Sébastien Le Guen
Exposition jusqu'au 10 septembre 2015
Galerie Olympe de Gouges

11 rue de l'Odéon 75006 Paries
Tel 01 77 16 93 21 et 06 78 53 97 62
www.olympedegouges.paris/
galerie[at]olympe-de-gouges.fr

Sébastien LE GUEN

Né en 1971 à Paris, Sébastien Le Guen est diplômé de la Villa Arson de Nice (promotion 1996) et lauréat du prix de la Villa Médicis Hors les Murs 2004 pour son travail conceptuel sur l’actualité géopolitique de l’époque – Le Monde pansé – . S. Le Guen travaille la toile et le papier en croisant lettrisme, dessin, peinture, bombe, pochoir et collage. Il stigmatise ces supports aux moyens de fragments d’affiches, d’objets, d’illustrations et d’éléments hétéroclites, symboles de la culture populaire mondiale. Proche du «Bad» Painting, sa peinture emprunte aussi bien à la culture trash qu’au surréalisme, et à l’esprit Dada. Après avoir vécu et travaillé entre New York et Paris, depuis 2008, Sébastien Le Guen a installé son atelier à Paris où il poursuit un travail de recherche, commencé à New York, sur les affiches publicitaires très grand format. Depuis 1991, les œuvres de Sébastien Le Guen ont été présentées dans une trentaine d’expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger (Allemagne, Chicago, Bruxelles). Deux de ses peintures ont été acquises par le Musée d’art moderne et contemporain de Genève (MAMCO). Ses œuvres sont également entrées dans une trentaine de collections privées.
Artiste résident de la Galerie Incognito, Paris/Monaco.

Texte de Déborah Boltz, Paris

Sébastien Le Guen "poivre et sel" Courtesy Galerie Olympe de Gouges

Sébastien Le Guen "poivre et sel" Courtesy Galerie Olympe de Gouges

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V. Simon – Cosmogonie. La Terre – 1955 – huile sur toile – 239 x 290 cm
V. Simon – Cosmogonie. La Terre – 1955 – huile sur toile – 239 x 290 cm

GALERIE HERVE COURTAIGNE
53 rue de Seine – 75006 Paris
https://www.hervecourtaigne.com/

TEL : 01 56 24 23 00  - contact(at)hervecourtaigne.com

Reviendra-t-il ?
Art brut, singulier et fantastique

Anselme Boix-Vives, Aristide Caillaud, Augustin Lesage, Victor Simon
Œuvres rares des années 1930 aux années 1970

Exposition du jeudi 1er octobre au samedi 14 novembre 2020

Dans son premier ouvrage, publié en 1953 et intitulé Reviendra-t-il ?, le spirite Victor Simon (1903-1976) raconte ses communications avec l’au-delà, depuis l’enfance. Les esprits qui guident sa main lorsqu’il peint d’étonnants mandalas constituent selon lui des forces souveraines, bienfaisantes et universelles.

V. Simon possède, en la matière, un mentor, originaire comme lui du Pas-de-Calais et de ses corons : Augustin Lesage (1876-1964), convaincu d’œuvrer sous la dictée d’anges - sa sœur défunte, l’artiste Léonard de Vinci, le philosophe grec Maryus de Tyane ou le noble égyptien Menna. Auteur de 800 toiles, cet ancien mineur est aujourd’hui l’un des plus fameux artistes bruts collectionnés dès 1948 par le peintre Jean Dubuffet, pionnier de la reconnaissance des créateurs autodidactes et exaltés.

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8 mai 1945 - 8 mai 2020
"Le Baiser de la Victoire"
Paris, Champs-Élysées, 8 mai 1945
Roger SCHALL

Cette photo est en vente :

Galerie ARGENTIC
43 rue Daubenton 75005 Paris
www.argentic.fr 

Le 8 mai 1945, à 15 heures, les cloches sonnent pour marquer la fin de la Seconde Guerre Mondiale en Europe. Le général de Gaulle annonce lui-même la capitulation allemande dans une allocution radiophonique. Partout en France, des scènes de joie célèbrent la défaite du nazisme.

En ce 8 mai 2020, nous voulons, à notre manière, fêter ce retour de la liberté en vous proposant d'acquérir ce morceau de notre histoire.

Cette photographie est tirée en tirage argentique traditionnel sur papier baryté, à l'agrandisseur, à partir du négatif originel, par Thomas Consani du laboratoire Dupon et est authentifiée par le timbre à sec de Roger Schall dans la marge. Le cadre est en aluminium brossé noir, au format 30 x 30 cm.

À titre exceptionnel, ce tirage vous est proposé au prix de 250€ et nous vous offrons l'encadrement et les frais de port pour la France métropolitaine (merci de nous contacter pour d'autres destinations).

Si cette offre vous intéresse ou si vous souhaitez d'autres formats ou des informations complémentaires, merci de nous écrire à : argentic(at)argentic.fr ou simplememnt de répondre à ce message.

Prenez soin de vous et de vos proches et à très bientôt.

roger schall argentic
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CALIFORNIA DREAM
JEFF DIVINE & FRANCOIS FONTAINE photographies
Two Visions in Surf Photography
May 9th - June 8th
July 1st - July 31st

A.Galerie
4 rue Léonce Reynaud  
75116 Paris
+33 6 20 85 85 85  www.a-galerie.fr   - @AGalerieParis

Biographie California Dream : Jeff Divine - François Fontaine

JEFF DIVINE
Jeff Divine est né en 1950 à San Diego et a grandi à La Jolla en Californie. Passionné de surf, il commence à prendre ses premières photos de surfers dans les années 60. En 1971 « Surfer Magazine» l’engage et l’envoie dans le monde entier couvrir les meilleurs spots de surf. Il restera photographe 35 ans pour « Surfer Magazine » et le « Surfer’s Journal ». Jeff Divine possède aujourd’hui l’une des plus grandes collections de photographies de surf de 1970 à 2009.

Hollister Ranch, Santa Barbara, Calif 1972 by Jeff Divine
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Élections présidentielles 2017 dans l’espace RVB
Performance artistico-électorale une proposition de Jeff Manzetti
ADDICT GALERIE
14/16 Rue de Thorigny
75 003 Paris
T : +33(0)1 48 87 05 04
info(at)addictgalerie.com
www.addictgalerie.com
Ouverture des bureaux de vote le Jeudi 20 Avril 2017 de 18h à 22h
Vendredi 21 Avril & Samedi 22 Avril de 14:00 à 20:00
Venez voter pour l’énergie vibratoire des candidats à l’élection présidentielle 2017 !
Avec la participation du projet «les Mariannes» initié par Julianne Rose.

En France, les 23 avril et 7 mai 2017, 44,6 millions de citoyennes et de citoyens sont appelés à désigner le prochain  Président  de  la  République  qui  sera  élu  pour  un  mandat  de  cinq  ans  au  scrutin  uninominal majoritaire à deux tours. A l’occasion de cette élection majeure, le corps électoral choisira, dans le secret de l’isoloir, celui qui sera, aux termes de la Constitution de la Ve République, le garant des institutions et le gardien des libertés collectives et individuelles. Sacrée responsabilité !
Dans une démocratie, « le pire des régimes à l’exception de tous les autres » selon Winston Churchill, si voter est un droit, voter en son âme conscience devrait être un devoir. L’affaire n’est pas aussi simple qu’il n’y parait. Nombreux sont les paramètres, conscients ou inconscients, qui peuvent (pré)déterminer les comportements électoraux.
Tout d’abord, nous le savons bien, pléthores d’études l’ont démontré, le choix du bulletin qui sera glissé dans l’urne peut dépendre de variables sociologiques, comme l’âge de l’électeur ou sa situation sociale, de facteurs partisans qui orientent idéologiquement les votes et enfin d’intérêts particuliers, certains votant avec l’objectif de maximisation de leurs intérêts à court terme.
De même, comment la liberté de conscience des électeurs peut-elle s’épanouir, quand à l’heure de la « médiacratie », les campagnes électorales s’organisent autour de faiseurs de roi, instituts de sondage et autres conseillers en image. Ainsi, les débats de fond, programmes contre programmes, laissent peu à peu place à une sorte de concours du meilleur buzz médiatique. Bienvenus dans l’ère du marketing politique !
Au regard de l’enjeu national que représente toute élection présidentielle, faisons le vœu malgré tout qu’une  frange  de  l’électorat  (importante  espérons-le  !)  saura  se  déterminer  en  totale  conscience  et résistera aux logiques implacables du « système ».

Citoyennes, citoyens, c’est à une toute autre élection que vous êtes convoqués, les 20, 21 et 22 avril. En effet, il vous est proposé de quitter temporairement le bleu, blanc, rouge de la République française pour vous glisser dans le rouge, vert, bleu de l’Espace RVB. A l’occasion d’une performance artistico-électorale, vous aurez la possibilité de procéder à une élection particulière. En effet, il s’agira d’élire votre candidat
parmi les onze « vibrations » des prétendants de l’élection présidentielle de 2017 réalisées par l’artiste Jeff Manzetti.
Si,  dans  le  cadre  de  cette  élection  présidentielle,  la  République  convoquera  votre  raison,  c’est  votre émotion que l’Espace RVB invitera à s’exprimer. Soyez rassurés, aucune propagande, aucun programme électoral, aucune enquête d’opinion ne tenteront de vous manipuler pour influencer votre vote. Face à une démarche artistique s’appuyant sur une réalité politique, il vous sera proposé de laisser totalement libre court à vos émotions et de donner pleinement la possibilité à votre sensibilité de s’exprimer sans état d’âme ... mais en votre âme et conscience.
Alors : aux urnes, citoyennes et citoyens !
Sébastien Zonghero
Chargé de court en Droit constitutionnel - Université Paris XII
Membre du Comité électoral de l’Espace RVB

Addict Galerie 2017
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Agnes Thurnauer galerie Valerie BachAgnès Thurnauer "Studio as Performance"
Sous le Commissariat d'Elena Sorokina

Exposition du 14/04/15 au 26/06/15
dans la cadre de la Gallery Night organisée par Art Brussels

Contact
Galerie Valérie Bach www.galerievaleriebach.com
 6, rue Faider - 1060 Bruxelles - T +32 2 502 78 24 / +32 486 296 839
  info[at]galerievaleriebach.com

Pour sa première exposition personnelle à Bruxelles, Agnès Thurnauer transpose son atelier parisien et le met littéralement en scène dans une vaste installation qui interroge le rôle et la fonction de cet espace originel et sa pertinence dans le contexte actuel.
L'atelier, comme foyer d'expérimentations artistiques, a connu au cours de l'histoire de l'art de multiples identités, allant du « lieu de fabrication au laboratoire d'alchimiste, en passant par l'usine, le sanctuaire, le salon, le lieu de vie et l'espace de représentation sociale » (Michelle Grabner).
Dans cette exposition, Agnès Thurnauer s'intéresse à l'historique de l'atelier et à ses diverses identités, en résonance avec l'une de ses particularités peu explorée jusqu'à présent : l'atelier comme espace performatif. Elle s'intéresse en premier lieu au studio comme lieu d'une dichotomie artiste/modèle, examinant ces deux entités que sont le corps créateur et le corps travailleur. Nourrie des interprétations féministes sur les relations de pouvoir entre l'auteur et le modèle au sein de l'atelier, Agnès Thurnauer les catalyse et examine les liens précoces entre peinture et performance.

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L'exposition  " Aki Kuroda - Cosmogarden"
à l'espace de l'exposition du Théâtre des Sablons de la Ville de Neuilly sur Seine
du 17 octobre au 28 novembre 2015

AKI KURODA, PORTRAIT
Aki Kuroda est né en 1944 au Japon.
Il vit et travaille à Paris depuis 1970. Il a été élevé dans une famille très ouverte à la culture européenne. Il commence à peindre dès l’âge de trois ans, expose pour la première fois à dix ans. Il se plait à dire qu’il peint depuis qu’il sait tenir un pinceau.

Il est aujourd’hui l’un des rares artistes encore capables de créer des formes neuves susceptibles d’évoquer un imaginaire et une réflexion innovante.

Aki Kuroda portrait

Aki Kuroda dans son atelier

Il invente des mondes avec des styles antagonistes, ce qui donne à son travail un caractère énigmatique, donc passionnant. Sa culture orientale traditionnelle confrontée à l’occident en fait le passeur de toute une génération. Son foisonnement créatif esr permanent depuis des décennies. C’est ce mouvement perpétuel qui le caractérise et qui constitue son ADN.

Remarqué pour ses silhouettes longilignes sur des toiles monochromes d’un bleu profond, l’œuvre picturale d’Aki Kuroda est nourrie de multiples créations. Il ne s’écarte pas de son sujet récurrent et central : la dimension de l’homme dans l’espace, l’espace-temps, le cosmos et l’univers. Aki Kuroda est un agitateur pictural insatiable. Il accepte le système mais le domine. A travers une expression artistique autonome, il ménage son indépendance la rendant inaliénable par la création d’au moins sept style différents, dénommés « iles ». Son imagination est transcendée par la matrice de l’atelier et trouve son aboutissement dans l’exposition et enfin dans la ville. Le spectateur devient aussi l’acteur du système qui domine la ville en raison de l’énergie créatrice de l’artiste.

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kuroda grece h

Aki Kuroda Exposition sur l'île de Paros Grèce

Anne Bateson, Yoyo Maeght et la Galerie Achillea,
présentent Aki Kuroda.

Aki Kuroda en quelque lignes

Aki Kuroda est un artiste japonais qui vit et travaille à Paris. Il est né le 4 octobre 1944 à Kyoto et commence à peindre dès l’âge de

trois ans. Enfant, il est fasciné par la revue surréaliste Minotaure que son père reçoit de Paris. Élevé dans un milieu culturel, un de ses aïeuls fut le premier japonais à visiter Vincent van Gogh dans son atelier parisien.

Aki Kuroda expose pour la première fois à 10 ans, il se plaît à dire qu’il peint depuis qu’il sait tenir un pinceau. Dans sa jeunesse, il rencontre James Lee Byars qui le pousse à composer ses premières performances. Aki suit des études d’histoire de l’art, voyage, séjourne à New York puis à Paris où il s’installe définitivement en 1970.

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Aki Kuroda Happy Boy in Manhattan
curated by Yoyo Maeght

Richard Taittinger Gallery
154 Ludlow street
10002 NY, New York
https://richardtaittinger.com/
Happy Boy in Manhattan is on view through March 22, 2020.

Immense succès pour ce premier solo show d'Aki Kuroda à la Richard Taittinger Gallery. Le public et les collectionneurs se pressent pour découvrir les immenses toiles récentes ainsi que quelques rares toiles anciennes.

ABOUT THE ARTIST
Born in Tokyo in 1944, Aki Kuroda expressed interest in art his entire life and painted his first work at the age of four. His family was a significant influence on Kuroda as a young boy; his father brought him magazines such as "Le Minotaure" from Paris. Through these magazines Kuroda discovered the work of painters like Picasso and Dali, which inspired him at this early stage in his artistic career. These resources were extremely valuable to the self-taught artist, and in the 1960s Kuroda travelled in Europe and he eventually elected to settle in Paris in 1970. Kuroda struggled during his early years in Paris but a chance encounter with Marguerite Duras, and Andrien Maeght reversed his fortunes shortly before he had planned to give up and return to Japan. Through Galerie Maeght Kuroda was invited to show in the 11th Paris Biennial in 1980, launching his career in a meaningful way.

Aki Kuroda et Yoyo Maeght
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Akira Kito Sébastien Kito
Peintures - Sculptures
09/12/2015 - 31/01/2016
Galerie Lara Vincy
47 rue de Seine - 75006 Paris - France
Tel: +33(0)1.43.26.72.51 / +33(0)1.40.51.78.88
http://www.lara-vincy.com/
contact(at)lara-vincy.com

Directeurs:
Liliane Vincy - Youri Vincy

Horaires d'ouverture:
Mardi-Samedi 11h - 13h et 14h30 - 19h
Métro : Odéon, Mabillon, Saint-Germain-des-Prés

La galerie Lara Vincy présente un ensemble de peintures de Akira Kito couvrant trois périodes de 1955 à 1964, années durant lesquelles il était représenté par la galerie depuis son ouverture en 1955.
En résonance, les sculptures métalliques évidées et les prismes en verre de Sébastien Kito, son fils, viendront dialoguer avec les thèmes présents dans l'œuvre de A. Kito : personnages et objets "enfantins" de la première époque (1955-1957), symboles et mythologie (1958-1961), la dernière période de 1962 à 1964 regroupe des œuvres au trait plus libre comme "Cinéma" (1964) et annonce prématurément les orientations de ses recherches picturales au cours des années qui suivront.

" Deux artistes, très différents, que réunissent la filiation et la piété filiale – et la fidélité à la galerie Lara Vincy : Akira et Sébastien Kito son fils

Akira Kito Dragon, 1958, huile sur toile, 130 x 81 cm

Akira Kito, "Dragon", 1958, huile sur toile, 130 x 81 cm
Courtesy Galerie Lara Vincy

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Alfred MANESSIER (Saint-Ouen 1911 - Orléans 1993) Composition Aquarelle cachet de l'artiste au dos 38 x 28 cm Watercolour Stamp on the reverse 15 x 11 in. Courtesy Galerie ANTOINE LAURENTIN

A l’occasion du centenaire d’Alfred Manessier (1911-1993),
la galerie Antoine Laurentin présentera dans la section Tefaf Paper à Maastricht puis à la galerie Antoine Laurentin, un ensemble inédit d’œuvres retraçant le parcours de ce grand artiste abstrait.
Galerie Antoine LAURENTIN
23 quai Voltaire
75007 Paris
Tel : 01.42.97.43.42
e-mail : contact[at]galerie-laurentin.com         
site : www.galerie-laurentin.com
En effet, il y a de nombreuses années qu’un ensemble aussi cohérent de ses gouaches, aquarelles et huiles sur papier n’a été proposé sur le marché et montré en dehors d’expositions muséales alors qu’Alfred Manessier, peintre français, fut, dans les années 1950-1960, l´un des représentants majeurs de l’Ecole de Paris.

 

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L'Ambassade de la République Bolivarienne du Venezuela
11 rue Copernic
75116 PARIS
vous invite à visiter l'exposition de l'artiste Alvaro Mejias "L'immortalité du crabe"
à partir du 28 novembre 2016
horaires: de 09h00 à 12h00 et de 14h00 à 17h00.

Alvaro, les rétines imprégnées de la plaine, recherche toujours l’El dorado des latinos : le cri douloureux de son pinceau transperce la toile, le couteau déchire un morceau de pagne, maintenant devenu photo… la vie et le futur vivront dans le bois du visage qui affronte le destin.
La peinture d’Alvaro c’est le transfert, c’est l’issue d’une clairiere , c’est le jour qui décline dans la plaine, c'est le début sauvage non encore conquis, c'est encore le reflet du présent, c'est le ventre fécond d'une mère, c'est la symphonie du mauve qui se colle au ciel après que celui-ci entre en léthargie, c'est l'annonce dans les yeux d'une femme amoureuse et c'est le midi dans le chant d'un canari.

Omar Loyola Maldonado

Alvaro Mejias Exposition Ambassade de la République Bolivarienne du Venezuela
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American Modernism 1915 - 1985
May 1 - June 28, 2019

GRAHAM SHAY 1857, INC.
34 East 67th Street, Fl. 3
New York, NY 10065  
212.535.5767
www.grahamshay.com

“American Modernism, 1915 - 1985,” framing numerous pivotal moments in American art, when tastes shifted from representational art to gestural then geometric abstraction and beyond. The exhibition features selections that are as diverse as America itself.

Covering the greater part of the twentieth century, the exhibit highlights examples from some of the century’s most respected artists. Broadly speaking, the works in this exhibition can be divided into two groups: representational and abstract. Works that disparate in style, however, can offer surprising similarities. A traditional scene of a house on a hillside by Bertram Hartman is dramatically different than Sewell Sillman’s pared-down minimalist canvas, whose title, The Palace (Version 2), merely suggests an edifice. Similarly, Benedict Tatti’s roughly hewn marble Head of 1960 is far more literal than Kimber Smith’s abstract painting Face with Pink Background of 1980, which requires a leap of imagination to discern facial features. And while Walt Kuhn’s Young Woman with Crown and Cornucopia of 1937 seems to have nothing in common with an untitled abstract painting from 1956 by Theodore Stamos, both works share a concern with color, form, and a figure/ground relationship.

The selected works include paintings, watercolors, and drawings, and, as the Gallery is known for specializing in sculpture, we are presenting examples
in a variety of styles and materials, including cast bronze, carved stone and fabricated objects.

Ralph De Burgos, The Eyes Have It, 1972, Acrylic on canvas, 36 H. x 36 W. inches
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Catherine Houard présente son

American Pop Art
« Pour le commun des mortels... »
JIM DINE
RICHARD HAMILTON
JASPER JOHNS
ALEX KATZ
CHRISTOPHER MAKOS
DON NICE
DEAN TAVOULARIS

Exposition du 15 avril au 31 mai 2014
Galerie Catherine Houard
15, rue Saint-Benoît
75006 PARIS

Tel. : 09 54 20 21 49
galerie[at]catheirnehouard.com
www.catherinehouard.com

Jasper Johns "Target", 1979 Eau-forte et aquatinte en couleurs signée Atelier A. & P. Crommelynck 62 x 82 cm  
La galerie est ouverte du mardi au samedi de 11h à 19h. "Pour Catherine Houard, la valeur sûre est la gravure sur cuivre pour sa noblesse, sa rareté et la richesse des techniques qu'elle offre à l'artiste. Jasper Johns "Target", 1979
Eau-forte et aquatinte en couleurs signée
Atelier A. & P. Crommelynck 62 x 82 cm 
Courtesy Galerie Catherine Houard
 

Cette technique déjà utilisée depuis 1446 par les plus grands artistes anciens tels Dürer , Rubens, Rembrandt, Goya... reste utilisée par les plus grands artistes de ces cinquante dernières années, notamment  : Picasso, Braque, Mirò, Giacometti, Matisse, Le Corbusier, Alberola, Alechinsky, Jim Dine, Richard Hamilton, Jasper Johns, Alex Katz , Sam Szafran...

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Juliette Clovis
Juliette Clovis

logo angemonnoyeur

Du 1er au 13 septembre 2020.
Prochaine Exposition :
"The Stone behind the Tree"
Vernissage Mercredi 2 septembre 2020
123 rue de Turenne Paris 75003.
Avec deux artistes sculpteur pluridisciplinaires très attachées aux techniques et à la matière, le thème de notre nouvelle Exposition.

Juliette Clovis

Sa production actuelle se développe principalement autour de la sculpture avec son médium de prédilection : la porcelaine

Juliette Clovis est une artiste plasticienne française.
Son oeuvre plastique explore deux principaux axes de recherche : l'idée de cycle incessant et universel de la vie et de la mort, et la recherche perpétuelle d'un équilibre né de contrastes et d'oppositions.

La représentation féminine a longtemps été centrale dans le travail de Juliette. Aujourd'hui, ses femmes poursuivent leur métamorphose entamée il y a quelques années en des êtres hybrides, savant mélange entre l'histoire, les mythes et le rêve chimérique. Puis pour la première fois, la figure humaine disparaît de l'oeuvre de l'artiste ; envahie puis submergée par une profusion de faune et de flore. Conjuguant l'ambiguité et usant des métaphores, le travail de Juliette oscille entre tableau prophétique annoncant la naissance d'une nouvelle espèce vivante et les préliminaires d'une mort certaine causée par une nature gourmande et avide de reprendre ses droits. Les symboles sont forts et omniprésents. Serpents, papillons, chrysanthèmes, vanités, oeufs ... autant de symboles classiques de l'histoire de l'art choisis pour représenter à la fois la vie et la mort et l'idée de cycle perpétuel. Très influencée par l'esprit baroque, l'artiste multiplie les références, mélange les influences et détourne les codes, tentant de rendre harmonieux un univers fait de contrastes et de mélanges.

Telle une jungle baroque, Juliette nous propose un dialogue entre les époques et les cultures et nous offre une parenthèse esthétique et poétique où la luxuriance est son langage; le contraste son précepte et la tension dramatique sa quête.

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Angelika Markul : accords et désaccords par Jean-Paul Gavard-Perret

Angelika Markul, « Excavations of the future », Galerie Laurence Bernard, Genève, du 15 septembre au 1er novembre 2016.
http://www.btwgallery.com/

 
Angelika Markul ne cesse d'appuyer sur des contrastes : celui de la beauté et de l'horreur. L'artiste se rend dans les lieux du monde où la catastrophe a sévi (Fukushima, Tchernobyl, Bagdad, etc.) afin de chercher un sens ou l'absurdité aux actions humaines.  Elle monte un monde aussi suave que  violent. L'univers est perversement polymorphe.  Les hybridations nous font vaquer entre la vie et la mort. Nous sommes projetés dans une sorte  d'univers des limites sans que nous sachions si nous restons en dedans ou si nous sommes déjà au dehors. Toute l'œuvre joue donc de l'ambiguïté et les oscillations en des formes ouvertes aux interprétations.

angelika markul1h

Portrait de Angelika Markul

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Galerie de la Béraudière is pleased to invite you to
ANN RAY
GRAVITAS
LEE ALEXANDER MCQUEEN BY ANN RAY
EXHIBITION
APRIL 25 - JULY 12, 2019
-
EXCEPTIONALLY OPEN ON SATURDAY APRIL 27 & SUNDAY APRIL 28
FROM 11 AM TO 6 PM

GALERIE DE LA BÉRAUDIÈRE
6 rue Jacques Jordaens – Jakob Jordaensstraat 6, B-1000 Brussels.
Monday - Friday: 10 AM - 6 PM

Tel: +32 2 646 92 15
galerie(at)delaberaudiere.com
www.delaberaudiere.com 

Ann RAY, Secret interrupted, 2010. Gelatin silver print, 60 x 50 cm. © Ann Ray & Galerie de la Béraudière.
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Anne Slacik Passages
Du 25 janvier au 24 février 2018

Galerie Hervé Courtaigne
53, rue de Seine, 75006 Paris - France
+33 (0)1 56 24 23 00
www.hervecourtaigne.com 

La grande Abstraction n’a pas dit son dernier mot. Depuis 35 ans, l’œuvre d’Anne Slacik en témoigne. La 3e École de Paris existe, de tels ténors en attestent, qui s’inscrivent particulièrement, au sein d’un courant international, épanoui des États-Unis de James Turrell à l’Allemagne de Gerhard Richter. Entre les deux, atmosphérique et expérimental, le monde d’Anne Slacik se renouvelle sans cesse, librement nourri d’expériences : l’ambiance naturelle, la littérature poétique et la musique contemporaine.

Collaborant depuis de nombreuses années avec la Galerie Hervé Courtaigne, l’artiste y présente aujourd’hui de nouveaux grands formats, et peintures sur papier. Intuitivement gestuels et audacieusement orchestrés, ces états d’âme sublimés révèlent une perception aigüe d’inaltérables passages, ceux du temps, de la lumière, et de la grâce.

Françoise Monnin

Repères : Née en 1959 à Narbonne, Anne Slacik vit et travaille à Saint-Denis près de Paris, et dans le Gard. Prix de peinture de la Fondation Fénéon en 1991, depuis 1981 de nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées, au Centre d’Art de Gennevilliers, au Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines, à la Bibliothèque du Carré d’Art de Nîmes, au Musée PAB d’Alès, à la Bibliothèque Municipale de Strasbourg, au Musée de Gap, au Musée Stéphane Mallarmé à Vulaines-sur-Seine, au Musée de Melun, etc.

Anne Slacik Petit Poeme Abstrait  PPA1 175x175 cm 2017

Anne Slacik Petit Poeme Abstrait
PPA1 175x175 cm 2017

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ANTOINE ROEGIERS
Le carnaval des géants
01 février – 07 mars 2020
Vernissage samedi 1er février 2020 de 18h à 21h
SUZANNE TARASIEVE PARIS
7, rue Pastourelle -75003 Paris
T : + 33 (0)1 42 71 76 54

www.suzanne-tarasieve.com  / info(at)suzanne-tarasieve.com

Suzanne Tarasieve est heureuse de présenter la première exposition personnelle d’Antoine Roegiers à la galerie, intitulée Le carnaval des géants.

Artiste Belge qui vit depuis l’âge de 3 ans en France, pluridisciplinaire, il sort diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2007 avec les félicitations du jury et récompensé du Prix Roger Bataille.
C’est justement à l’école des Beaux-Arts qu’Antoine Roegiers entame ce travail sur les maîtres flamands qui l’amèneront à puiser dans les grandes oeuvres de Brueghel, Bosch, Rubens, mais aussi les peintres et graveurs belges du XIXe siècle Ensor et Rops. Il se sert de différents supports et techniques, parmi lesquelles les dessins à la plume ou à l’acrylique, le travail d’animation vidéo et la peinture à l’huile sur bois et sur toile.
Il dialogue ainsi avec les grands maîtres à plusieurs siècles d’intervalles par le prisme d’un regard contemporain. Il livre une version personnelle et drôle de ces géants de l’art et emmène le visiteur dans ses propres rêveries à l’intérieur de ces riches mondes picturaux.

Antoine Roegiers Galerie Suzanne Tarasieve
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Antonio SEGUÍ
25 septembre / 24 octobre 2015
Vernissage le 24 septembre à partir de 18h en présence de l'artiste
GALERIE LAURENT STROUK
2 avenue Matignon 75008 PARIS - FRANCE -
+33 (0) 1 40 46 89 06
http://www.laurentstrouk.com/
galerie[at]laurentstrouk.com

« Vouloir peindre c'est d'abord vouloir inventer une image qui bouleversera les autres. »
Antonio Seguí est un peintre argentin né à Córdoba en 1934. Il vit et travaille en France depuis 1963.

Après avoir étudié la peinture et la sculpture en Argentine, en France et en Espagne, il voyage en Europe et en Afrique. Sa première exposition individuelle a lieu en Argentine à la fin des années 50. Il parcourt ensuite l'Amérique du Sud et l'Amérique Centrale.
 En 1962, lors d'une exposition à Buenos Aires, la satire sociale mise en scène dans ses œuvres fait réagir le public... Le peintre bénéficie alors d'un véritable « succès du scandale ». Sa carrière est lancée. Son travail est révélé en Europe à l'occasion de la Biennale de Paris en 1963. S'ensuivent alors des expositions dans le monde entier (ARC, Musée d'art Moderne de la Ville de Paris, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Biennale de Venise).

Antonio SEGUÍ Quedarse Adentro - Acrylique sur toile - 81 x 100 cm - 2015 Courtesy GALERIE LAURENT STROUK

Antonio SEGUÍ Quedarse Adentro - Acrylique sur toile - 81 x 100 cm - 2015
Courtesy GALERIE LAURENT STROUK

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Exposition du 5 avril 2019 au 11 mai 2019
Vernissage le 4 avril 2019 à partir de 18h
Galerie Laurent Strouk, 2 avenue Matignon 75008 Paris
Tel. : 01 40 46 89 06 email : galerie(at)laurentstrouk.com
http://www.laurentstrouk.com/ 

Ici, en 2019, dans la Galerie Laurent Strouk, Antonio Seguí propose des surfaces rondes et carrées, des tableaux colorés, vifs, allègres et des teintes intenses surprennantes.
Toutes les oeuvres carrées sont peintes en une technique mixte sur toile. Les autres oeuvres sont rondes ; les tondos sont peints à l’acrylique sur bois découpé.
En 2019, les surfaces rondes et carrées de Seguí se retrouvent. Les cercles mettent en évidence le Soleil et la Lune. Les mystiques représentent souvent Dieu comme un cercle dont le centre se trouve partout, la circonférence nulle part et qui fait preuve d’une perfection inaccessible à l’humain. Le cercle ne connaît ni début ni fin, ni direction, ni orientation.
Le contraire symbolique du cercle serait le carré qui représente le monde terrestre, humain et matériel. Le carré permet aux humains de s’orienter dans l’espace. Le carré établit un système de coordonnées ; il impose une structure au chaos...
En 2017 et 2018, Antonio Seguí travaille sur une étrange garde-robe circulaire. Une armoire dans laquelle on aurait rangé des robes, des vestes et des pantalons masculins, des sous-vêtements de femmes et d’hommes, des chapeaux.

Antonio Segui
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La part dévoilée
Arnaud Franc et Fabrice Domenet
vernissage le jeudi 11 mai de 18h30 à 22h
exposition du 12 mai au 10 juin 2017

Galerie Mondapart
80 rue du Château
92100 Boulogne-Billancourt
www.mondapart.com
Galerie ouverte du mercredi au samedi de 14h30 à 19h30 et sur rendez-vous
La galerie Mondapart présente « La part dévoilée », un duo plastique mettant en scène le dessin et la peinture d'Arnaud Franc ainsi que la photographie de Fabrice Domenet.
L'œuvre sur papier et toile d'Arnaud Franc (1966) est présentée en permanence à la Galerie Mondapart depuis 2008. Fabrice Domenet y est présenté pour la première fois. Les deux artistes ont récemment collaboré à une performance de découverte plastique grâce à la danse. « Du visible à l'invisible » : performance pour 13 danseurs autour du travail d'Arnaud Franc.

De prime abord, aucune collusion entre le travail d'Arnaud Franc et celui de Fabrice Domenet. La figure, le corps d'un côté, puis la nature de l'autre. Tout est écrit si ce n'est qu'au-delà du sujet  et de l'image, il y a l'émotion, les sensations, ce que les artistes transmettent et souhaitent partager. Ce qu'ils donnent à voir et ce qu'ils nous demandent de chercher.

Chez Arnaud Franc l'énergie du mouvement crée des corps peints, en fulgurance. Les contours émergent d'abord, les couleurs explosent ensuite. L'échange avec le modèle vivant préfigure de l'œuvre, dans une chorégraphie puissante de mouvements et de positions éclairées par les demandes de l'artiste. Historiquement danseur interprète, Fabrice Domenet s'est lui aussi depuis toujours consacré à l'art du mouvement, il partage avec Arnaud Franc la grâce et la connaissance du corps dans ses élucubrations sensorielles.

Arnaud Franc et Fabrice Domenet
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Arnulf Rainer
Recouvrements
10 octobre – 16 novembre 2019
Au Salon
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h

Dès les années cinquante, Arnulf Rainer s’est manifesté par des gestes radicaux, délibérément anti-académiques, dans un milieu artistique autrichien alors très conservateur. L’un de ces gestes est l’Übermalung, c’est-à-dire le recouvrement énergique, partiel ou total d’une image préexistante.

From the 1950s, Arnulf Rainer was known for his radical, deliberately anti-academic approaches in an Austrian art world that was still very conservative. One of these is Übermalung, or the energetic and partial or total covering of a pre-existing image.

La suite d’oeuvres du milieu des années 70 présentée au Salon de la galerie appartient à cette famille des Übermalungen. Ce sont des photographies, montées sur bois ou sur aluminium, qui ont été recouvertes par l’artiste de peinture noire ; on ne distingue pratiquement plus rien de l’image sous-jacente. La nouvelle forme suscite alors parfois un titre : Crâne, Fruit, Tas, Panneau, Tablier… ou bien Rainer laisse le regardeur en inventer un. Ces petites peintures noires sont chargées d’une puissance émotionnelle et dramatique intense qui évoque une sorte de minimalisme expressionniste dont la devise pourrait être « less is more ».

The set of works from the mid-70s presented in the Salon belong to this family of Übermalungen. They are photographs, mounted on wood or aluminium, which have been covered in black paint by the artist: it is almost impossible to see anything of the underlying image. The new form sometimes inspires a title: Skull, Fruit, Heap, Panel, Apron…or Rainer lets the viewer come up with their own. These small black paintings are charged with an intense dramatic and emotional potential which evokes a sort of expressionist minimalism, the slogan of which could be “less is more”.

Arnulf Rainer Untitled Oil on wood, 1992  49 1/4 x 79 4/4 in
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GALERIE JEAN FRANCOIS CAZEAU
8 rue Sainte Anastase

75003 Paris

+33 (0)1 48 04 06 92
+33 (0)6 03 79 76 26

www.galeriejfcazeau.com
jfc(at)galeriejfcazeau.com

Du mardi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

Maria Tyl, « Art Abstrait géométrique - autour de la collection Kouro », Editions Galerie le Minotaure, Galerie Jean-François Cazeau et Galerie Alain le Gaillard, 2017.

L'Abstraction géométrique  abstraite  est composée de plusieurs courants historiques qui ont eu recours à l'utilisation de formes géométriques et de couleurs disposées en aplats mais aussi en sculpture. On retient parmi les " pionniers " de l'Art abstrait František Kupka,  Robert et de Sonia Delaunay, Mondrian. Mais c'est oublier le pionnier des pionniers : Auguste Herbin que le Polonais Kouro fut le premier à défendre. Maria Tyl met donc les pendules à l'heure. Herbin demeure et théoricien et le praticien de tous les abstracteurs déjà cités mais aussi de Kandinski, Vilmos, Schwiiters, Seuphor entre autres. Plusieurs mouvement y seront associés en Europe entre les deux guerres - tels  que les groupes « Cercle et Carré », « L'art concret », « Abstraction Création » et plus tard avec le groupe zurichois de l'abstraction.

Souvent opposé - à tord ou à raison -  au Surréalisme. L'Abstraction géométrique s'est manifestée surtout après guerre en tant que courant opposé à l'Abstraction lyrique, appelée également informelle. L'Abstraction géométrique est à cette époque dominée par Magnelli,  Domela et toujours Herbin. Kouro ne cesse de le défendre. Et  le mouvement  va trouver aux USA des relais avec Josef Albers et sa série d' « Hommage au carré »  puis Ellsworth Kelly et Ad Reinhardt. Il a aussi des prolongements dans certaines créations de l'Art cinétique, ainsi qu'en des œuvres du Minimal Art américain (Frank Stella, Sol LeWitt, Carl Andre, Donald Judd) voire   dans l'Art conceptuel.

Art Abstrait Géométrique
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Aurelie Nemours Partage vers 1965 Huile sur toile 46 x 33 cm Courtesy galerie Laurentin

Aurélie Nemours (1910-2005)
Tableaux inédits et correspondance avec l’oeuvre graphique
Exposition du 27 septembre au 30 novembre 2013
Galerie Antoine Laurentin
23 quai Voltaire 75007 Paris

Tel: 01 42 97 43 42 - www.galerie-laurentin.com
e-mail: contact[at]galerie-laurentin.com

L’exposition de ces huiles sur toile inconnues permet également de mettre en avant la correspondance entre l’oeuvre graphique de cette artiste et ses tableaux.
Aurelie Nemours recherche « l’équilibre, l’harmonie, la poésie visuelle, la beauté esthétique », selon Gaëlle Rageot-Deshayes, conservatrice du patrimoine. Dans son oeuvre la référence au réel disparaît au profit de formes géométriques simples et de couleurs travaillées en opposition.
Cet oeuvre dépouillé tend à l’ascèse, à la spiritualité.
Mais comment nait elle, comment arrive t’elle à cet équilibre et cette harmonie ?

 

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Barthélémy Toguo
Hidden Faces    7 mars – 4 mai 2013
Vernissage jeudi 7 mars à partir de 18h
GALERIE LELONG
13, rue de Téhéran  
75008  Paris         

Tél. 33 1 45 63 13 19        
Fax. 33 1 42 89 34 33
Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.         
www.galerie-lelong.com

« Visages cachés », dit le titre. Barthélémy Toguo aime les têtes, les visages, les profils, les silhouettes. L’être humain est souvent double, constate-t-il, pile et face comme une monnaie, Janus énigmatique, difficile à décrypter. Les dessins de Toguo, noirs ou en couleurs, petits ou grands, sont envahis de têtes parfois cornues - le côté diable -, parfois souriantes - le côté ange ; parfois cloutées et crachantes, côté souffrance, parfois sereines ou béates.

 

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9 janvier > 9 mars 2018

BEGRAMOFF Gallery
206 rue Stevin
B 1000 Brussels
T/F: +32 (0) 2 734 64 38
Mob: +32 (0) 470557110
begramoff(at)begramoff.com
www.begramoff.com 
 
La galerie BEGRAMOFF a le plaisir de présenter la deuxième édition de BEGRAMOFF-PHOTO 'Visions du Monde II' sur le thème des murs. Ce sujet d'actualité cache de nombreuses réalités mais aussi de nombreux mystères.
L'exposition se déroulera jusqu'au 9 mars 2018 et sera accessible du lundi au vendredi de 10h00 à 14h30 et sur RDV (0470 55 71 10).

Un mur peut être envisagé de plusieurs façons: ouvrage de maçonnerie ; cloison ; paroi naturelle - mur de pluie, mur de personnes ; obstacle à la communication - mur de haine qui sépare deux communautés, mur de la vie privée...
Pour l'exposition BEGRAMOFF-PHOTO - Visions du monde II,  sept artistes sont présentés dont deux ayant travaillé à quatre mains. Chacun d'entre eux nous présente une façon de voir les murs, des murs séparant des populations et des pays, des murs ludiques recouverts de graffitis, des murs miroirs qui reflètent des réalités au travers d'œuvres d'art ou des réalités qui s'intègrent aux murs recouverts d'œuvres d'art, des murs devant lesquels des scènes de vie ont eu lieu, des murs qui parlent de la société, des murs qui parlent du passé, du présent et même des murs au sein desquels sont se déroulées des histoires intimistes racontées par des regroupements de plusieurs petites photos polaroid.
 
Shirley Hicter (belge) est photographe depuis toujours mais ce n'est que depuis 2013 qu'elle se consacre essentiellement à la photographie. Elle privilégie des prises intuitives avec pour résultat des instantanés parfois déroutants, des moments éphémères et précieux qu'elle emprunte délicatement à la vie, de belles et touchantes histoires racontées ... ou qu'elle donne envie d'inventer. Ses thèmes de prédilection sont les gens, les lieux, les objets qui l'inspirent dans sa recherche de partage et d'émotions. Sa vision du monde est douce, bienveillante, positive mais néanmoins lucide.
Pour BEGRAMOFF-PHOTO 2018, Shirley Hicter présente des murs recouverts de graffitis à la fois ludiques et émouvants.

Shirley Hicter - Mur I - 2017

Shirley Hicter - Mur I - 2017

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Francine HOLLEY (1919-2020), Composition (détail), 1977, Technique mixte sur papier, 17 x 15 cm / Photographie : Vincent Everarts
Francine HOLLEY (1919-2020), Composition (détail), 1977, Technique mixte sur papier, 17 x 15 cm / Photographie : Vincent Everarts
BELGIAN WOMEN

CINQ FEMMES. CINQ TEMPÉRAMENTS. UN PENTACLE.
PEINTURE BELGE ABSTRAITE D'APRÈS-GUERRE

Berthe DUBAIL
Francine HOLLEY
Antonia LAMBELÉ
Gisèle VAN LANGE
Marthe WÉRY
04.09.20 - 07.11.20
Vernissage le jeudi 03 septembre, 11h00-21h00
Opening on Thursday 3rd, September from 11AM-9PM
BRUSSELS GALLERY WEEKEND Plus d'informations et réservation via / More information and reservation on
www.brusselsgalleryweekend.com
03 - 06.09.20
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Ben, « La théorie de l’égo », Galerie Daniel Templon, du 1er mars au 9 avril 2014. Ben,  « La théorie de l’égo », textes, Editions Favre, Lausanne, 2014.

GALERIE DANIEL TEMPLON
 30 rue Beaubourg (entrance in courtyard)
 75003 Paris

 Tel: + 33 (0)1 42 72 14 10
 Fax: + 33 (0)1 42 77 45 36
info[at]danieltemplon.com

GALERIE DANIEL TEMPLON
 Rue Veydt 13A - Veydtstraat 13A
 1060 Brussels - Belgium

 Tel: + 32 (0) 2 537 13 17
brussels[at]danieltemplon.com

http://www.danieltemplon.com

BEN Je peut tout me permettre, 1971 acrylic on canvas 97 x 130 cm Courtesy Galerie Daniel Templon  
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BENJAMIN SEBBAN GALLERY
à le plaisir de vous inviter à sa nouvelle exposition

Autour d'un Déjeuner...
Hommage à l'Art moderne
Chagall, De Chirico, Derain, Lam, Léger, Moore, Moreau, Picabia, Picasso

Vernissage le 05 Septembre à partir de 17h00.
2 rue saint Georges 1050 Bruxelles

Pour son exposition de rentrée, la galerie Benjamin Sebban présentera des chefs-d’œuvre marqués par l’empreinte indélébile de l’Art moderne. Du symbolisme à la seconde école de Paris en passant par Picasso. D’un nu intimiste, empreint de poésie, signé Edgar Degas aux touches délicates de Gustave Moreau, une place importante sera attribuée aux grands représentants de l’Art moderne, Marc Chagall, Fernand Léger, Wifredo Lam ou encore Henry Moore… Une  huile de Pablo Picasso, Le Déjeuner sur l’Herbe, viendra quant à elle, résumer l’audace, la créativité et la virtuosité d’un des artistes les plus célébrés du XXème siècle. Réalisé en 1961, ce Déjeuner sur l’herbe fait partie d’un corpus de 27 toiles, variations autour de l’oeuvre majeure de Manet. D’une grande sensualité, cette toile est un intime témoignage des préoccupations de son auteur durant une période clé de sa carrière de peintre ainsi que dans sa vie d’homme.

Pablo Picasso (1881-1973) Le déjeuner sur l'herbe Huile sur toile, signée et datée en bas à droite 19.4.61 50.2 x 61 cm
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Forthcoming Exhibition`
A SELECTION OF WORKS BY MODERN MASTERS
26 OCT - 16 DEC 2017

Tuesday 26 October 2017, 6-9 .pm
BENJAMIN SEBBAN GALLERY
2 rue Saint Georges
1050, Brussels
+32 498 425 997
+33 787 400 500  Tue-Sat, 11-6
www.benjaminsebban.com 

FEATURED ARTIST
Marc Chagall, Jean Dubuffet, Fernand Leger, Francis Picabia, Sonia Delaunay,Victor Brauner, Sam Francis, Chu Teh-Chun...

Benjamin Sebban Gallery is an art gallery established right in the heart of Brussels whose team takes pride in building consistent bridges between knowledgeable collectors and some of the most relevant names in Modern and Post War Art,  with special emphasis on the abstract school .

Our independent position enables us, as art dealers, to thoroughly guide and assist clients in acquisitions at auctions and art fairs, both from international art galleries and private collections.

Whether in painting, illustration or sculpture, our vast network of private sources allows us to suggest works of art to both private collectors and institutions; it goes without saying that this is a personalised service, tailored to cater to the specific desire of anyone who we work with, to further meet their needs meticulously as it is our ultimate mission to offer both independent and razor-sharp advice with rigorous integrity and connoisseurship.

Jean Dubuffet Situation 1979, 35 x25.5 cm BENJAMIN SEBBAN GALLERY

Jean Dubuffet " Situation" 1979, 35 x25.5 cm

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BENJAMIN SEBBAN GALLERY
GALLERY WEEKEND 20 & 21 JUIN 2020
2 rue saint Georges- 1050 Bruxelles
+33 787 400 500
www.benjaminsebban.com
Benjamin Sebban Gallery <contact(at)benjaminsebban.com>
La galerie sera exceptionnellement ouverte ce Dimanche 21 Juin de 11h00 a 18h00.
Venez nous rendre visite ..

Le grand artiste Christo nous a quitté à New York le 31 Mai dernier. Si nous aimons l'imaginer recouvrir de sa célèbre toile l'escalier qui l'emmène rejoindre sa bien aimée complice de toujours, Jeanne Claude, cette nouvelle ne nous en a pas moins profondément émue.

 

 

BENJAMIN SEBBAN GALLERY
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Past Impressions, Through the Eyes of Printmakers:    
Bernard Childs (1910 - 1985)

The Second Annual NY Satellite Print Fair at the Bohemian Hall
November 7-9 - 2014

Bohemian National Hall
321 E. 73rd Street
New York, NY

www.nysatellite-printfair.com

www.annexgalleries.com
Daniel C. Lienau 
The Annex Galleries
604 College Avenue, Santa Rosa, CA 95404
707.546.7352 · fax 707.546.7924
www.annexgalleries.com
email: artannex[at]aol.com
 

Color intaglio; 1966; pencil signed, titled and dated; inscribed: color state proof for "Mannikin"; printed by the artist on antique-white textured wove paper; 9-3/4 x 7-3/4" platemark
  Color intaglio; 1966; pencil signed, titled and dated; inscribed: color state proof for "Mannikin"; printed by the artist on antique-white textured wove paper; 9-3/4 x 7-3/4" platemark.

Bernard Childs was an innovative pioneer in printmaking, combining his skills with power tools and his love of metals to create shaped plates and gestural expressions in intaglio.

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galerie orsay logo h"Oeuvres de Pâques"

Tous les mardis et jeudis, une oeuvre à découvrir!

Bernard QUENTIN (né en 1923) "Ecriture Rythmes" circa 1950

Bernard Quentin est un artiste, sculpteur et architecte né à Flamicourt en 1923. Diplômé de l'Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris, il s'engage dans la Résistance à 19 ans et va rester jusqu'à la fin de la guerre dans l'Armée de l'air.

En 1945, sa rencontre avec Picasso à la Maison de la Pensée et sa découverte de "Guernica" influencent l'écriture abstraite et expressionniste du livre unique sur les horreurs de la guerre et des camps de la mort qu'il expose au « Salon des moins de trente ans ».

L'artiste fréquente très vite Jean-Paul Sartre, Antonin Artaud, Paul Eluard, Max Ernst, Alberto Giacometti, Boris Vian, Tristan Tzara, Maurice Merleau-Ponty ou encore Jacques Prévert... Il expose ses premiers idéogrammes-écritures à la Maison de l'Université à Paris puis à Zurich, Genève et Berne où il découvre le primitivisme poétique ainsi que les influences orientales et africaines dans l'écriture de certaines oeuvres de Paul Klee.

En 1947, il rencontre le marchand d'art Aimé Maeght à Cannes. Il relève les inscriptions rupestres de la « Vallée des Merveilles » dans le Mercantour (Alpes). Ses recherches sur les sources du langage et sur les runes le conduisent à voyager, notamment dans le Midi de la France, en Italie, mais également dans les pays nordiques, en Scandinavie, en Laponie, en Allemagne et en Suisse où il découvre des œuvres utilisant l'écriture automatique monumentale dont il fera usage par la suite.

 Bernard QUENTIN (né en 1923) "Ecriture Rythmes" circa 1950 Technique mixte sur papier 28 x 36 cm Signé en bas à droite: Bernard Quentin

Bernard QUENTIN (né en 1923)
"Ecriture Rythmes" circa 1950
Technique mixte sur papier
28 x 36 cm
Signé en bas à droite: "Bernard Quentin"

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Soda - Tank, Dessin, 26.5 x 39.5 cm © Bruno GAZZOTTI – DUPUIS

   Bruno GAZZOTTI Soda

   AVANT-PREMIÈRE
   Jeudi 30 juillet 2020 de 11h à 20h
   EXPOSITION
   du vendredi 31 juillet au samedi 29 août 2020
   GALERIE HUBERTY & BREYNE
   36 avenue Matignon
   75008 PARIS
   +33/1.40.28.04.71
   contact(at)hubertybreyne.com
   www.hubertybreyne.com
   Lundi au Samedi 11H - 19H

    Soda - Tank, Dessin, 26.5 x 39.5 cm © Bruno GAZZOTTI – DUPUIS

« Du 31.07 au 29.08, la galerie Huberty & Breyne consacre ses cimaises parisiennes à SODA, série de polar humoristique emblématique de la Bande Dessinée franco-belge.

« On m’appelle SODA, mais mon vrai nom, c’est Solomon. David Elliot Hanneth Solomon. »

Ce policier new-yorkais héberge sa mère dans son appartement au 23ème étage du 416, Church Avenue en plein Manhattan. Elle est fragile du coeur et pour cette raison Solomon n’a pas osé lui avouer qu’il était flic. Elle le croit pasteur…

C’est avec ce lancement que le personnage de SODA devient l’une des figures phares du magazine Spirou dans les années 1980. Quand Bruno Gazzotti reprend le person­nage en 1989, à la suite de Luc Warnant, la série scénarisée par Philippe Tome prend alors son envol. Bruno Gazzotti réalise un encrage tout en souplesse et une parfaite maitrise du découpage et de la mise en scène, notamment pour les scènes d’action.

Au fil de ses aventures, SODA suscite un intérêt grandis­sant auprès des lecteurs, aussi bien aussi bien adolescents qu’adultes, et rencontre un véritable succès éditorial.

La galerie Huberty & Breyne dévoile pour la première fois à Paris une sélection des plus belles planches originales des albums réalisés par Bruno Gazzotti entre 1991 et 2005 ainsi qu’un ensemble inédit d’illustrations couleur mettant en scène le lieutenant Soda.

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CHAMIZO
25 mars - 23 avril 2016

Galerie Seine 51
51 rue de Seine 75006 Paris
T : +33 (0)1 43 26 91 10
contac(at)seine51.com
www.seine51.com

Chamizo, père de l’Abstraction-Figuration lettrique et l’un des précurseurs du street art, est exposé à la Galerie Seine 51 à travers une sélection inédite de ses dernières oeuvres. L’occasion de constater la cohérence et la richesse de son univers artistique.

La Galerie Seine 51 publie à l’occasion de cette exposition un catalogue présentant les oeuvres exposées et le parcours de Chamizo depuis presque un demi-siècle.
Voilà bientôt cinq décennies que Chamizo explore et enrichit son univers si particulier.
Après une éclipse de trois ans durant laquelle, toujours en immersion dans le monde actuel, il a défriché de nouvelles voies, cherché de nouveaux sujets, cet artiste considéré par Alain-Dominique Perrin comme l’un des dix meilleurs peintres figuratifs de sa génération dévoile sa toute récente production.
L’exposition présente une vingtaine de ses dernières toiles, ainsi que quelques sculptures.
Chacune de ces oeuvres témoigne de la profondeur et de l’acuité d’un artiste à l’univers ultra référencé. Son oeuvre aux couleurs explosives, à l’incroyable richesse de détails et plus que jamais ancré dans le monde contemporain distille un humour subversif porté par une impressionnante maîtrise technique.

Chamizo Samuraï n° 2

Chamizo Samuraï n° 2
2015, acrylique, 146 x 89 cm
Courtesy Galerie Seine 51

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Christian Jaccard Galerie Valerie Bach

Exposition "Energies Dissipées"

Galerie Valérie Bach -
6, rue Faider - 1060 Bruxelles

T +32 2 533 03 90

+32 486 296 839

www.galerievaleriebach.com
info[at]galerievaleriebach.com
Valerie Bach sera présente à :
http://www.brusselsartdays.com/2015/

La galerie valérie Bach a le plaisir de vous inviter le vendredi 11 septembre au vernissage de l'exposition « Energies dissipées » en présence de l'artiste. Franco-suisse, né en 1939, Christian Jaccard est l'artiste du processus de combustion : il développe les Brûlis conjointement au Concept supranodal (prolifération de textures noueuses) depuis 1990. Le feu et l'entrelacs, principes de création et de relation des règnes du vivant, sont les deux « outils » constitutifs de sa pratique artistique dont l'enjeu est la représentation du temps.

Cette nouvelle exposition s'intègre dans la 8ème édition des Brussels Art Days 2015. De nombreuses galeries ouvriront leurs portes le samedi 12 et dimanche 13 septembre de 12h à 18h.

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Chuang Che (1934 Pékin)
Suspendre l’Éphémère

Vernissage Jeudi 16 mai à partir de 17h
16 mai - 26 juin, 2019
Galerie Sabine Vazieux
5 bis rue du Louvre,
75001 Paris
mardi-samedi 12 - 19h

Chuang Che grandit au sein d’une famille de lettrés. Son père, calligraphe de renom, est aussi vice-directeur du musée de la cité interdite. En 1948, il participe activement au convoyage des oeuvres du musée vers Taipei. Chuang Che a 13 ans quand il assiste à cette formidable épopée. Tout au long de son oeuvre, la peinture traditionnelle chinoise restera une source d’inspiration inépuisable. Dès 1954,
Chuang Che intègre le département des Beaux-Arts de l’université normale provinciale de Taïwan, où il rencontre Chu Teh-Chun, qui y enseigne.

Chuang Che comes from a family of scholars. His father was a well-known calligrapher and curator of the Palace Museum in Beijing. In 1948, he played an active role in the transfer of the Palace Museum’s works to Taipei. Chuang Che was fourteen when this important event took place.
Throughout his career, traditional Chinese painting has remained an inexhaustible source of inspiration. In 1954, Chuang Che entered the
department of Fine Arts at the Taiwan Provincial Normal University, where he met Chu Teh-Chun, who was a teacher there.

Chuang Che, The Great Rule, 1989, huile et acrylique sur toile, signé et daté, 133 x 175 cm
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EXPOSITION
POP LOVE – LES FEUX DE L’AMOUR
Du 1er au 24 février 2018
Vernissage – Jeudi 1er février 2018

GALERIE LOFT
3 bis, rue des Beaux-Arts - 75 006 Paris
4, rue des Beaux-Arts - 75 006 Paris
Phone: +33 1 46 33 18 90
info(at)galerieloft.com

http://www.galerieloft.com/
A l’occasion de la Saint-Valentin, la Galerie Loft présente une exposition inédite de Claude Gilli, dédiée à l’amour sous toutes ses formes.

Symbole universel de la vie et du sentiment amoureux dans l’imaginaire populaire, le cœur possède une force visuelle et émotionnelle unique.

Dans la série des « Feux de l’amour », Claude Gilli le décline sous la forme de compositions en relief, brillantes et lisses, aux couleurs intenses.

Jeux de mots, jeux de lumière, jeux de mise en abîme. Vivants et vibrants, ses coeurs découpés dans du bois induisent une notion de profondeur de l’espace pictural, renforcée par la lumière des flammes qui viennent les caresser.

Le caractère joyeux et énergique de ces œuvres souligne l’importance des plaisirs simples et de l’amour, tandis que l’humour omniprésent nous rappelle à quel point Gilli aimait la vie. Malgré les difficultés auxquelles il dû faire face toute sa vie, il ne cessa jamais de créer avec une certaine magie, des sujets assemblés et les paysages décalés qui caractérisent son oeuvre, dans une quête impérissable d’un idéal du bonheur.

CLAUDE GILLI POP LOVE GALERIE LOFT
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L’artiste Claudine Drai, invitée de la Maison Guerlain
« L’âme du temps »
Exposition du 13 novembre 2018 au 6 janvier 2019
Maison Guerlain
68 avenue des Champs-Élysées, Paris 8e

Depuis déjà  douze années, la Maison Guerlain accueille dans sa célèbre maison des Champs-Elysées des expositions d'art contemporain. Après avoir présenté de nombreux artistes dont Niki de Saint Phalle, Sarah Moon ou encore Chiharu Shiota, la Maison Guerlain, qui célèbre cette année 190 ans d'histoire et de création sans jamais cesser d'être actuels, confie ses espaces à l'artiste Claudine Drai du 13 novembre 2018 au 6 janvier 2019.

« Avec le parfum, nous pénétrons le monde autrement que par le regard, par sa respiration », écrit Claudine Drai. Le parfum occupe depuis longtemps une place centrale dans l'oeuvre de l'artiste. En 1994, elle entreprend ses premières recherches sur les émotions et l'imaginaire du parfum, se consacre à l'écriture de textes et à l'intégration de l'olfaction dans ses créations qu'elle poursuit encore aujourd'hui. Peu à peu, Claudine Drai ressent que le parfum peut susciter des émotions proches de son oeuvre : « A travers le parfum, je sentais l'abîme, la structure de l'espace, la texture de la lumière, la façon dont le temps se rapprochait ou s'éloignait, et puis tous ces silences... » Lors de son exposition à la Galerie Jérôme de Noirmont en 2005 puis au Centre Pompidou en 2009, elle intègre des sensations de parfums comme matières de son univers, au même titre que le papier, la soie, la lumière et les mots. Elle écrit à ce sujet : « Il existe des émotions au fond de l'être qui ont besoin, pour apparaître, de trouver la matière qui leur ressemble, visible ou non-visible. Les parfums, la lumière et l'espace se vivent comme des émotions qui se dévoilent, comme une histoire sensible à côté de l'histoire du regard. »

Claudine Drai Sans titre, 2018.  Sculpture, papier de soie, 120 cm, 70 cm, 70 cm

Claudine Drai Sans titre, 2018.
Sculpture, papier de soie, 120 cm, 70 cm, 70 cm

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Corps et Ames - Un regard prospectif
Galerie Jeanne Bucher Jaeger
Espace Marais
5 et 7 rue de Saintonge
75 003 Paris – France
T +33 (0) 1 42 72 60 42
http://jeannebucherjaeger.com/fr/
info(at)jeannebucherjaeger.com
Mardi-Samedi, 10 h - 19 h

Fermín Aguayo - André Bauchant - Michael Biberstein - Roger Bissière - Miguel Branco - Youla Chapoval - Fred Deux - Jean Dubuffet - Alberto Giacometti - Antony Gormley - Günter Haese - Zarina Hashmi - Stanley William Hayter - Evi Keller - Charles Lapicque - Louis Le Brocquy - Fernand Léger - Jean Lurçat - Alfred Manessier - André Masson - Rui Moreira - Kunihiko Moriguchi - Louis Nallard - Vera Pagava - Jean-Paul Philippe - Hans Reichel - Susumu Shingu - Nicolas de Staël - Arpád Szenes - Mark Tobey - Fabienne Verdier - Maria Helena Vieira da Silva - Paul Wallach - Etienne Bertrand Weill - Yang Jiechang - Arts Premiers

Galerie Jeanne Bucher Jaeger Espace Marais 5 et 7 rue de Saintonge 75 003 Paris – France
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Jan Saudek, one of a kind, revolutionary, reckless.

He is one of the most important and renown Czech art photographers in the world.

Saudek has had over 400 solo exhibitions. His photographs are included to some of the world's most important art collections.

Born in Prague in 1983, his father was a Jew, so he and his family automatically became Nazi's target. Jan Saudek was still a child when his family suffered during the World War II. Little Jan together with his brother, was kept in Mischlinge, the concentration camp for children. Their father also was deported to the concentration camp. All of them survived the war.

The catastrophe of the war and the absence of a happy childhood are intensely shown in Saudek’s works. The artist often repeats his themes and styles, while he combines notions of eroticism and memories of a childhood, creating a surreal and dream-like result.

Saudek images are all about evocation, an evolution from child to adult, there are lots of nudity and semi-nudity in his work. And what's interesting is, he is not that type of photographer who tries to show you beauty, no, its opposite. In his images, he uses people who are overweight in absurd positions, old half nude ladies, young girls with cigarettes, midgets, and what interesting is that he loves posing himself nude as well!

Jan Saudek Photo courtesy of the Artist
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Le galeriste Stéphane Custot inaugurera le 18 janvier 2016 la "Custot Gallery Dubai"
 fabienne verdier1
Fabienne Verdier, Notations en bleu, 2015
Acrylique, pigments et vernis sur toile 90 x 232,5 cm

Stéphane Custot a le plaisir d’annoncer l’ouverture à Dubaï le 18 janvier 2016 d’un nouvel espace dédié à l’Art : Custot Gallery Dubai.

Cette nouvelle étape enrichit ainsi un long chemin personnel et professionnel, entrepris il y a vingt cinq ans à Paris, poursuivi à Londres avec Waddington Custot Galleries, dans un monde de l’art en perpetuelle évolution. L’ouverture de cet espace dès l’automne 2015 dans le quartier d’Alserkal Avenue, véritable centre artistique et culturel de Dubaï, résulte d’une envie de faire partager une certaine vision de l’Art.

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DADO
Mémoire épidermique
Exposition du 12 mai au 18 juin 2016

signature du recueil d’entretiens de l’artiste, Peindre Debout,
avec la participation de Daniel Cordier et Jean-François Jaeger
le samedi 4 juin à 11 h
Espace Marais - 5 et 7, rue de Saintonge - 75003 Paris
Espace St Germain - 53, rue de Seine - 75006 Paris

T. +33 (0)1 42 72 60 42
info(at)jeannebucherjaeger.com
www.jeannebucherjaeger.com

Cette exposition présente des peintures, collages, dessins et estampes de  Dado des années 70. Miodrag Djuric, dit DADO (1933-2010), établi en France à partir de 1956, est très tôt repéré par Jean Dubuffet et Daniel Cordier, son premier marchand. Arrivé à la galerie grâce à François Mathey et aux amis collectionneurs Boulois, Dado est présenté à quatre reprises entre 1971 et 1975.

Dado, Boukoko triptyque, 1975. Huile sur toile, 162 × 454 cm.  Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris. Photo : Jean-Louis Losi.

Dado, Boukoko triptyque, 1975. Huile sur toile, 162 × 454 cm.
Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris. Photo : Jean-Louis Losi.

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DAIDO MORIYAMA Courtesy Galerie DA-END

LES AMBIGUITES PHOTOGRAPHIQUES DE DAIDO MORIYAMA

Daido Moriyama, « Erotica », Galerie DA-END, Paris 6ème.

15 Septembre au 30 novembre 2011
Vernissage le jeudi 15 septembre 2011 à 18h

Photographe « hype »  Daido Moriyama semble oublier une idée majeure. L’image n’est capable de finalisation que dans la mesure où elle établit entre des réalités sensiblement distinctes des rapports et de échanges.

Chez lui l’image n’est jamais trait d’union mais un voile au moment même où elle prétend faire œuvre de nudité en exposant des corps nubiles dans des décors inattendus et souvent glauques (bar interlope, décharge publique).

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DAMIEN HIRST vs PHILIPPE PASQUA - "SKULL"
GALERIE LAURENT STROUK
galerie[at]laurentstrouk.com
www.laurentstrouk.com
tél. 01 40 46 89 06 | fax 01 40 46 89 04
2 avenue Matignon F-75008 Paris

ouvert de 10h30 à 19h du lundi au samedi

Pour cette exposition intitulée « Skull », qui aura lieu du 7 décembre 2012 au 23 janvier 2013, la Galerie Laurent Strouk réunit deux artistes majeurs de l’art contemporain, Damien Hirst et Philippe Pasqua, autour du thème de la vanité.
Chacun d’eux, par des peintures, sculptures et dessins récents et inédits, livre une interprétation puissante et personnelle de ce sujet. Damien Hirst, dans la couleur et dans la projection ; Philippe Pasqua, dans la noirceur et dans l’expressionnisme d’une peinture toute en épaisseur.

 

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Daniel Dezeuze // Claude Viallat
20 05 17 > 15 07 17 / vernissage le samedi 20 mai
Galerie Catherine ISSERT
2 ROUTE DES SERRES •
F - 06570 SAINT-PAUL •
T 33(0)4 93 32 96 92 •
F 33 (0)4 93 32 78 13
• info(at)galerie-issert.com
www.galerie-issert.com

Cet été, les musées de la ville de Nice célèbrent ses « Ecoles de Nice » (les mouvements artistiques ayant animé la Côte d’Azur après la seconde guerre mondiale et jusqu’aux années quatre-vingt) : en écho à cette manifestation, la galerie Catherine Issert consacre une exposition à deux acteurs majeurs de cette période, Daniel Dezeuze et Claude Viallat. Ainsi, Catherine Issert rappelle le rôle important que sa galerie a joué dans l’émergence des artistes du mouvement Supports/Surfaces.

En effet, l’ouverture en 1975 de la galerie se fit avec la complicité de Claude Viallat, alors âgé de 39 ans et entouré pour l’occasion de Bernard Pagès, Patrick Saytour, Toni Grand et Christian Jaccard ; suivie en 1976 par une exposition de Daniel Dezeuze, alors âgé de 34 ans. A cette époque, le mouvement Supports/Surfaces, fondé par Dezeuze, Saytour et Viallat, adopte une posture critique vis-à-vis du tableau et fait de l’analyse de ses constituants essentiels – le support et la surface – les éléments mêmes de sa réflexion plastique. Le groupe est à peine formé que déjà il se délite ; il n’aura existé que de 1968 à 1971, pourtant les questionnements fondamentaux qu’il aura engendrés influenceront longtemps, et peut-être aujourd’hui encore, la création contemporaine. En 1970, Daniel Dezeuze et Claude Viallat furent à l’initiative de l’exposition emblématique du groupe à l’ARC (Musée d’Art Moderne de la ville de Paris) ; quarante ans après, ces deux artistes font toujours preuve d’une énergie indéniable en prolongeant leur quête d’une peinture renouvelée et décloisonnée.

Claude Viallat Sans Titre, 2016 Acrylique sur carton 50 x 35 cm

Claude Viallat
Sans Titre, 2016
Acrylique sur carton 50 x 35 cm

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Daniel Mohen Teodora Galerie

Daniel Mohen
Teodora Galerie
25 rue de Penthièvre - 75008 PARIS

http://www.teodora.fr/index.php/fr/
Teodora Galerie - Art Contemporain gerard.hermet[at]teodora.fr

+33 (0) 1 77 17 28 45 / +33 (0) 6 07 08 86 51
Ouvert du mardi au samedi 11h - 19h

du 12 Mars au 2 Mai 2015

 Les peintures de Daniel Mohen, exposées Galerie Teodora à Paris jusqu’au 2 mai, paraissent abstraites au premier regard. Elles prennent pourtant sources dans les formes et les couleurs de diverses réalités qui ont, un moment donné, arrêté le regard de l’artiste. On pourrait penser qu’elles y aboutissent aussi puisque les titres donnés signalent les objets ou les lieux qui furent prétextes à la création: cascade, torrent, coquelicot, iris, Vésubie, ombre sur la falaise. Il s’agit ici d’un rappel du temps de l’inspiration et pas seulement d’un acte de baptême, toujours postérieur à celui de la création. Essayons de nous intéresser à ce qui s’est passé entre le moment de l’arrêt du regard dans la nature aux environs de Nice (ou sur l’île d’Oléron) et la décision d’accrocher ces toiles aux cimaises de la galerie à Paris.
L’attention du peintre qui travaille en lien avec le spectacle du monde est sollicitée autrement que celle du promeneur. Un paysage, par exemple, ne s’impose pas à lui par sa beauté mais par les qualités potentielles dont il pourra tirer parti dans la genèse de sa création. Il examine les choses du monde au travers la mémoire de ses expériences plastiques antérieures. Daniel Mohen peint régulièrement depuis longtemps (plus de cinquante ans) avec une attention continue aux détails de notre environnement examinés au travers d’une histoire de la peinture qui, de tous temps de Fouquet à Richter, est allée chercher le sens de l’art au delà de la représentation figurative.

DANIEL MOHEN VIGNE 4 -2014 PIGMENT & ACRYLIQUE SUR TOILE 100 x 81cm

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A LA MARGE DAPHNÉ LALONDE

Vernissage le jeudi 16 mars de 18 à 21 heures
Exposition du 16 mars au 22 avril 2017
GALERIE VALERIE DELAUNAY
22 rue du Cloître Saint-Merri
75 004 Paris
contact(at)valeriedelaunay.com

Site de la galerie : http://www.valeriedelaunay.com/expositions

La galerie est ouverte le lundi, mardi, jeudi, vendredi et samedi de 12h à 19h et sur rendez-vous.

Daphné Lalonde peint, Daphné dessine, Lalonde lévite. Ne cachez pas votre surprise, car l'artiste ne rêve que de cela : vous surprendre et vous faire voir et lire quelque chose d'invisible, d'incompréhensible. Il y a beaucoup de choses à voir, de choses à lire, comme dans la machinerie des âmes. L'âme est un corps comme un autre, plein de ses atomes particuliers et de ses délicieux fantômes. Tel un « arum si beau »... Alors oui, vous trouverez dans le sac de la passagère du Sans-Souci plein d'objets singuliers, dérangeants d'anatomie, découpés au scalpel et réinventés d'après nature comme des tableaux vivants...

DAPHNÉ LALONDE Jardin secret, 2016,  acrylique et crayon sur papier toilé, 140 x 157 cm

DAPHNÉ LALONDE Jardin secret, 2016,
acrylique et crayon sur papier toilé, 140 x 157 cm

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Vue d’exposition David Nash : Courtesy Galerie Lelong / Photo Fabrice Gibert

David Nash Black & Red : Bronze & Wood
19 janvier – 17 mars 2012
Galerie Lelong

13 rue de Téhéran
F-75008 Paris
France
T. 33 1 45 63 13 19
F. 33 1 42 89 34 33
info[at]galerie-lelong.com        
www.galerie-lelong.com
Pour sa troisième exposition à la Galerie Lelong, David Nash a choisi le titre-manifeste : Noir et rouge, bronze et bois. Ces deux couleurs sont celles qu’il aime faire contraster dans la plupart de ses récentes sculptures en bois et ce sont celles qui dominent avec force ses nouveaux dessins et pochoirs. Le noir du bois carbonisé en surface était une sorte d’emblème de David Nash. Il est maintenant exalté par sa confrontation au rouge vif.

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Rim Battal
Laurette Massant
Camille Moravia
Tareq de Montfort
Nina el Polin
Deborah De Robertis

Opening 31.03.16 > 18.00 h
Show 01.04.16 > 07.03.16

Galerie Nivet-Carzon
2, rue Geoffroy l'Angevin
F-75004 PARIS
+33 954 29 30 10
Mobile + 33 673 87 76 83
http://www.nivet-carzon.com
Pour cette carte blanche, Deborah De Robertis a choisi d'inviter les "artistes de sa famille". Comme elle, Rim Battal, Nina El Polin, Laurette Massant, Camille Moravia et Tareq de Montfort ont en commun de chercher à définir de nouveaux modèles.
Ne vous y trompez pas. Cette exposition n'est pas une énième proposition de nus qui englobe tous les fantasmes érotico-socio-culturels sans discernement au nom d'un exhibitionnisme faussement provocateur. Les artistes présentés vont plus loin et sont plus précis dans leur propos. Il est ici question de 'nudité politique' selon l'expression de la philosophe Geneviève Fraisse.

 

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ART ET CULTURE DANS LE QUARTIER SAINT-ETIENNE NICE CENTRE

DEL'ART
Le Narcissio
16 rue Parmentier F-06100 Nice
T +33 (0)4 93 84 81 30
Toute l'actualité de l'art contemporain sur la Côte d'Azur : www.de-lart.org
Retrouvez les activités du Narcissio : www.le-narcissio.fr
 www.d-lart.org  -  www.le-narcission.fr 

L’ASSOCIATION DEL’ART MENE UN PROJET CULTUREL FEDERATEUR AU COEUR DU QUARTIER VERNIER / TRACHEL.

Co-construite avec les habitants du quartier Saint-Etienne, une nouvelle identité s’affirme, tournée vers la citoyenneté, l’autonomisation et l’égalité réelle par le prisme de l’art et de la culture.

Une expérience innovante

L’association DEL’ART questionne la place de l’art dans l’espace public et son rapport à la citoyenneté. Elle gère désormais 4 espaces au coeur du quartier prioritaire Saint-Etienne (13 et 23 rue Trachel, 22 et 34 rue Vernier, Nice Centre) amplifiant ainsi le travail entamé il y a maintenant plus de 5 ans.

 

Logo Del Art
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Denis Darzacq – Absences
10 avril – 9 mai

Galerie Laurence Miller
521 West 26th St, 5ème étage
New York, NY 10001
http://www.laurencemillergallery.com/

A reliable feature of good art is its ability to take on new resonance. When Denis Darzacq initiated this body of work he couldn’t have known how profoundly the concept of absence would speak to the emptying out of the cafés and street life in his native Paris this year. In a uniquely insular moment when many have been afforded a time for greater reflection and self-reliance, Darzacq’s process of mining his own work for raw material also rings true. By cutting and tearing recent photographic prints of his own work he generated a wealth of formal material that could be recombined endlessly to yield surprising new compositions. The saturated colors, strong lighting, and shallow relief yield images that are at once abstract and hyperreal. If these works ultimately erase the subjects of Darzacq’s previous works they also read convincingly as newly formed worlds. As ever, out of the old comes the new.

French photographer Denis Darzacq was born and raised in Paris, a city in which he still lives and works today. He graduated from the ENSAD (French National School for Decorative Arts) in 1986 and started his photographic career following the French rock scene.

In 1994 he began a series exploring the nocturnal life of Parisians titled “Only Heaven”, which he exhibited at various photo festivals. In 1999 the French Ministry of Culture commissioned him a body of work on French youth. The interaction between man and urban space and, more precisely, the suburbs have been a driving force in his recent work.

Denis Darzacq Absence N°13, 2018 Galerie Laurence Miller

Denis Darzacq Absence N°13, 2018 Galerie Laurence Miller

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Portrait de Diane SloorDiane Sloor, sa démarche artistique

Son talent inné pour la couleur l'a d'abord conduite à l'aquarelle. Amoureuse inconditionnelle d'art pictural depuis son plus jeune âge, Diane SLOOR a choisi de consacrer la plus grande partie de son temps à la peinture dès 2009. Mais comment d'exprimer ses pensées, qui seront gravées dans la toile, quand les idées sont par essence changeantes et profondément liées aux intuitions du moment, de la main ?

Il lui est alors venue après maintes heures de travail, une technique, sans doute le fruit d'un heureux hasard, d'utiliser un exercice ancestral :  le palimpseste (du grec ancien « gratter de nouveau ») ; ne sachant au début, que peu dessiner et étant naturellement attirée par l'abstraction. Les teintes mates ou soyeuses circulent et cherchent leur place.   La toile se dénude ou se remplit au gré de son processus de transformation. Les nombreuses couches chromatiques atteignent ainsi la lumière. Inspirée par ses lectures elle s'efforce dans ses réalisations, d'aussi bien peindre que "dépeindre".

Diane Sloor les fleurs perdues huile sur toile 100 x 100 cm Collection Privée

Diane Sloor les fleurs perdues huile sur toile 100 x 100 cm Collection Privée

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LE JEUDI 21 MARS 2019
SIMON LHOPITEAU serait très heureux de vous recevoir pour le
VERNISSAGE de son "EXPOSITION DE PRINTEMPS"  
de 17h à 22h (cocktail à 19h)

Edgard PILLET (1912-1996)
Peintures et Creusets 1950-1960

EXPOSITION du 22 mars au 27 avril 2019
du mardi au samedi, de 14h30 à 19h.

SIMON LHOPITEAU
Docteur en Histoire de l'Art.
Expert affilié CNE (Compagnie Nationale des Experts)

GALERIE ORSAY PARIS
Peintures, Sculptures, Dessins, Gravures XIXe XXe
58, rue de L'UNIVERSITE.
75007 Paris - France.

Tél :    00 33 (0)1 42 84 23 86
Port :  00 33 (0)6 18 03 74 92
Mail :  simon.lhopiteau(at)galerieorsayparis.fr
Site  :  www.galerieorsayparis.fr


Galerie Orsay Paris
58, rue de l'Université
Paris 75007
France

Edgard PILLET (1912-1996) « ROMUS », Creuset c. 1962 Résine, peinture et sable. 115 x 86 cm - Signé en bas à droite : « Pillet »
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© Edi Dubien, Chevreuil maquillé, acrylique et encre sur toile, 162 x 130 cm
© Edi Dubien, Chevreuil maquillé, acrylique et encre sur toile, 162 x 130 cm

E D I  D U B I E N
« Sain et Sauf »
Galerie Alain Gutharc
7, rue Saint-Claude 75003 Paris
Tel: 01 47 00 32 10
https://www.alaingutharc.com/

Exposition personnelle du 5 septembre au 24 octobre 2020
Vernissage le 5 Septembre 2020

L'écologie n'a pas seulement pour objet le réchauffement climatique, le recyclage ou l'énergie solaire, elle n'a pas seulement à voir avec les relations quotidiennes entre humain.e.s et non-humain.e.s. Elle a à voir avec l'amour, la perte, le désespoir et la compassion. Avec la dépression et la psychose. Avec le capitalisme et ce qui pourrait exister après le capitalisme. Avec l'étonnement, l'ouverture d'esprit et l'émerveillement. Le doute, la confusion et le scepticisme. Les concepts d'espace et de temps. Le ravissement, la beauté, la laideur, le dégoût, l'ironie et la douleur. La conscience et la perception. L'idéologie et la critique. La lecture et l'écriture. La race, la classe et le genre. La sexualité. L'idée du moi et les étranges paradoxes de la subjectivité. Elle a à voir avec la société. Elle a à voir avec la coexistence [1].

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Smoking in Bed. © Ellen Von Unwerth, Courtesy of the Fahey/Klein Gallery, Los Angeles

November 7, 2013 through January 4, 2014
Fahey/Klein Gallery
148 N. La Brea Ave.
Los Angeles, CA 90036 USA
contact[at]faheykleingallery.com

The Fahey/Klein gallery is pleased to present a selection of photographs from renowned photographer Ellen von Unwerth in her exhibition, “Made in America”. The exhibition revels in the uniqueness and originality of Americana imagery by extoling the concept of Hollywood personalities and pop culture icons it has produced such as Marilyn Monroe, Lolita, Bettie Page, and even Barbie and Ken.

 

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Jean-Pierre Schosteck, Maire de Châtillon
Thierry Braconnier, Adjoint au Maire délégué à la Culture et à la Vie associative
Caroline Quaghebeur, Directrice de la Maison des Arts
sont heureux de vous inviter à visiter l'exposition du photographe Emmanuel Infanti :

Multiples de un : un concept photographique astucieux, positif et ludique.

Ouvert au public du 7 au 17 décembre 2016
Maison des Arts
11 rue de Bagneux - 92320 Châtillon
Tél. 01 40 84 97 11
http://maisondesarts-chatillon.fr/
Exposition ouverte du mardi au dimanche, de 14h à 18h
Entrée libre.

« Avant tout simple et accessible, cette exposition s'est montée avec l'envie de distraire et d'amuser l'œil du spectateur.

Ce concept est né au début de mon parcours photographique, à l'époque où le travail de portraitiste m'était totalement étranger. J'ai cherché un moyen de créer une passerelle technique me permettant de me rapprocher des gens, de leur univers, de leur expressivité ». E.Infanti

Emmanuel Infanti Photographe
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CHRISTIAN BERST : « FAIRE PLUS, ET MIEUX. LE TEMPS D’APRÈS SERA AU BOND, ET AU REBOND. »

par Oriane Zerbib - 14.04.2020
Attachée de presse https://www.communicart.fr

AU TEMPS DU CORONAVIRUS, COMMUNIC'ART DONNE LA PAROLE À SES CLIENTS.

En cette période de confinement, quelles sont les actions que vous menez avec votre équipe pour poursuivre vos activités ?

Christian Berst : Nous travaillons à l’après, car il est vital de se projeter, d’anticiper. C’est l’occasion de préparer certaines actions de promotion de nos artistes que nous nous promettions de développer depuis trop longtemps. Cela passe aussi par la mise en ligne d’un nouveau site web, la refonte de notre identité et de nos publications…

En quoi est-ce important pour la Galerie Christian Berst de maintenir le lien avec votre communauté de collectionneurs d’Art brut et vos publics ?

CB : Comme les vestales, nous devons entretenir la flamme. Ce qui avait du sens dans nos interactions sociales passées continue d’en avoir. Et il faut sans cesse le réaffirmer, le revendiquer, le chérir.

 

Portrait de Christian Berst
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Atelier de l’artiste avec les dessins préparatoires pour les murs de la prison Saint-Paul à Lyon, 2012 Courtesy Galerie Lelong / Copyright Ernest Pignon-Ernest

Ernest Pignon-Ernest
Prisons

16 janvier - 29 mars 2014
Vernissage jeudi 16 janvier à partir de 18h

GALERIE LELONG
13, rue de Téhéran
75008 Paris

Tél. 33 1 45 63 13 19
www.galerie-lelong.com

Désaffectée depuis 2009, la prison Saint-Paul à Lyon a « ouvert » une dernière fois en septembre 2012 pour les journées du patrimoine. Ernest Pignon-Ernest et d’autres artistes ont été invités à y intervenir.

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Etel Adnan
Parler aux fleurs
22 novembre 2018 – 19 janvier 2019
Vernissage jeudi 22 novembre à partir de 18h au Salon

Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com  / + 33 1 45 63 13 19  /  
www.galerie-lelong.com
Pour cette exposition, Etel Adnan a réalisé une douzaine de petits tableaux ronds, denses, vivants, à la touche souple et ample, très nouvelle, avec un seul sujet : des fleurs. Interrogée sur le pourquoi de ce thème, elle répond : « c'est venu ainsi ». La forme de ces fleurs rondes s'intègre facilement dans un cercle : un cercle dans un cercle. Pour compléter ce groupe de tondi, elle a ajouté quelques tableaux rectangulaires, en deux couleurs seulement, des sortes de dessins peints.
 
Pour accompagner l'exposition, la Galerie Lelong & Co. publie un petit livre qui associe aux peintures un choix de poèmes extraits du Cycle des tilleuls (2012).

Etel Adnan Jardins 3, 2018, huile sur toile, Ø 30 cm.

Etel Adnan Jardins 3, 2018, huile sur toile, Ø 30 cm.

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Eva Marc'h expose Salon des ARTISTES INDEPENDANTS dans le cadre de ART CAPITAL au GRAND PALAIS 11 février au 16 février 2020 Vernissage le 11 février 2020

Exposition à la GALERIE ETIENNE DE CAUSANS 25 rue de Seine 75006 PARIS DU 24 février au 4 mars 2020 Vernissage le 27 février 2020 et remake samedi 29 février 2020

Exposition à la MAISON BLANCHE 10 Avenue Montaigne 75008 PARIS DU 17 mars au 27 avril 2020 Vernissage le jeudi 19 mars 2020

Eva March constellation 3 huile et acrylique sur toile  dimensions 130 x 195 cm

Eva Marc'h constellation 3 huile et acrylique sur toile
dimensions 130 x 195 cm
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ACTUALITES EVA MARC’H

Après avoir exposé aux DEUX MAGOTS, l’artiste peintre EVA MARC’H, a été sélectionnée pour exposer au prestigieux SALON D’AUTOMNE du 10 octobre au 13 octobre 2019.
Vernissage le mercredi 9 octobre à 18 h.

Rappel historique du SALON D’AUTOMNE :

Salon d’art historique, doté d’une renommée internationale, il s’impose comme le rendez-vous incontournable des artistes d’aujourd’hui, issus des cinq continents.
Créé en 1903, au Petit Palais à Paris, par quelques amis en réaction à l’académisme régnant, le Salon d’Automne s’est imposé comme acteur et témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : Fauvisme, Surréalisme, Cubisme, Art abstrait, Nouvelle Figuration... C’est dans les sous-sols du Petit Palais, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps.

Contact : contact(at)eva-march.com / 06 11 61 24 38
www.eva-march.com

Eva Marc'h 

Hashimoto Contemporary
816 Sutter Street
San Francisco, CA 94109

Hashimoto Contemporary is pleased to present Wherever I May Roam, a two-person exhibition featuring new works by Ben Venom and Alex Ziv. Both artists' works are informed by a broad spectrum of influences, including folk and indigenous art, traditional craft and counter culture to create contemporary visual languages all their own.

San Francisco-based Venom's repurposed textile-based works blend "aggressive counterculture components of gangs, punk/metal music and the occult with the comfort of domesticity." Comprised of remnant fabric such as denim, leather and band t-shirts, each composition unifies the seemingly disparate influences of heavy metal and motorcycle gangs with Gee's Bend quilts into unique works imbued with a deep sense of community and collective history.

Alex Ziv Old Man Gray Comes for a Visit gouache on paper
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YOYO MAEGHT PRÉSENTE
AKI KURODA EN SON ATELIER
VENDREDI 22, SAMEDI 23 ET DIMANCHE 24 NOVEMBRE 2019 DE 11H À 19H

Pour découvrir les cheminements de la création d'Aki Kuroda,la genèse de son travail, ses influences culturelles entre Japon et France, ses préoccupations artistiques et ses projets.

Une chance unique de pénétrer dans son atelier parisien où seront présentées ses peintures les plus récentes ainsi qu'une sélection d'œuvres sur papier et estampes.
Uniquement sur réservation, en précisant la date choisie, auprès de :
info.akikuroda(at)gmail.com

Adresse de l'atelier communiquée par retour mail après inscription.

AKI KURODA EN SON ATELIER

 Du 19 avril au 13 Juin 2018
HANGAR ART CENTER GALLERY
18, place du Châtelain
1050 Brussels
Belgium
General information
Tel. + 32 (0)2 538 00 85
Mail Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.

FR - Hangar dévoile là partir du 19 avril 2018, l’œuvre magistrale de l’artiste japonais Aki Kuroda. Dans cette première exposition monographique de l’artiste en Belgique (depuis 1995), le visiteur pourra découvrir une série d’œuvres inédites (2016/2017) ainsi que plusieurs tableaux emblématiques. Au travers de ses œuvres, Aki Kuroda nous transporte dans un univers empreint/s à la fois de mythes antiques et d’histoires de son pays, le Japon. Il crée des « passages » entre des mondes divers : le modernisme et l’art contemporain, l’Orient et l’Occident, le corps et le cosmos, la mythologie et l’avenir. De très grandes toiles colorées investissent les espaces de Hangar sur le thème du Cosmogarden (jardin intérieur et extérieur/tout se mêle en une jungle onirique).

Une fois encore et comme à diverses reprises au Japon, Aki Kuroda a souhaité collaborer avec des architectes. Hangar a proposé une collaboration avec les étudiants en architecture d’intérieur de l’école supérieure des arts de Mons, Arts2, pour la construction d’une maison de thé éphémère. Cette réalisation, conforme à l’univers et aux dessins d’Aki, s’intègre à la scénographie de l’exposition.

Proche de la jeune scène artistique contemporaine, Aki Kuroda a souhaité associer à son exposition un plus jeune artiste, Marcin Sobolev (belgo russe).  Aki et Marcin réaliseront ensemble une installation composée de fleurs et de créations artistiques communes. Un Cosmogarden grandeur nature…

Hangar saisit l’occasion de cette exposition monumentale pour mettre en place une série d’événements liés au Japon et à l’œuvre d’Aki Kuroda. Les informations à ce sujet suivront.

Aki Kuroda ©Photo by Yukishima Yuki, Aki in his workshop.

Aki Kuroda ©Photo by Yukishima Yuki, Aki in his workshop

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BEN fait son casino Exposition, installations, jeux
11/04/2014 - 10/05/2014
GALERIE LAURENT STROUK

galerie[at]laurentstrouk.com
www.laurentstrouk.com
tél. 01 40 46 89 06 | fax 01 40 46 89 04
2 avenue Matignon F-75008 Paris

Ben Vautier repousse et réinvente sans cesse les frontières de l’art.
Il s’essaie à toutes les disciplines : musique, peinture, poésie, films, textes théoriques, gestes, objets. Il a une boutique, une galerie, un journal. Cet artiste, né à Naples en 1935 et installé à Nice depuis 1949, prône « que l’art est dans l’intention ». L’intention semble mener à tout sinon à beaucoup de choses : donner des coups de pieds, hurler, fermer et ouvrir les yeux, faire une trace dans la ville, vomir sur une toile, signer l’horizon, signer l’œuvre des autres…
Ben nous démontre par son œuvre folle et prolifique que l’Art se trouve en toute chose, en tout acte, en tout être humain.
Mais cette œuvre monumentale soulève une question fondamentale : qu’est-ce que l’Art ?

Exposition Ben Galerie Laurent Strouk  

 

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La Galerie Roi Doré , vous invite à l'exposition Boguslaw SCHAEFFER – Collages et « partitions » graphiques
GALERIE ROI DORÉ
61, quai de la Tournelle - 75005 Paris
Tél: + 33 1 42 78 54 42; + 33 1 46 33 21 87
galerie(at)roidore.com
www.roidore.com
du mardi au vendredi de 12h00 à 19h00, le samedi de 13h00 à 20h00
ENTRÉE LIBRE
Vernissage le samedi 2 avril à 18h

Exposition du 5 au 9 avril 2016
au 61, Quai de la Tournelle - Paris 75005

Compositeur, musicologue, pianiste, dramaturge et metteur en scène, Boguslaw SCHAEFFER (né en 1929) est un artiste visionnaire et une figure incontournable de la culture polonaise. Pionnier de la musique électronique et du théâtre instrumental en Pologne, il est l'auteur d'une quarantaine de pièces de théâtre, traduites en dix-sept langues ainsi que d'innombrables articles dédiés à la musique contemporaine et de nombreuses monographies. Il est également connu pour son travail de pédagogue : durant de longues années, il a enseigné entre autres à l'Académie de musique et à l'Université de Cracovie ou encore à la prestigieuse Hochschule für Music à Salzburg. Il est aujourd'hui professeur émérite au Mozarteum à Salzbourg. Il a reçu de nombreux prix de composition et de théâtre, ainsi que des distinctions officielles.

Exposition Boguslaw SCHAEFFER Galerie Roi Doré
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Exposition Capucine Cassaigne

Exposition Capucine Cassaigne Vendredi 23/samedi 24/ dimance 25 novembre 2012 de 11 h à 18h au 20 Grande rue 92420 VAUCRESSON

Depuis 10 ans cette jeune créatrice n’avait qu’une idée en tête, arrêter son métier dans la communication pour se lancer dans ses rêves : la conception et la réalisation de mobilier. C’est chose faite en 2008 avec le lancement de sa structure.

Elle s’inspire depuis toujours du quatuor Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, de son amie sculpteur Ingrid Donat qu’elle regarde travailler dans son atelier.

 

 

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EXPOSITION
CHUANG CHE : 50 ans d’abstraction

Sabine VAZIEUX et
Hervé COURTAIGNE présentent

à la Galerie Hervé Courtaigne
53 rue de Seine, Paris 75006

Du 24 mars au 30 avril 2016

Vernissage :
Jeudi 24 mars 2016 à partir de 17h

Spécialisés dans la peinture abstraite de l'après-guerre, Sabine Vazieux et Hervé Courtaigne consacrent, pour la première fois en Europe, un solo show à l’artiste chinois : Chuang Che.

 Né en 1934, il est considéré comme l’un des pionniers de l’abstraction chinoise. À l’instar de Zao Wou ki et Chu Teh Chun, il découvre et s’inspire de l’abstraction occidentale dès les années 50.

Chuang Che Composition , 1980

Chuang Che
Composition , 1980
Acrylic and oil on canvas
SIGNED AND DATED - 126 x 175.5 cm

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EXPOSITION COLLECTIVE : L’ARTISTE EST-IL UN CHAMANE ?

L’ASPIRATEUR | ESPACE D'ART CONTEMPORAIN | NARBONNE | FRANCE

24 septembre 2016 / 27 novembre 2016
Vernissage vendredi 23 septembre à 18:30 (entrée libre)

> CONTACTS L'ASPIRATEUR ESPACE D'ART CONTEMPORAIN
Avenue Maître Hubert Mouly | 11100 Narbonne | France
www.narbonne.fr/laspirateur | e.massadau(at)mairie-narbonne.fr | Tél. 04 68 90 50 91
Commissaires d'exposition : Laurent Devèze* / Julien Cadoret / Jérôme Vaspard.
Mercredi au dimanche > 14h-18h | Entrée 4 €


À PROPOS DU LIEU
Il ne s’agit pas d’un musée, mais d’un lieu d’exposition et de création. « L’Aspirateur », est un bâtiment brut de béton et de verre, offrant de très importantes surfaces d’exposition sur une superficie d’environ 800 m2.
Dans le droit fil de sa démarche de Ville d’Art et d’Histoire, Narbonne souhaite s’affirmer comme un pôle culturel majeur en Languedoc-Roussillon. L’art contemporain, souvent considéré à tort comme une affaire de spécialistes, concerne un public de plus en plus large. Il est incontestable que l’art contemporain est très porteur d’image.
L'aspirateur a déjà accueilli Erró, Bernard Rancillac, Jacques Monory, Barthélémy Toguo, Athina Ioannou et Peter Klasen.

EXPOSITION COLLECTIVE : L’ARTISTE EST-IL UN CHAMANE ?
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A. Galerie
4, rue Léonce Reynaud
75116 Paris
T: 06 20 85 85 85
www.a-galerie.fr
présente
DAVID YARROW
"Wild Encounters"

Exposition du 25 septembre au 4 novembre 2017
BIOGRAPHIE

David Yarrow, 51 ans, est né en Ecosse et vit à Londres. Il a commencé sa carrière photographique en couvrant les plus grands évènements sportifs de la planète. A l'âge de 20 ans il fut ainsi nommé "Jeune photographe écossais de l'année".
Diplômé de l'université d'Edimburg, il a durant de nombreuses années poursuivi une brillante carrière dans la finance à Londres et à New York puis en 1995 a fondé son fond d'investissements, Clareville Capital.
Pendant cette période la passion de Yarrow et son interêt pour la photographie sont restés constants et sa prise de consciences des véritables enjeux environnementaux et géopolitiques de la planète ont motivé sa décision de photographier le monde naturel.
Ses photos d'Afrique ont été exposées dans le monde entier et ses deux très beaux ouvrages de photographies "Nowhere" (2007) et "Encounter" (2013) ont rencontré un immense succès.

David Yarrow A. Galerie
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Espace A VENDRE présente la première exposition personnelle, dans ses murs,
d'un jeune artiste suivi depuis ses études à la Villa Arson de Nice en 2011.

Quentin Spohn Carambolage au marché d'Anvers
Samedi 25 janvier 2020 - samedi 28 mars 2020
Vernissage vendredi 24 janvier 2020 - à 18h en présence de l'artiste

Pour l'occasion il déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste du lieu : Le Château

Focus sur l'artiste fin mars à Drawing Now 2020 au Carreau du Temple, Paris

Pour la première exposition de l’année 2020, Espace A VENDRE présente un solo-show enthousiasmant de Quentin Spohn. Cet artiste, qui a fait de la pierre noire son meilleur allié, présentera une série de nouveaux dessins sur papier dans le showroom et déploiera une fresque monumentale et grandiose qui occupera la totalité de la salle la plus vaste d' Espace A VENDRE : Le Château

Formé à la Villa Arson, dont il est diplômé depuis 2013, Quentin Spohn enchaine depuis expositions et prix, confortant une pratique singulière, virtuose, fascinante. Triplement récompensé lors du salon Jeune Création en 2017 (lauréat des prix Filaf, Art Collector et Jennifer Flay), il a participé à des expositions à Nice (Villa Cameline, Villa Arson, Galerie de la Marine, etc.), Paris (Espace Niemeyer, galerie Thaddeus Ropac, Bastille Design Center, etc.), Bordeaux ou Marseille. Il a également fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à Paris (Premier Regard), Pékin, ou Nice (Le Dojo).

Quentin Spohn, Sans titre, 2019, graphite sur papier, 70 x 50 cm
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Catherine Mathivat Présidente des Deux Magots a le plaisir de vous annoncer le vernissage de l’exposition de EVA MARC’H Artiste Peintre« Regards de femmes » Vernissage et cocktail le mardi 12 mars à partir de 19h00 uniquement sur invitation à demander à l'artiste en adressant un mail à l'artiste
qui vous adressera une invitation : email : contact(at)eva-march.com
L’exposition se poursuivra jusqu’au 22 mars dans ce magnifique lieu emblématique de l'histoire de l'art.

LES DEUX MAGOTS
Café Littéraire
6 place Saint-Germain-des-Prés
75006 PARIS
www.lesdeuxmagots.fr 

http://www.eva-march.com/ 

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Animée depuis sa plus tendre enfance par la création, EVA MARC'H, commence à peindre à l'âge de 19 ans sans aucune formation artistique.

Ses premières peintures ont révélé les qualités d'un don artistique évident, incluant la perspective, la profondeur, l'équilibre, et surtout, la couleur.

Peintre autodidacte pendant dix ans, elle s'adonne à son talent, guidée par l'expression de son inconscient pour ses nombreuses créations.

A partir de 2000 pendant 7 ans, elle poursuit assidument des études d'art dont notamment aux ateliers des Beaux-Arts de Paris, où elle apprend le dessin et expérimente les nombreuses techniques picturales pour améliorer ses œuvres.

Eva MARC'H engage dans la peinture une réelle énergie qui se manifeste dans son travail avec une vitalité singulière. Son « don de la couleur » lui permet de transcrire ses émotions sur la toile, de manière spontanée et immédiate, sans retenue ni calcul révélant ainsi une capacité de création sans limite.

Ses débuts sont marqués par un style figuratif, toujours centré sur la couleur, en correspondance avec la réalité observée, revisitée par la vision du monde intérieur de l'artiste.

Eva Marc'h portrait
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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
patrick reynolds 03h
 

 Patrick Reynolds
Directeur de publication

  patrick.reynolds@le-musee-prive.com
 

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