, van zijn COBRA-jaren tot zijn bewondering voor Van Gogh, net als hijzelf een Nederlander die woonde in Auvers-sur-Oise.

 Salvador Dalí, The Disintegration of the Persistence of Memory (detail), 1952–54. Oil on canvas. Collection of the Dalí Museum. Gift of A. Reynolds

and Eleanor Morse. © 2024 Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Artists Rights Society.

Exhibition offers new take on Dalí 100 years after the founding of Surrealism

On view July 6 through December 1, 2024

BOSTON (June 12, 2024)—The outlandish and iconoclastic artist Salvador Dalí (1904–1989) is famous for his bizarre imagery, eccentric behavior and unparalleled technical skill. The renowned Surrealist was also, however, deeply rooted in tradition. He revered his artistic predecessors—among them Dürer, Raphael, El Greco, Vermeer and above all Velázquez. Opening this summer, the first-ever exhibition of work by Dalí at the Museum of Fine Arts, Boston (MFA) examines this sustained engagement with European art of the past. Dalí: Disruption and Devotion presents nearly 30 paintings and works on paper on loan from the Salvador Dalí Museum in St. Petersburg, Florida, as well as books and prints from a private collection, which are shown alongside works from the MFA’s European collection made by artists who inspired him. The unique juxtapositions, presented in both pairings and small thematic groupings, offer a new take on one of the most celebrated artists of the 20th century.

Dalí spent his youth in the small Spanish town of Figueres, north of Barcelona near the Catalan coast. His artistic talent was noticed early on, and at 18, he enrolled at Madrid’s San Fernando Royal Academy of Fine Arts. On a trip to Paris in 1929, Dalí connected with the Surrealist group through another Catalan artist, Joan Miró. In the words of the group’s leader, André Breton, Surrealism aimed to “resolve the previously contradictory conditions of dream and reality into an absolute reality, a super-reality.” The unconscious mind was first explored in literature, but the movement soon expanded to the visual arts, with Dalí a highly visible member of the circle.

“The Surrealist movement, announced by André Breton in 1924, is 100 years old. The MFA’s exhibition, using superb loans from the Salvador Dalí Museum in St. Petersburg, Florida, offers a timely opportunity to reconsider the most famous Surrealist in terms of the historical artists he deeply admired,” said Frederick Ilchman, Chair and Mrs. Russell W. Baker Curator of Paintings, Art of Europe.

Dalí: Disruption and Devotion showcases a broad range of Dalí’s best-known works, in terms of subject matter, chronology and scale. Highlights include:

MIRAGES

du 13 septembre au 8 décembre 2024

Maison des Arts de Châtillon

11 rue de Bagneux, 92320, CHATILLON

Nadège AZZAZ,

La Maire de Châtillon

Martine GOURIET,

L'Adjointe à Madame la Maire, déléguée à la Culture et au Patrimoine

Et le Conseil municipal, sont heureux de vous inviter  à l’exposition de Aline ZALKO

Du 13 septembre au 8 décembre 2024

 VERNISSAGE DE l'EXPOSITION sur demande auprès de La Maison des Arts le JEUDI 12 SEPTEMBRE 2024 à partir de 19h

Aline Zalko est dessinatrice et peintre. Elle puise dans l'observation de la nature et les photos trouvées qu'elle collectionne pour créer des œuvres dans lesquelles couleurs et perspectives sont réinterprétées.

Diplômée de l'École des Arts Décoratifs de Paris, Aline Zalko expose en 2013 au Salon d'art contemporain de Montrouge une série de grands dessins au crayon de couleur et pastel centrés sur l'intime et la puberté. Dans les années qui suivent, elle élargit son propos en y intégrant des questionnements sur l'imagerie féminine, de façon plus radicale.

Au début des années 2020, à l'occasion de nombreux séjours en Auvergne, Aline Zalko amorce un tournant. Elle place la nature au centre de son travail, et commence une série de peintures à l'acrylique sur de larges toiles, privilégiant une gamme chromatique extravertie dans un traitement qui confine à l'abstraction.

Qu'il s'agisse du papier ou de la toile, elle retranscrit le monde qu'elle observe en l'irradiant et le distordant, jouant des couleurs contrastées et des matériaux.

Aline Zalko révèle un univers ambigu et vibrant, parcouru de jardins, d'incendies et de forêts, où tout semble en perpétuel état de métamorphose. La figure humaine, lorsqu'elle est représentée, semble déjà faire partie d'un monde révolu.

Site internet de l'artiste : https://alinezalko.com/

aline.zalko(at)gmail.com

Instagram : https://www.instagram.com/alinezalko/

Le Parcours de l’Art Avignon fête ses 30 ans en mettant à l’honneur le corps et le mouvement. Le Parcours de l’Art Avignon, festival d’art contemporain, entame sa 30ème édition avec une thématique spéciale pour cette année olympique : le corps et le mouvement. 20 artistes seront réunis pour cette édition anniversaire.

Depuis l’hiver 2021, le nouveau collectif à la direction du festival, explore chaque année un thème spécifique. Nous nous engageons, au fil des éditions, à améliorer l’accueil des artistes en les rémunérant et en mettant à leur disposition notre expertise professionnelle pour valoriser leurs œuvres au sein des sites patrimoniaux les plus emblématiques de la ville culturelle d’Avignon.

Le Festival se déroulera du 11 au 27 octobre 2024, offrant ainsi aux vacanciers de la Toussaint, tant locaux que nationaux, la possibilité de participer à ce riche événement culturel dans la douceur de l’été indien provençal.

La consolidation de notre équipe, notre organisation en intelligence collective et l’augmentation de nos ressources grâce à divers appels à projets et à la recherche de mécénat, nous permettent d’élargir notre programmation. Celle-ci comprend plus d’événements artistiques, des médiations variées pour le public, ainsi que davantage de résidences de création pour les artistes.

Parmi les nombreux artistes qui ont répondu à notre appel à candidatures, nous avons sélectionné 12 talents : Awena  Cozannet, Mathis Benestebe, Emmanuel Béranger, Elsa Chazal, Darius Dolatyari, Françoise Joudrier, Amandine Maillot, Mariam Niare, Gilles Pourtier, Fu Le, Patrick Vandercateele, Chloé Viton.

 Leurs œuvres explorent une large palette artistique faite de textile, photographie, peinture, performance, sculpture, vidéo, mais aussi granit, fumée, et quelques créatures insolites. Elles racontent les histoires de nos corps singuliers et interrogent les formes de notre vaste corps collectif. Corps évoqués, représentés, filmés, absents, dansants, chantants, performatifs, politiques et poétiques qui par le truchement du mouvement deviennent langage.

En outre, nous avons proposé une carte blanche à des artistes de renom : Edmond Baudoin, dessinateur ; Nadia Vadori-Gaultier, danseuse et chorégraphe ; Thierry de Mey, compositeur et vidéaste ; Macha Polivka, danseuse. Parce qu’un festival sans création n’en est pas vraiment un, et parce que la création de nouvelles œuvres est la raison de vivre des artistes, nous avons invité en résidence de création Salomé Fauc, Jean Sanchez, Goddog et Caroline Bizalion.

Préparez-vous à une édition riche et festive, faite d’expositions, de rencontres, de performances, de projections, de spectacles et de médiations.

Rejoignez-nous en tant que bénévoles, adhérent.e.s, mécènes, sponsors, partenaires, média, afin d’apporter votre expertise et votre soutien au festival.

Votre participation est essentielle pour le succès du festival Parcours de l’Art Avignon !

Le Comité du Parcours de l’Art Avignon

Johanna Rolland, Maire de Nantes et Présidente de Nantes Métropole
et le Conseil municipal de Nantes et le Conseil métropolitain de Nantes Métropole
Fabrice Roussel, Président de la SPL Le Voyage à Nantes
Jean Blaise, Directeur général de la SPL Le Voyage à Nantes
Bertrand Guillet,   Et l'équipe du musée d'histoire de Nantes

ont le plaisir le plaisir de vous convier à l'ouverture de l'exposition

Ivresse de l'encre De Lassaâd Metoui

BIOGRAPHIE DE LASSAÂD METOUI

Samedi 6 juillet, dès 10h (entrée libre)

À partir de 19h, La Nuit du VAN, le lancement festif de l'édition estivale du Voyage à Nantes donne lieu à une programmation singulière.

À cette occasion, l'accès au musée d'histoire de Nantes est également en entrée libre de 19h à 22h. Et les douves du château sont une étape importante de la soirée avec, à partir de 21h30, un concert des Nantais de La LØMA, une carte blanche à Noémie Goudal, qui convie Baptiste Lagrave à une expérimentation musicale en live afin de créer la bande-son de ses deux nouveaux films, et un DJ set de Yuzu.

Voir le programme de La Nuit du VAN.

Château des ducs de Bretagne – musée d'histoire de Nantes

4 place Marc Elder - 44 000 Nantes

Tél 0811 46 46 44 (Service 0,05€/min + prix d'appel)

Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. – www.chateaunantes.fr – #expochateau

Le Château des ducs de Bretagne, propriété de Nantes Métropole, est géré par la société publique locale Le Voyage à Nantes dans le cadre d'une délégation de service publique.

Jean Dubuffet, Les prestations, 6 juillet 1979, acrylique sur papier entoilé (avec 6 pièces rapportées collées), 51 x 70 cm

Coll. Fondation Dubuffet, Paris © ADAGP, Paris, 2024

Avoir été choisie pour être l’invitée de la présente édition du Salon du dessin touche particulièrement la Fondation Dubuffet, qui, durant toute l’année 2024, célèbre ses 50 ans d’existence. Créée par l’artiste lui-même, la fondation a été reconnue d’utilité publique par décret en 1974. L’exposition présentée par la Fondation au Salon du dessin est l’un des premiers événements organisés pour cet anniversaire. Elle prend la suite des prestigieuses institutions muséales, invitées jusqu’à présent, qui avaient choisi de présenter les plus belles « feuilles » de leurs collections. Le terme en usage de « feuille » a une résonnance conventionnelle que Jean Dubuffet aurait sans doute rejetée, lui qui n’a eu de cesse de s’opposer aux valeurs académiques.

Riche d’une collection de plus de 1 300 oeuvres sur papier, dons de l’artiste de son vivant ou acquisitions plus récentes, la Fondation a sélectionné 55 oeuvres réalisées entre 1935 et 1985 qui témoignent de la diversité des techniques employées par Jean Dubuffet et de l'usage inventif qu'il en fait.

Artiste majeur de la seconde moitié du XXe siècle, Jean Dubuffet (1901-1985) s’engage, en 1942, dans une vaste entreprise de déstabilisation de l’institution culturelle. Ainsi, à ceux qui défendent le parti du bien dessiner, il leur oppose celui du mal dessiner. Dans un entretien où il est tout à la fois l’interviewé et l’intervieweur, il explique : « On appelle couramment bien dessiner le faire de manière à s’approcher avec exactitude d’une prise de vue photographique et c’est ce qui m’apparaît à moi mal dessiner, ou plutôt ne pas dessiner du tout. À toute production d’art, si humble soit-elle, on demande en tout cas qu’elle soit créative. »

Première fondation d’art moderne et contemporain en France, la Fondation Maeght fêtera son soixantenaire à l’été 2024. Créée en 1964 par le couple de marchands d’art, éditeurs et lithographes Marguerite et Aimé Maeght, elle fut inaugurée par André Malraux et immédiatement reconnue d’utilité publique. Cet anniversaire sera marqué par une grande exposition estivale « Amitiés, Bonnard-Matisse », l’inauguration de nouvelles salles d’exposition consacrées cette année à la collection permanente et un mois de célébrations composé de concerts, représentations de danse, projections de films, lectures…

Pierre Bonnard, L’amandier en fleurs, 1946 54,5 x 37,5 cm Paris, Centre Pompidou - Musée national d’art moderne - Centre de création industrielle Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou, MNAM-CCI

Les institutions culturelles s'engagent aujourd'hui résolument vers le bien-être des visiteurs en faisant appel à la mise en place d'expérience Mindful Art® pour transformer les espaces culturels en lieu de vie, propice à l'introspection et au ressourcement. Nouvelle manière d'aborder ou de découvrir une œuvre d'art, Mindful Art® propose une expérience unique de méditation pleine conscience, de neuroscience et de poésie. Plus que prendre le temps et de ralentir le pas dans les musées, Mindful Art® Experience permet aux participants de regarder les œuvres autrement, d'établir un lien personnel, intime et direct avec l'œuvre. En 2024, la créatrice de la méthode, Marjan Abadie, propose une riche programmation avec, entre autres, l'ouverture d'un espace dédié à la médiation guidée au Palais des Beaux de Lille, l'inauguration de capsules sonores et des ateliers performance à travers toute la France et la Belgique.

Mise en place d'une capsule sonore au Musée des Beaux-Arts d'Orléans

À partir du 23 mars 2024

Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans et Mindful Art collaborent depuis 4 ans pour le bien-être de tous les publics. Dans la continuité logique de cette collaboration, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans, profondément engagé dans l'inclusion et le bien-être, va mettre en place une création sonore méditative Mindful Art. Cette création propose à tous les visiteurs un temps de pause au cours de leur parcours de visite. La capsule sonore sera inaugurée le 9 mars. Chaque visiteur pourra s'accorder une pause au pied de Saint Sébastien, soigné par Irène, d'après Georges de La Tour et poursuivre sa visite de manière plus immersive et sensible. Il s'agit d'une transition entre "faire le musée" et "être avec les œuvres d'art au musée", offrant ainsi une expérience enrichissante et plus intime à chacun.

Né en 1985 à Paris. Vit et travaille entre Berlin et Paris.

Kevin Lucbert est diplômé en 2008 de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Lors de ses études il se lie d'amitié avec Yann Bagot et Nathanaël Mikles. Ensemble ils créent le collectif artistique Ensaders et participent régulièrement à des performances, expositions et conduit des workshops de dessin. En parallèle il travaille pour The New York Times, Télérama, Les Échos, le groupe de presse Mondadori ou encore Starbucks, Hermès ou BIC, qui a récemment acquis quelques un de ses dessins pour leur collection d'art contemporain. En 2018, les œuvres de la collection BIC sont exposées au 104 à Paris, parmi lesquelles, celles de Lucbert.

Inspiré par de multiples sources, Maurits Cornelis Escher, Alfred Kubin, Philippe Mohlitz ou Les Cités Obscures de Schuitten et Peeters, Lucbert a développé une création unique dans laquelle il explore un monde parallèle, un univers absurde qui lui est propre. Dans sa série Blue Lines réalisée au stylo BIC bleu, il explore des paysages surréalistes et des compositions frontales et imaginaires. Ses œuvres traduisent un monde spatial et rêveur.

 29/09/2023 - 14/01/2024

Pablo Picasso (1881-1973) a travaillé sur la sculpture pratiquement dès le début de sa longue carrière. Pour l'artiste de Malaga, il ne s'agissait pas d'un médium de moindre rang, mais plutôt d'une forme d'expression comparable à la peinture, au dessin ou à la gravure. Dans sa pratique, il n’y avait pas d’arts majeurs et mineurs, mais plutôt des langages et des matériaux différents qui lui permettaient de transmettre divers aspects de sa création. Le corps, objectif ultime de la représentation et instrument principal de Picasso tout au long de sa carrière, est le pilier fondamental de cette exposition qui s'inscrit dans le cadre des commémorations du 50e anniversaire de sa mort.

Pablo Picasso (1881–1973) trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria. Para el artista malagueño, no se trataba de un medio de un rango menor, sino de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo o el grabado. En su práctica, no existían artes mayores y menores, sino diferentes lenguajes y materiales que le permitían transmitir aspectos diversos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición, que se enmarca dentro de los actos de conmemoración del 50º aniversario de su fallecimiento.

Monographie dédiée à l'artiste, avec des essais de Carmen Giménez, Diana Widmaier-Ruiz-Picasso et Pepe Karmel sur l'œuvre sculpturale de Picasso . Le volume est illustré d'images des œuvres présentes dans l'exposition, tant actuelles qu'historiques réalisées par Brassaï.

Nicolas de Staël Musée d’Art Moderne de Paris

15 septembre 2023 – 21 janvier 2024

Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre une grande rétrospective à Nicolas de Staël (1914-1955), figure incontournable de la scène artistique française d’après guerre. Vingt ans après celle organisée par le Centre Pompidou en 2003, l’exposition propose un nouveau regard sur le travail de l’artiste, en tirant parti d’expositions thématiques plus récentes ayant mis en lumière certains aspects méconnus de sa carrière (Antibes en 2014, Le Havre en 2014, Aix-en-Provence en 2018

La rétrospective rassemble une sélection d’environ 200 tableaux, dessins, gravures et carnets venus de nombreuses collections publiques et privées, en Europe et aux Etats-Unis. À côté de chefs-d’œuvre emblématiques tels que le Parc des Princes, elle présente un ensemble important d’œuvres rarement, sinon jamais, exposées, dont une cinquantaine montrées pour la première fois dans un musée français.

Organisée de manière chronologique, l’exposition retrace les évolutions successives de l’artiste, depuis ses premiers pas figuratifs et ses toiles sombres et matiérées des années 1940, jusqu’à ses tableaux peints à la veille de sa mort prématurée en 1955. Si l’essentiel de son travail tient en une douzaine d’années, Staël ne cesse de se renouveler et d’explorer de nouvelles voies : son « inévitable besoin de tout casser quand la machine semble tourner trop rond » le conduit à produire une œuvre remarquablement riche et complexe, « sans esthétique a priori ». Insensible aux modes comme aux querelles de son temps, son travail bouleverse délibérément la distinction entre abstraction et figuration, et apparaît comme la poursuite, menée dans l’urgence, d’un art toujours plus dense et concis : « c’est si triste sans tableaux la vie que je fonce tant que je peux », écrivait-il.

La rétrospective permet de suivre pas à pas cette quête picturale d’une rare intensité, en commençant par ses voyages de jeunesse et ses premières années parisiennes, puis en évoquant son installation dans le Vaucluse, son fameux voyage en Sicile en 1953, et enfin ses derniers mois à Antibes, dans un atelier face à la mer.

En prenant appui sur deux projets phares autour de la transidentité et de la photographie, Transgalatique et Casa Suzanna, nous aborderons avec nos invité·es l'artiste chercheur SMITH et les commissaires d'exposition Nadège Piton et Isabelle Bonnet, la question du genre et ses mutations par le prisme de la photographie et des livres de photographie.

Rencontre animée par Véronique Prugnaud - The Eyes : https://www.institut-photo.com/event/photographie-transidentite/

https://www.instagram.com/theeyespublishing/ 

MARK ROTHKO

Du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024

Première rétrospective en France consacrée à Mark Rothko (1903-1970) depuis celle du musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999, l’exposition présentée à la Fondation Louis Vuitton à partir du 18 octobre 2023 réunit quelque 115 œuvres provenant des plus grandes collections institutionnelles et privées internationales, notamment de la National Gallery of Art de Washington, de la famille de l’artiste et de la Tate de Londres. Se déployant dans la totalité des espaces de la Fondation, selon un parcours chronologique, elle retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste depuis ses premières peintures figuratives jusqu’à l’abstraction qui définit aujourd’hui son œuvre.

“Je ne m’intéresse qu’à l’expression des émotions humaines fondamentales...”

Mark Rothko

L’exposition s’ouvre sur des scènes intimistes et des paysages urbains – telles les scènes du métro new-yorkais –, qui dominent dans les années 1930, avant de céder la place à un répertoire inspiré des mythes antiques et du surréalisme à travers lesquels s’exprime, pendant la guerre, la dimension tragique de la condition humaine.  

À partir de 1946, Rothko opère un tournant décisif vers l’abstraction dont la première phase est celle des Multiformes, où des masses chromatiques en suspension tendent à s’équilibrer. Progressivement, leur nombre diminue et l’organisation spatiale de sa peinture évolue rapidement vers ses œuvres dites « classiques » des années 1950 où se superposent des formes rectangulaires suivant un rythme binaire ou ternaire, caractérisées par des tons jaunes, rouges, ocre, orange, mais aussi bleus, blancs...  

En 1958, Rothko reçoit la commande d’un ensemble de peintures murales destinées au restaurant Four Seasons conçu par Philip Johnson pour le Seagram Building – dont Ludwig Mies van der Rohe dirige la construction à New York. Rothko renonce finalement à livrer la commande et conserve l’intégralité de la série. Onze ans plus tard, en 1969, l’artiste fera don à la Tate Gallery de neuf de ces peintures qui se distinguent des précédentes par leurs teintes d’un rouge profond, constituant une salle exclusivement dédiée à son travail au sein des collections. Cet ensemble est présenté exceptionnellement dans l’exposition.

Crédits : Mark Rothko, No. 14, 1960 - Huile sur toile, 289.6 x 266.7 cm
San Francisco Museum of Modern Art Helen Crocker Russell Fund purchase
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023