À Marseille, le Mucem s’affirme comme le grand musée consacré à la Méditerranée.

La singularité du Mucem est de retracer, d’analyser et d’éclairer, dans un même élan et un même lieu, les antiques fondations de ce bassin de civilisation, et les tensions qui le traversent jusqu’à l’époque contemporaine. D’être un lieu d’échange autour des enjeux méditerranéens.

Dans ses expositions comme dans sa programmation culturelle, il propose une vision pluridisciplinaire où se conjuguent anthropologie, histoire, archéologie, histoire de l’art et art contemporain, afin de montrer au public les diverses facettes du monde méditerranéen et de son dialogue permanent avec l’Europe.

Ses racines

Premier musée consacré aux cultures de la Méditerranée, le Mucem est un musée inédit. Né de la métamorphose d’un grand musée de société - le Musée des arts et traditions populaires créé en 1937 à Paris, il représente le premier véritable transfert d’un musée national en région. Ouvert à Marseille en juin 2013, le Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée (Mucem) est entré dès l’année suivante dans le cercle des 50 musées les plus visités du monde.
Un musée, trois sites

Le Mucem se déploie sur trois sites. Côté mer, à l’entrée du Vieux-Port, le bâtiment J4 (l’emblématique geste architectural de Rudy Ricciotti et Roland Carta), et le fort Saint-Jean (monument historique entièrement restauré) incarnent parfaitement, avec leurs deux passerelles, le projet d’établir un trait d’union entre les deux rives de la Méditerranée. Ils accueillent les grandes expositions et les rendez-vous de la programmation artistique et culturelle. Côté ville, dans le quartier de la Belle de Mai, le Centre de conservation et de ressources (CCR) abrite les collections du musée. Cet ensemble unique permet au Mucem de démultiplier ses propositions culturelles.

Mucem 2019 © Photo Cyrille Weiner Mucem

Après une saison estivale rythmée par les vacanciers, nous nous tournons vers les enseignants & les enfants qui reprennent le chemin de l'école.

Le MACM, de par son concept novateur qui mêle objets des civilisations égyptiennes, grecques & romaines & oeuvres d'artistes majeurs du XVIIème siècle à nos jours, offre un environnement idéal où questionner le monde & appréhender l'histoire des arts.

Notre équipe, toujours à l'écoute de vos projets, se réjouit de vous proposer de toutes nouvelles ressources pédagogiques & de vous assister dans la mise en place de nouveaux moments d'échanges & de partage.

Pour discuter de votre programme & planifier votre visite, merci de contacter Victoria sur victoriadelgado(at)mouginsmusee.com

UN MUSÉE ACCESSIBLE À TOUS

Les visites de musées constituent une sortie culturelle conviviale & le MACM s'applique à vous accueillir dans les meilleures conditions possibles. En visites libres ou guidées, les visiteurs de 60 ans & + bénéficient d'un tarif préférentiel & sont invités à profiter d'un moment d'évasion exceptionnel au coeur des civilisations antiques. Histoire, mythologies égyptiennes, grecques & romaines, oeuvres d'art par les artistes les plus illustres sont au coeur de ce parcours accessible à tous.

L'offre du pittoresque village de Mougins où il fait bon se promener & déjeuner vous offre de surcroît l'opportunité de prolonger ce moment de bien-être.

Stationnement gratuit à l'entrée du village de Mougins.

Et si vous ne pouvez pas venir au MACM, alors le MACM vient à votre rencontre !

Bénédicte Montain, Directrice Adjointe du MACM & Géraldine Crevat, conférencière & conceptrice d'une méthode d'accompagnement de développement personnel illustrée par les concepts de la pensée antique, joignent leurs sensibilités pour vous proposer des rencontres à la porté de tous au sein de vos clubs seniors & résidences retraite.

Visites virtuelles des collections, mythologies, philosophie & intrigues de la Grèce antique prendront vie dans ces présentations passionnées, dynamiques & interactives.

Pour tous renseignements complémentaires, n'hésitez pas à contacter Bénédicte Montain sur benedictemontain(at)mouginsmusee.com

https://mouginsmusee.com/fr

Le Parcours de l’Art Avignon fête ses 30 ans en mettant à l’honneur le corps et le mouvement. Le Parcours de l’Art Avignon, festival d’art contemporain, entame sa 30ème édition avec une thématique spéciale pour cette année olympique : le corps et le mouvement. 20 artistes seront réunis pour cette édition anniversaire.

Depuis l’hiver 2021, le nouveau collectif à la direction du festival, explore chaque année un thème spécifique. Nous nous engageons, au fil des éditions, à améliorer l’accueil des artistes en les rémunérant et en mettant à leur disposition notre expertise professionnelle pour valoriser leurs œuvres au sein des sites patrimoniaux les plus emblématiques de la ville culturelle d’Avignon.

Le Festival se déroulera du 11 au 27 octobre 2024, offrant ainsi aux vacanciers de la Toussaint, tant locaux que nationaux, la possibilité de participer à ce riche événement culturel dans la douceur de l’été indien provençal.

La consolidation de notre équipe, notre organisation en intelligence collective et l’augmentation de nos ressources grâce à divers appels à projets et à la recherche de mécénat, nous permettent d’élargir notre programmation. Celle-ci comprend plus d’événements artistiques, des médiations variées pour le public, ainsi que davantage de résidences de création pour les artistes.

Parmi les nombreux artistes qui ont répondu à notre appel à candidatures, nous avons sélectionné 12 talents : Awena  Cozannet, Mathis Benestebe, Emmanuel Béranger, Elsa Chazal, Darius Dolatyari, Françoise Joudrier, Amandine Maillot, Mariam Niare, Gilles Pourtier, Fu Le, Patrick Vandercateele, Chloé Viton.

 Leurs œuvres explorent une large palette artistique faite de textile, photographie, peinture, performance, sculpture, vidéo, mais aussi granit, fumée, et quelques créatures insolites. Elles racontent les histoires de nos corps singuliers et interrogent les formes de notre vaste corps collectif. Corps évoqués, représentés, filmés, absents, dansants, chantants, performatifs, politiques et poétiques qui par le truchement du mouvement deviennent langage.

En outre, nous avons proposé une carte blanche à des artistes de renom : Edmond Baudoin, dessinateur ; Nadia Vadori-Gaultier, danseuse et chorégraphe ; Thierry de Mey, compositeur et vidéaste ; Macha Polivka, danseuse. Parce qu’un festival sans création n’en est pas vraiment un, et parce que la création de nouvelles œuvres est la raison de vivre des artistes, nous avons invité en résidence de création Salomé Fauc, Jean Sanchez, Goddog et Caroline Bizalion.

Préparez-vous à une édition riche et festive, faite d’expositions, de rencontres, de performances, de projections, de spectacles et de médiations.

Rejoignez-nous en tant que bénévoles, adhérent.e.s, mécènes, sponsors, partenaires, média, afin d’apporter votre expertise et votre soutien au festival.

Votre participation est essentielle pour le succès du festival Parcours de l’Art Avignon !

Le Comité du Parcours de l’Art Avignon

Le 3 juin 2016, un nouveau bâtiment a ouvert ses portes sur le Vitra Campus : le  Vitra Schaudepot, conçu par les architectes Herzog & de Meuron, originaires de Bâle. Au Schaudepot, le Vitra Design Museum présente au public des objets majeurs de sa vaste collection ainsi qu’un nouveau café et une boutique. Le Vitra Campus se dote ainsi d’une nouvelle entrée, renforçant ses liens avec les villes de Bâle et de Weil am Rhein.

La collection du Vitra Design Museum se place parmi les fonds de design de mobilier les plus conséquents au monde. Elle rassemble environ 7 000 meubles, plus d’un millier de luminaires, de nombreuses archives et les successions de designers tels que Charles & Ray Eames, Verner Panton et Alexander Girard. Bien que le bâtiment principal du musée conçu en 1989 par Frank Gehry ait initialement été prévu pour présenter cette collection, celle-ci n’a jusqu’à présent jamais été exposée durablement, le musée accueillant aujourd’hui d’importantes expositions temporaires.

September 18, 2020 - January 10, 2021

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao
https://www.guggenheim-bilbao.eus
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+34 944 35 90 00
+34 944 35 90 80

Lee Krasner (b. 1908; d. 1984) was a pioneer of Abstract Expressionism, the movement that made New York a thriving center for modern art in the postwar period. Born in Brooklyn, in an Orthodox Jewish, Russian émigré family, she decided to become an artist at 14. She applied to the only school in New York that offered an art course for girls and would later study at the Cooper Union, the National Academy of Design, and the Hans Hofmann School of Fine Arts.

Krasner was one of the first artists in New York to adopt an entirely abstract approach, and in 1942 she was included in the exhibition American and French Paintings at the McMillen Inc., alongside her friends Willem de Kooning and Stuart Davis. The one fellow exhibitor that she had not met before was Jackson Pollock, so she decided to visit his studio. In 1945 they married and moved to Springs, Long Island.

Unlike many of her contemporaries, Krasner refused to develop a 'signature image,' which she considered to be too rigid. Working in cycles, she sought out new means for authentic expression, even during the most tumultuous of times, including Pollock's sudden death in a car crash in 1956. Krasner's formidable spirit is felt throughout the body of work that she created over more than fifty years in the studio.

Lee Krasner Icarus, 1964 Oil on canvas 116.8 x 175.3 cm
Thomson Family Collection, New York © The Pollock-Krasner Foundation.
Courtesy Kasmin Gallery, New York - Photograph by Diego Flores.

Catalogue officiel de l'exposition Léonard de Vinci au musée du Louvre du 24 octobre 2019 au 24 février 2020.

L'année 2019, cinquième centenaire de la mort de Léonard de Vinci en France, revêt une signification particulière pour le Louvre qui possède la plus importante collection au monde de peintures de Léonard ainsi que 22 dessins.

Cette rétrospective inédite de la carrière de peintre de Léonard permet de montrer combien il a mis la peinture au-dessus de tout et comment son enquête sur le monde, qu'il appelait « la science de la peinture », fut l'instrument de son art, dont l'ambition n'était rien moins que d'apporter la vie à ses tableaux.

Aboutissement de plus de dix années de travail, qui ont vu notamment l'examen scientifique renouvelé des tableaux du Louvre et la restauration de trois d'entre eux, permettant de mieux comprendre sa pratique artistique et sa technique picturale, l'exposition clarifie également la biographie de Léonard en reprenant tous les documents d'archives. Elle dresse le portrait d'un homme et d'un artiste d'une extraordinaire liberté.

Français
480 pages / 380 illustrations

Coédition Hazan / Louvre éditions
Fermer
35 €

COMMANDER DIRECTEMENT AU LOUVRE

GIOVANNI, AUGUSTO, ALBERTO, DIEGO ET BRUNO

Exposition du 3 juillet au 14 novembre 2021

Du 3 juillet au 14 novembre 2021, la Fondation Maeght propose une première mondiale en réunissant les cinq artistes de l'exceptionnelle famille Giacometti originaire du village suisse de Stampa : Giovanni, Augusto, Alberto, Diego et Bruno Giacometti, cinq artistes aux parcours différents mais entremêlés. Sous le commissariat de Peter Knapp, l'exposition « Les Giacometti : une famille de créateurs » invite à découvrir les talents et les influences artistiques de chacun dans leurs domaines de prédilection : peinture, sculpture, design et architecture.

« Évidemment, tout le monde connaît Alberto
mais moi j'avais envie d'exposer pour la première fois
les cinq artistes de cette famille créative.
En les exposant tous ensemble, j'espère
faire connaître les prénoms des quatre autres. »
Peter Knapp

Cette exposition originale permet de découvrir à travers plus de 300 œuvres l'importance de cette famille dans le tournant de la modernité de la première moitié du XXe siècle. Autour d'Alberto Giacometti, le plus connu de la famille pour ses sculptures emblématiques, les visiteurs pourront découvrir le travail de son père Giovanni, dont les peintures recèlent une puissance chromatique extraordinaire et qui compte, avec Ferdinand Hodler, Cuno Amiet et Félix Vallotton, parmi les peintres phares de la modernité suisse. L'exposition met également en lumière l'œuvre d'Augusto, cousin d'Alberto, précurseur de l'art non figuratif, qui amorce avec ses premiers pastels réalisés à Paris au début du XXe un langage personnel abstrait et coloré ; l'œuvre de ses deux frères, Diego son cadet, l'autre « paire de mains » et modèle de prédilection d'Alberto, qui s'illustra notoirement dans la création de pièces d'arts décoratifs et Bruno, le plus jeune, qui exerça le métier d'architecte et dont la vaste production en fit un représentant majeur de la modernité d'après-guerre en Suisse. La relation intime que chacun d'eux entretient avec leur village natal, Stampa, dans le canton des Grisons en Suisse, devenu aujourd'hui un lieu incontournable de l'histoire de l'art moderne, est mise en exergue tout au long de l'exposition.

MUSÉE MENDJISKY
ÉCOLES DE PARIS

Présente
Les Insoumis
de l’Art Moderne

Paris, les années 50

12 octobre - 31 décembre 2016

15 Square de Vergennes - Paris XV

Contact presse Hermine Parmentier : 01 47 07 98 31
info(at)fmep.fr
www.fmep.fr

À travers une soixantaine d’oeuvres maîtresses, l’exposition présente des artistes tels que Bernard Buffet, Bernard Lorjou, André Minaux ou encore Paul Rebeyrolle qui ont réaffirmé une vision de l’art faite de chair et de terre et nous montrent combien la seconde partie du XXe siècle n’est pas celle du vide mais celle de la figure réinventée.

Dans les années 50, ces jeunes peintres français, se sont battus tout comme Francis Bacon, Balthus, Lucian Freud, Edward Hopper ou Giorgio Morandi pour imposer une figuration que la modernité voulait à jamais dissoudre.

Cet été à la Fondation Manuel Rivera-Ortiz, nous vous invitons à faire un pas de côté, à changer de point de vue. Nous vous invitons à vous poser la question avec nous : s'il n'y a plus de Terra Incognita ni de « grands explorateurs » ... qui sont les réels Pionniers aujourd'hui ?

Les êtres humains ont parcellisé, surveillé, exploité les espaces terrestres, aériens, maritimes. Exit les Terra Incognita, les cartes sont pleines... il est temps de les rebattre ! Nous voulons donner la voix à des hommes et des femmes assez lucides pour penser en dehors des limites que nos sociétés ont globalement établies sur des considérations anthropocentriques, anthropométriques, mécaniques, puis numériques.

Nous voulons faire entrer en résonance des photographes, vidéastes, designers sonores, des activistes, des individus, des citoyens qui s'engagent pour améliorer nos vies et notre rapport à notre environnement par l'augmentation de notre savoir et l'élargissement de nos univers individuels.

« Ce qui m'intéresse ce n'est pas le bonheur de tous les hommes, c'est celui de chacun. » – Boris Vian

Les 11 expositions que nous vous présentons invitent à questionner nos limites tant physiques que mentales ou spirituelles à travers les travaux de Mathias Benguigui et Agathe Kalfas, Yves Billon, Aline Deschamps, Alberto Giuliani, Yao Jui-Chung et Sandy Lo, Sylvie Léget, Andréa Mantovani, Pablo Ernesto Piovano, Ernest Randriarimalala et Saraya Cortaville, Niina Vatanen et les archives de Boris Vian.

50ème anniversaire de la Fondation Maeght
Présentation de lettres échangées entre Henri Matisse et Aimé Maeght
Du 1er novembre 2014 au 15 janvier 2015

Musée Matisse
164, avenue des Arènes de Cimiez - Nice
33 (0)4 93 81 08 08
www.musee-matisse-nice.org
Ouvert tous les jours de 10h à 18 h sauf le mardi et certains jours fériés. Entrée libre

Du 1er novembre 2014 au 15 janvier 2015, le musée Matisse de Nice s’associe à la célébration des cinquante ans de la Fondation Marguerite et Aimé Maeght et présente des lettres échangées entre Henri Matisse et Aimé Maeght, rappelant les liens d’amitié et d’entente entre l’artiste et le passionné d’art.

Le vernissage de cette exposition aura lieu le vendredi 31 octobre 2014 à 11 heures.

Plaquette de l’exposition inaugurale de la galerie Maeght,
13 rue de Téhéran, Paris
Henri Matisse - Peintures, dessins, sculptures,
7 - 29 décembre 1945
Dessin d’Henri Matisse en première de couverture
Musée Matisse, Nice. Copyright : © Succession H. Matisse
Photo : Ville de Nice – Musée Matisse

LONG MUSEUM is founded by couple mega-collectors Mr.Liu Yiqian and Mrs. Wang Wei.

It has been nearly twenty years since the couple Liu Yiqian and Wang Wei began their art collection. By acquiring important representative artworks in each historical period, they have gradually established three main subjects of collection, namely Chinese traditional art, Chinese revolutionary art, and modern and contemporary art.

In this June, they were listed in The 2012 ARTnews 200 Top Collectors. This is the first time for collectors from Mainland China to be listed in this authoritative selection.

Long Museum on Wikipedia

ROME BY MILES HYMAN

Hyman spent his days in the city with eyes turned towards the Roman sky, focused on an architectural detail, on a face, a door in Trastevere or on the dome of a church in Piazza Navona, with the aim of depicting Rome for the Louis Vuitton Travel Book: Rome by Miles Hyman. The result is an invitation towards the real and virtual journey, enriched by intellectual stimulations and intense moments, which gives the readers an unprecedented image of the city.
Rome responds to Hyman’s approach by offering its own beauty without filters, becoming lively and vibrant, charged with ephemeral beauty, joyful, full of poetic elements in its everyday life.
“The Roman palette inspires me a great deal!” states Miles Hyman. “Its light, in the first place, but also its special colours, have set a gradual spell upon me: the facades, with their shades of ochre, golden yellow, blue and turquoise, not to mention the wide range of reds, each richer than the next”. Bright and deep colours that influence the artist in an unmistakable way. “Rome is part of those cities that you have to live with for a while before you can understand its charm. But beware, once you start to love, understand and finally capture the unique spirit of these cities, you’re already in love, and you will love them passionately forever”. Rome as depicted by Hyman has the features of a woman, elusive and mysterious, that you can meet on the corner of a street, in the shade of a terrace or on a balcony. Look away for a moment and you lose sight of her. This is Rome. The city’s inhabitants prevail over the monuments “I realise that this work about Rome could have been called Travel Book of the Romans. I absolutely wanted to capture the daily life of the inhabitants of this enchanting city with honesty and admiration — I am tempted to say ‘tenderness’.
Why did I want to stress the human element of the city? Because, for me, the key to the city is the striking contrast between its ephemeral life and the eternal”. The Istituto Centrale per la Grafica hosted the exhibition inside its Palazzo Poli, an iconic place in Rome, because the Trevi Fountain is its façade. The Institute promotes contemporary graphics in all its expressions, from Graphic Design of great masters to experimental experiences, from Graphic Novel to design, in the founding spirit of the unification of antique drawing and printing collections (Gabinetto Nazionale delle Stampe), to the activity, uninterruptedly in progress since the first decades of the 19th century, of the National Calcography and its Stamperia.
LOUIS VUITTON PAYS TRIBUTE TO ROME WITH AN EXHIBITION RECOUNTING, THROUGH THE FASCINATING ILLUSTRATIONS OF ARTIST MILES HYMAN CREATED FOR THE LOUIS VUITTON TRAVEL BOOK COLLECTION, THE MONUMENTS, THE ATMOSPHERE AND THE DAILY LIFE OF THE ETERNAL CITY. FROM OCTOBER 5TH TO NOVEMBER 11TH, THE ISTITUTO CENTRALE PER LA GRAFICA WILL HOST OVER 100 ORIGINAL DRAWINGS BY THE AMERICAN ARTIST, COMMISSIONED BY LOUIS VUITTON, AND SOME ESPECIALLY MADE FOR THE EXHIBITION IN ROME.

Lucian Freud: Real Lives
Tate Liverpool
24 July 2021 – 16 January 2022
Supported by Tate Liverpool Patrons

This summer, Tate Liverpool will stage a significant presentation of Lucian Freud (1922 - 2011) artworks, the first in the North West in over thirty years. Widely considered a master of modern portraiture, Freud was an artist who continued to expand his exploration of paint throughout his career. This focused exhibition will feature some of the artist’s most iconic paintings and etchings as well as photographs that provide an intimate glimpse into Freud’s life. Lucian Freud: Real Lives concentrates on the artist’s sitters who were often friends and family, creating clusters of portraits of those he captured over time, and thereby illuminating Freud’s technical virtuosity and stylistic development.

Deeply private and guarded, it is through his work that we get to know Freud the man, and this exhibition tracks the personal and artistic changes he went through, revealing the different people that came in and out of his life over a prolific career spanning more than 60 years.

Freud painted unapologetic and frank celebrations of the human form, with a focus on physicality that had rarely been seen before. The exhibition will include some of his most celebrated works, including portraits of sitters such as performance artist Leigh Bowery, his first wife Kitty Garman, his friend and long-time studio assistant, the painter David Dawson, and his mother, Lucie Freud. Freud’s representations of people either in all the vulnerability of nakedness or in a transfixing, almost intrusive proximity, emphasise the subject’s humanity and he is now regarded as one of Britain’s great realist painters. The show also provides a rare opportunity to bring together all of the Freud works held within the Tate collection, including Girl with a Kitten 1947 and Girl with a White Dog 1950–1.

Lucio Fontana
Sur le seuil

Dates : du 17 mai au 29 septembre 2019
Commissaires : Iria Candela, “Estrellita B. Brodsky” Curator of Latin American
Art, The Metropolitan Museum of Art, New York, avec Manuel Cirauqui,
Curateur, Musée Guggenheim Bilbao.
Musée Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2 - 48009 Bilbao, Espagne
https://www.guggenheim-bilbao.eus/

- Les premières oeuvres de Fontana des années 1930 et 1940 illustrent une trajectoire évoluant vers l’abstraction mais perméable aux courants esthétiques qui marquaient ces années complexes. En même temps, elles annoncent déjà la volonté de transgression des toiles lacérées qui domineront sa production ultérieure.

 - L’exposition présente une sélection extraordinaire d’oeuvres de la série iconique des Entailles (Tagli), ainsi que les tous premiers Trous (Buchi ), pièces que leur radicalité situe à la frontière entre peinture, sculpture et action artistique.

 - Avec ses Environnements spatiaux (Ambienti spaziali ) et ses expérimentations avec la lumière et l’espace, en recourant parfois aux tubes de néon, Fontana jette les bases du développement futur de l’art de l’installation et de l’oeuvre d’art immersive.

Lucio Fontana On the Threshold

Exhibition Dates:
January 23–April 14, 2019
Exhibition Location:
The Met Breuer, Floor 3, Floor 5 and The Met Fifth Avenue Gallery 913
https://www.metmuseum.org/ 

Lucio Fontana: On the Threshold—the first retrospective of the artist in the United States in more than four decades—will reassess the legacy of this key postwar figure through a selection of exquisite sculptures, ceramics, paintings, drawings, and environments made between 1931 and 1968. The founder of Spatialism and one of the most innovative artists of the 20th century, Lucio Fontana (1899–1968) is widely known for a series of slashed paintings from 1958 known as the Cuts (Tagli) that became symbols of the postwar era. The exhibition at The Met Breuer will present extraordinary examples of this iconic series, and will also explore Fontana’s beginnings as a sculptor and his pioneering work with environments, contextualizing the radical nature of the Cuts within his broader practice.

The exhibition is made possible by The International Council of The Metropolitan Museum of Art.

Additional support is provided by the Jane and Robert Carroll Fund and the Aaron I. Fleischman and Lin Lougheed Fund.

It is organized by The Metropolitan Museum of Art in collaboration with the Fondazione Lucio Fontana.

Lucio Fontana (Italian, 1899-1968). Spatial Concept, Expectations, 1959. Oil on canvas. Olnick Spanu Collection © 2018 Fondazione Lucio Fontana/Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Lygia Clark: Painting as an Experimental Field, 1948–1958
March 6, 2020 - May 24, 2020

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao
https://www.guggenheim-bilbao.eus/en
Telephone: +34 944 35 90 00 & +34 944 35 90 80

A pioneer in abstraction, Lygia Clark (b. 1920, Belo Horizonte, Brazil; d. 1988, Rio de Janeiro, Brazil) was a major artist of the second half of the twentieth century. Lygia Clark: Painting as an Experimental Field, 1948–1958 presents a reexamination of Clark’s crucial formative years from 1948 to 1958, when she was experimenting between figuration and abstraction to articulate the compelling visual language that defined her mature production. Along with a pertinent representation of her early figurative work, this exhibition assembles paintings from major series created during this early period to provide a fundamental overview of the first decade of Clark’s artistic career.

Viewing painting as an “experimental field,” a phrase from a keynote lecture given by the artist in 1956, Clark sought to redefine the medium by pushing the boundaries of traditional painting. Dedicating herself to art without formal training, she embedded herself within the artistic milieu of Rio de Janeiro in the late 1940s and participated in seminal artistic movements, such as Concrete art and geometric abstraction, throughout the 1950s. This focused exhibition traces Clark’s artistic evolution in three structured historical sections: “The Early Years, 1948–1952;” “Geometric Abstraction, 1953–1956;” and “Variation of Form: Modulating Space, 1957–1958.” Each chapter addresses Clark’s most significant ideas and provides an in-depth representation of her artistic development through a concise selection of works.

This presentation of Lygia Clark’s early practice debuts on the centenary anniversary of the artist’s birth, bringing a renewed attention at an international level to a significant postwar Latin American female artist. The museum is thankful to the Lygia Clark Cultural Association, Rio de Janeiro, and the artist’s heirs for their tremendous support of the exhibition.

Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães

Lygia Clark
The Violoncellist (O Violoncelista), 1951
Oil on canvas 105.5 x 81 x 2.7 cm
Private collection
© Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association
X.2017.23

MOMA TO PRESENT MORE THAN 100 WORKS BY 50 WOMEN ARTISTS
EXPLORING INTERNATIONAL ABSTRACTION IN THE POSTWAR ERA

The Exhibition Features Nearly 40 Recent Acquisitions—Drawings, Paintings,
Photographs, Prints, Sculpture, and Textiles—and Other Landmark Works from the
Museum Collection, Many on View for the First Time at MoMA

Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction

April 15–August 13, 2017 Floor three, Exhibition Galleries

NEW YORK, The Museum of Modern Art presents a major exhibition surveying the abstract practices of women artists between the end of World War II and the onset of the Feminist movement in the late 1960s. On view from April 15 through August 13, 2017, Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction features approximately 100 works in a diverse range of mediums by more than 50 international artists. By bringing these works together, the exhibition spotlights the stunning achievements of women artists during a pivotal period in art history. Drawn entirely from the Museum’s collection, Making Space includes works that were acquired soon after they were made in the 1950s and 1960s, as well as many recent acquisitions—including a suite of photographs (c. 1950) by Gertrudes Altschul (Brazilian, born Germany. 1904–1962), an untitled sculpture (c.1955) by Ruth Asawa (American, 1926-2013), and an untitled work on paper (c.1968) by Alma Woodsey Thomas (American, 1891–1978)—that reflect the Museum’s ongoing efforts to improve its representation of women artists. Nearly half the works are on view at MoMA for the first time. Making Space is organized by Starr Figura, Curator, Department of Drawings and Prints, and Sarah Meister, Curator, Department of Photography, with Hillary Reder, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints.

MACM Musée d'Art Classique de Mougins
Situé dans une ancienne maison du village médiévale de Mougins, le Musée d'Art Classique de Mougins a été fondé en 2011 par Christian Levett, un gestionnaire d'investissement britannique, qui souhaite partager sa passion de l'histoire et de l'art avec le public, en exposant sa collection d'antiquités et d'art classique.
Sur 4 étages, découvrez une collection d’antiquités unique regroupant sculptures, vases, bijoux, et pièces de monnaie, d’origines romaine, grecque et égyptienne, et la plus grande collection privée d’armes et armures gréco-romaines au monde...
Visite avec Leisa Paoli. : Musée d'Art Classique de Mougins 5 rue des muriers Mougins 06250 France Téléphone : 04 93 75 18 22 https://www.mouginsmusee.com/

Jean-Pierre Schosteck, Maire de Châtillon
Thierry Braconnier, Adjoint au Maire délégué à la Culture et à la Vie associative
Caroline Quaghebeur, Directrice de la Maison des Arts sont heureux de vous inviter au vernissage de l'exposition

MÂKHI XENAKIS Catharsis

le mercredi 16 mai 2018 de 19h à 21h

Réalisées au crayon, au pastel, à l'aquarelle ou à l'encre, les œuvres de Mâkhi Xenakis laissent apparaître les étapes d'une vie faite de doutes et de prises de risque, oscillant entre peurs et apaisements.
Des Petites bonnes femmes de 1987 marquant la renaissance d'une jeune artiste en quête d'elle-même, nous cheminons dans un monde en constante métamorphose. Les arachnées succédant aux gouffres avant de glisser vers un univers marin. Ces passages suivent un mécanisme interne, personnel et, au moment de leur création, inconscient.
L'écrivain Mâkhi Xenakis s'intéresse depuis longtemps au processus créatif. Publiés chez Actes Sud, les livres qu'elle consacre à son père, le compositeur, architecte et mathématicien Iannis Xenakis, ainsi qu'à l'artiste franco-américaine Louise Bourgeois, en traitent des multiples facettes.
A travers les recherches et réflexions menées autour de ces deux figures tutélaires, c'est également son propre parcours d'artiste que révèlent ses écrits et dont témoigne, pour la première fois ici, la réunion d'une trentaine d'œuvres graphiques mais aussi de sculptures.
Avec cette conviction que l'art sauve de la folie, Mâkhi Xenakis nous entraîne dans son histoire, côtoyant sans cesse les grandes figures mythiques qui ont nourri son enfance. Jamais néanmoins ce travail ne l'isole de l'autre, dont elle se fait la voix lorsqu'elle en ressent la nécessité, se faisant alors miroir d'autres histoires.
Ce projet a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques qui lui a apporté son soutien.

Maison des Arts
11 rue de Bagneux - 92320 Châtillon
01 40 84 97 11

http://maisondesarts-chatillon.fr/

Exposition ouverte du mardi au dimanche, de 14h à 18h
jusqu'au 24 juin 2018
Entrée libre

Accès: métro ligne 13 - arrêt "Châtillon/Montrouge" puis bus n°388 arrêt "Mairie de Châtillon"

Mâkhi Xenakis, Les rencontres impossibles, 2018, ciment teinté, acier, 2m (détail).

17 set 2022 – 26 fev 2023
Curadoria: Beatriz Lemos, Keyna Eleison, Pablo Lafuente e Thiago de Paula Souza

Vem aí Atos de revolta: outros imaginários sobre independência, a nova exposição do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.

O bicentenário da Independência do Brasil oportuniza repensar esse processo histórico. Atos de revolta foca em uma série de levantes, motins e insurreições que antecederam aquele momento ou que ocorreram nas décadas subsequentes, durante o Primeiro e o Segundo Reinado e o período regencial. 

Com o objetivo de abordar os diversos imaginários de país então esboçados, a mostra faz referência à Guerra Guaranítica (1753-56), à Inconfidência Mineira (1789), à Revolução Pernambucana (1817), à Independência da Bahia (1822), à Cabanagem (1835-40), à Revolução Farroupilha (1835-45), à Revolta de Vassouras (1839) e à Balaiada (1838-41), entre outras. 

Artistas brasileiros, de gerações e geografias diversas, foram convidados a pensar sobre essas narrativas. Ao abordar os conflitos do sistema colonial, a exposição revela as contradições da historiografia brasileira, que produziu apagamentos de personagens determinantes, sobretudo de populações negras, indígenas e mulheres.

Os trabalhos apresentados respondem a cinco eixos conceituais que oferecem chaves de leitura para determinados acontecimentos: a figura do herói e a posição de liderança política;

as construções simbólicas (bandeiras, hinos, brasões); os modos de organização e sua relação com sistemas de direitos, a definição de territórios e os processos de produção e circulação de valor.

Le précieux pouvoir des pierres
30 janvier - 15 mai 2016

Marina Abramović, Michel Blazy, George Brecht, James Lee Byars, Pierre Laurent Cassière, Marion Catusse, Marine Class, Hubert Duprat, Jean Dupuy, Paul Armand Gette, Isabelle Giovacchini, Guillaume Gouerou, Laurent Grasso,  Alicja Kwade, Didier Mahieu, Aurélien Mauplot, Éric Michel, Damián Ortega, Ève Pietruschi, Emmanuel Régent, Evariste Richer, Jean-Philippe Roubaud, Bettina Samson, Valentin Souquet.

MAMAC
Promenade des Arts - Nice

Vernissage :
Vendredi 29 janvier 2016 - 18.30
En présence de Maître Gérard Baudoux, Adjoint au Maire de Nice, délégué aux musées et à l’art moderne et contemporain

Les minéraux suscitent la curiosité et l’émerveillement collectifs. Qui, petit ou grand, n’est pas parti à la chasse aux cailloux, collecter les spécimens les plus curieux pour les arranger en une constellation de petits trésors ? Cet attrait oscille entre la simple curiosité d’amateur et la contemplation esthétique, entre la croyance spirituelle ou magique et l’expérimentation scientifique. Si cette fascination en art s’inscrit dans une histoire qui reste encore à écrire, aujourd’hui force est de constater l’engouement des artistes actuels pour la minéralogie et plus spécifiquement pour le précieux pouvoir des pierres. Certains artistes les utilisent brutes tels des ready-mades re-sensibilisés, les collectent, les mettent en scène ou les représentent, quand d’autres les soumettent à des expérimentations, les transforment et produisent des simulacres.

DECONSTRUCTING MARCUS JANSEN
November 16. 2018 - September 15. 2019
Kemper Museum of Contemporary Art
4420 Warwick Boulevard
Kansas City, Missouri MO 64111
Tel 816.753.5784
https://www.kemperart.org/ 
Kemper Museum of Contemporary Art presents 8–12 exhibitions per year in the Charlotte Crosby Kemper Gallery, the Barbara & Paul Uhlmann Gallery, and the Kemper East Gallery. The Museum curates exhibitions from its Permanent Collection and of the work of emerging, midcareer, and established artists.

Marcus Jansen (American, b. 1968) finds inspiration in the world around him. Regarded as a pioneer of "urban landscape painting," Jansen uses his upbringing in both the United States and Germany, and places he was stationed during his time in the army, as influence for his paintings. Drawing inspiration from New York Abstract Expressionism as well as graffiti, Pop art, and Surrealism, Jansen employs practices from these art forms to create paintings that make social commentary. This exhibition places the techniques and themes in Jansen's work in dialogue with other paintings, photographs, and prints from the Kemper Museum Permanent Collection.

Immersive Display of 11 Mark Rothko Paintings on View at

The Museum of Fine Arts Boston
Avenue of the Arts
465 Huntington Avenue
Boston, Massachusetts 02115
http://www.mfa.org 
617-267-9300

Major Loans from National Gallery of Art, Washington, Make New England Debut

BOSTON (September 8, 2017)—In a career that spanned five decades, Mark Rothko (1903–1970) created some of the 20th century’s most evocative and iconic masterpieces. “A painting is not a picture of an experience,” he once remarked; “it is an experience.” This fall, 11 major works by the artist travel to the Museum of Fine Arts, Boston (MFA), from the National Gallery of Art, Washington, for an immersive exhibition that invites visitors to become enveloped by Rothko’s large-scale paintings and encounter them as he had originally intended—to experience something more intimate and awe-inspiring than simply viewing. Mark Rothko: Reflection, on view from September 24, 2017 through July 1, 2018, is the first focused display of the artist’s works at the MFA, showcasing the full sweep of his career—from early surrealist compositions; to the luminous, colorful canvases of his maturity; to the large, enigmatic “black paintings” made late in his life. Together, they trace the development of Rothko’s singular artistic vision and his quest to create works that produce emotional, even spiritual, responses. Additionally, the exhibition features a juxtaposition of Thru the Window (1938–39), an early Rothko painting on public view in the U.S. for the first time, and Artist in his Studio (about 1628), a masterpiece by Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606–1669) from the MFA’s collection—both portraits of artists reflecting on the act of painting. Contrary to notions that Rothko’s works represented a dramatic break from the past, the side-by-side comparison underscores the modern artist’s view of his own paintings as part of a much longer tradition, rooted in his deep appreciation for the Old Masters. Mark Rothko: Reflection is on view in the John F. Cogan, Jr. and Mary L. Cornille Gallery. Presented with generous support from the Robert and Jane Burke Fund for Exhibitions. Additional support provided by an anonymous foundation and The Bruce and Laura Monrad Fund for Exhibitions.

Mark Rothko, Untitled, 1955. Oil on canvas. National Gallery of Art, Washington, Collection of Mrs. Paul Mellon, in Honor of the 50th Anniversary of the National Gallery of Art. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), New York.

MARK ROTHKO

Du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024

Première rétrospective en France consacrée à Mark Rothko (1903-1970) depuis celle du musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1999, l’exposition présentée à la Fondation Louis Vuitton à partir du 18 octobre 2023 réunit quelque 115 œuvres provenant des plus grandes collections institutionnelles et privées internationales, notamment de la National Gallery of Art de Washington, de la famille de l’artiste et de la Tate de Londres. Se déployant dans la totalité des espaces de la Fondation, selon un parcours chronologique, elle retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste depuis ses premières peintures figuratives jusqu’à l’abstraction qui définit aujourd’hui son œuvre.

“Je ne m’intéresse qu’à l’expression des émotions humaines fondamentales...”

Mark Rothko

L’exposition s’ouvre sur des scènes intimistes et des paysages urbains – telles les scènes du métro new-yorkais –, qui dominent dans les années 1930, avant de céder la place à un répertoire inspiré des mythes antiques et du surréalisme à travers lesquels s’exprime, pendant la guerre, la dimension tragique de la condition humaine.  

À partir de 1946, Rothko opère un tournant décisif vers l’abstraction dont la première phase est celle des Multiformes, où des masses chromatiques en suspension tendent à s’équilibrer. Progressivement, leur nombre diminue et l’organisation spatiale de sa peinture évolue rapidement vers ses œuvres dites « classiques » des années 1950 où se superposent des formes rectangulaires suivant un rythme binaire ou ternaire, caractérisées par des tons jaunes, rouges, ocre, orange, mais aussi bleus, blancs...  

En 1958, Rothko reçoit la commande d’un ensemble de peintures murales destinées au restaurant Four Seasons conçu par Philip Johnson pour le Seagram Building – dont Ludwig Mies van der Rohe dirige la construction à New York. Rothko renonce finalement à livrer la commande et conserve l’intégralité de la série. Onze ans plus tard, en 1969, l’artiste fera don à la Tate Gallery de neuf de ces peintures qui se distinguent des précédentes par leurs teintes d’un rouge profond, constituant une salle exclusivement dédiée à son travail au sein des collections. Cet ensemble est présenté exceptionnellement dans l’exposition.

Crédits : Mark Rothko, No. 14, 1960 - Huile sur toile, 289.6 x 266.7 cm
San Francisco Museum of Modern Art Helen Crocker Russell Fund purchase
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Henri Matisse, Grand nu couché (Nu rose), 1935, Huile sur toile, 66,4 x 93,3 cm, The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection, fondée par le Dr Claribel Cone et Etta Cone, Baltimore, Maryland, 1950,

© Succession H. Matisse / 2024, ProLitteris, Zurich, Photo: Mitro Hood

22 septembre 2024 – 26 janvier 2025

La Fondation Beyeler à Riehen/Bâle présentera à l'automne 2024 la première rétrospective Henri Matisse en Suisse et dans l'espace germanophone depuis près de 20 ans. Réunissant plus de 70 oeuvres majeures en provenance de collections privées et de musées européens et américains de premier plan, l'exposition mettra en lumière l'évolution et la richesse du travail précurseur de l'artiste.

Henri Matisse (1869–1954) compte parmi les créateurs les plus célèbres de l'art moderne. Son oeuvre précurseur a profondément influencé des générations d'artistes, de ses contemporains à nos jours. En libérant la couleur du motif et en simplifiant les formes, il a redéfini la peinture et apporté à l'art une légèreté nouvelle. Matisse a également innové dans le domaine de la sculpture et, avec les papiers découpés de sa phase tardive, développé une pratique unique à la croisée de la peinture, du dessin et de la sculpture.

L'exposition couvrira toutes les périodes du travail de l'artiste. Elle commencera avec les premières oeuvres produites vers 1900, en passant par les toiles révolutionnaires du fauvisme et les travaux expérimentaux des années 1910, les tableaux sensuels de la période niçoise et des années 1930, pour culminer dans les légendaires papiers découpés de l'oeuvre tardif des années 1940 et 1950. Cette profusion de tableaux, de sculptures et d'oeuvres sur papier de premier plan donnera à voir l'évolution et la richesse de l'oeuvre singulier de Matisse.

Matisse en ses murs
Un nouvel accrochage des collections

8 juillet – 13 octobre 2017

Vernissage > Vendredi 7 juillet 2017 à 18 heures

Musée Matisse
164 Avenue des Arènes de Cimiez
Nice

Du 8 juillet au 13 octobre 2017 au Musée Matisse, la Ville de Nice vous invite à découvrir l’exposition « Matisse en ses murs – un nouvel accrochage des collections ».

Pour les cent ans de l’arrivée de Matisse à Nice, le musée présente un nouvel accrochage qui rend hommage au lien entre la ville et l’artiste. Ce nouveau parcours éclaire la richesse d’une collection, fruit des donations successives de l’artiste et de ses héritiers à la Ville de Nice, qui offre un accès privilégié et unique à l’intimité de sa création.
 
Le musée renoue cette année avec l’entrée conçue par Jean-François Bodin en 1993, qui permet d’accueillir le public dans l’espace magistral déployé autour de la grande gouache découpée Fleurs et fruits et de la céramique de La Piscine, don de Claude et Barbara Duthuit à la Ville de Nice en 2013.

La salle « Matisse et Nice » racontera l’ancrage de l’artiste dans sa ville d’élection, ses ateliers et lieux de vie successifs, de la Promenade des Anglais jusqu’au Régina, à Cimiez.

Le nouvel accrochage s’attachera à révéler une œuvre constamment portée par le dialogue. La « salle invité », renouvelée tous les trois mois, s’ouvrira avec Georges Rouault, alors que la salle dédiée au fauvisme soulignera l’échange avec Henri Manguin. Dialogue avec les cultures aussi, puisque tout au long du cheminement le visiteur pourra découvrir les sources extra-occidentales d’une création profondément humaniste.

Henri Matisse peignant, atelier du cours Saleya,
vers 1927, Archives Matisse DR

September 3–October 30, 2022

Multi-City Tour Organized by the Smithsonian’s National Portrait Gallery

The MFA to Offer Free Admission to the Exhibition on September 5, September 19, October 10 and October 30

BOSTON (June 9, 2022)—The Museum of Fine Arts, Boston (MFA), presents the portraits of former President Barack Obama and Mrs. Michelle Obama by artists Kehinde Wiley and Amy Sherald, respectively, as part of The Obama Portraits Tour organized by the Smithsonian’s National Portrait Gallery. The paintings will be on view in the Lois B. and Michael K. Torf Gallery from September 3 through October 30, 2022. To celebrate the portraits’ debut at the MFA, the Museum will engage community partners on a collaborative art-making project that will be presented in conjunction with the exhibition—creating a unique moment for Boston audiences to respond to these captivating paintings of the former President and First Lady, and explore the evolving dynamics of leadership.

“Kehinde Wiley and Amy Sherald are visionary artists whose paintings both pay homage to and reimagine the centuries-old tradition of American portraiture, which has strong roots in Boston. It is an honor for us to host their Obama portraits at the MFA and to offer New England audiences a chance to experience these powerful works of art,” said Matthew Teitelbaum, Ann and Graham Gund Director.

“The Obama Portraits Tour is an opportunity to bring the power of portraiture to different audiences across the nation,” said Kim Sajet, director of the National Portrait Gallery. “Portraiture is incomplete without the viewer and these paintings have elicited responses that range from deep contemplation to pure joy. We are delighted to be able to extend this experience to San Francisco and Boston for a tour spanning eight cities with the nation’s capital included.”

Le musée Arts et Histoire

Une magnifique bâtisse en pierres de Bormes qui abrite une collection d'oeuvres de qualité et des expositions évènementielles

Installé depuis 1985 dans une magnifique bâtisse du 17ème siècle au cœur du village medieval, le musée Arts & Histoire créé en 1926 par le peintre Emmanuel-Charles Bénézit est aujourd’hui géré par le service culturel de la municipalité et bénéficie du label Musées de France.

Le musée abrite une très belle collection de peintures et sculptures des 19ème et 20ème siècles parmi lesquelles les œuvres de Bénézit, Cross, Van Rysselberghe, Peské, Rivière… 

Des expositions temporaires de peintures, sculptures et photos y sont organisées d’avril à octobre. Le musée participe chaque année à la Nuit Européenne des Musées.

Conçu en pierre du pays, l’édifice inscrit à l’inventaire des sites se distingue par son impressionnant plafond à caissons. Appartenant auparavant à l’Avocat Général de la Molle, il était devenu en 1754 la Maison commune qui abritait en même temps l’école de garçons, les séances du Conseil municipal, la prison et le tribunal avant de devenir maison particulière au début du 19ème siècle. Le bâtiment  a été rénové avec la participation de l’association « Sauvegarde du Vieux-Bormes » créée par le peintre Georges-Henri Pescadère.

Michel Macréau Buddy Di Rosa
peinture, dessin et sculpture exposition du 13 janvier au 25 février 2017
Contacts -
Caroline Quaghebeur, directrice
Marine Mercier, chargée des publics et de la communication
11 rue de Bagneux
92320 Châtillon
01 40 84 97 11
maisondesarts(at)chatillon92.fr
www.maisondesarts-chatillon.fr

Exposition réalisée en collaboration avec
RENAUD RICHEBOURG, collectionneur et ancien galeriste
JEAN-MARC GAUTHIER, artiste
LA FABULOSERIE, musée d’art hors-les-normes et d’art brut
Anticonformiste, inclassable (pourtant souvent catalogué outsider ou brut), génie du dessin, Macréau (1935 -1995) développe à partir des années 60, une oeuvre aux thématiques obsessionnelles qui s’expriment par une ligne noire et nerveuse n’excluant pas la couleur. Guidé par l’instinct (il partage les préoccupations de CoBrA), il pratique une peinture au tube, parfois à la bombe, sur tout type de support, et est souvent considéré comme le précurseur malheureux des peintres stars, français et américains, des années 80.

Culturel et sauvage, élégant et effrayant, Macréau ne peut toutefois se laisser enfermer et nous souhaitons que cette exposition offre une nouvelle lecture, pour une meilleure compréhension, de la place qu’il occupe dans l’histoire de l’art.

MIGUEL BRANCO BLACK DEER
« RÉSONANCES, ENLÈVEMENTS, INTERFÉRENCES »
EXPOSITION
MUSÉE DE LA CHASSE ET DE LA NATURE
62, RUE DES ARCHIVES
75003 PARIS, FRANCE
WWW.CHASSENATURE.ORG
8 NOVEMBRE 2016 - 12 FÉVRIER 2017

La cour du musée de la Chasse et de la Nature accueille un cerf en bronze, assis sur le pavé, à la fois alerte et silencieux. C’est l’œuvre de l’artiste Miguel Branco, né au Portugal en 1963. Durant plus de 30 ans, grâce aux mediums de la peinture, du dessin, de la sculpture et de l’image digitale, son œuvre s’est centrée sur l’animal comme sujet principal.  Ses  figures  sont  silencieuses  et  mystérieuses,  comme  si  elles  étaient détachées de leur nature pour être vues sous un nouveau jour.
En empruntant la plupart de ses modèles à l’histoire de l’art, à Georges Stubbs  notamment,  ou  en  puisant  parmi  les  illustrations  des  anciens ouvrages scientifiques telle l’Histoire naturelle du comte de Buffon, ses œuvres  se  prêtent  à  un  nouveau  travail  d’ordre  pictural  et  plastique.  
Revendiquant ces emprunts,  l’artiste s’en sert d’une manière  toute personnelle : il crée ses propres images d’images antérieures. En plaçant ses figures animales dans un contexte ou sous un éclairage nouveaux, Miguel Branco apporte un climat d’étrangeté. Pour la sculpture placée dans la cour, c’est le traitement stylistique épuré à l’extrême et l’échelle plus grande que nature qui viennent singulariser l’image monumentale de ce cervidé.

Miguel Branco

Les institutions culturelles s'engagent aujourd'hui résolument vers le bien-être des visiteurs en faisant appel à la mise en place d'expérience Mindful Art® pour transformer les espaces culturels en lieu de vie, propice à l'introspection et au ressourcement. Nouvelle manière d'aborder ou de découvrir une œuvre d'art, Mindful Art® propose une expérience unique de méditation pleine conscience, de neuroscience et de poésie. Plus que prendre le temps et de ralentir le pas dans les musées, Mindful Art® Experience permet aux participants de regarder les œuvres autrement, d'établir un lien personnel, intime et direct avec l'œuvre. En 2024, la créatrice de la méthode, Marjan Abadie, propose une riche programmation avec, entre autres, l'ouverture d'un espace dédié à la médiation guidée au Palais des Beaux de Lille, l'inauguration de capsules sonores et des ateliers performance à travers toute la France et la Belgique.

Mise en place d'une capsule sonore au Musée des Beaux-Arts d'Orléans

À partir du 23 mars 2024

Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans et Mindful Art collaborent depuis 4 ans pour le bien-être de tous les publics. Dans la continuité logique de cette collaboration, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans, profondément engagé dans l'inclusion et le bien-être, va mettre en place une création sonore méditative Mindful Art. Cette création propose à tous les visiteurs un temps de pause au cours de leur parcours de visite. La capsule sonore sera inaugurée le 9 mars. Chaque visiteur pourra s'accorder une pause au pied de Saint Sébastien, soigné par Irène, d'après Georges de La Tour et poursuivre sa visite de manière plus immersive et sensible. Il s'agit d'une transition entre "faire le musée" et "être avec les œuvres d'art au musée", offrant ainsi une expérience enrichissante et plus intime à chacun.

Bringing Together Some 400 Works, the Exhibition Will Open at The Museum of Modern Art, New York, with Subsequent Presentations by Kunstmuseum Basel and Tate Modern, London

NEW YORK, The Museum of Modern Art announces Sophie Taeuber- Arp: Living Abstraction, the first major US exhibition in nearly 40 years to survey this multifaceted abstract artist’s
innovative and wide-ranging body of work. On view November 1, 2020, to February 14, 2021, the exhibition will explore the artist’s interdisciplinary approach to abstraction through some 400 works assembled from over 80 public and private collections in Europe and the US, including textiles, beadwork, polychrome marionettes, architectural and interior designs, stained glass windows, works on paper, paintings, and relief sculptures. Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction is organized by The Museum of Modern Art, Kunstmuseum Basel, and Tate Modern, by Anne Umland, the Blanchette Hooker Rockefeller Senior Curator of Painting and Sculpture, MoMA; Walburga Krupp, independent curator; Eva Reifert, Curator of Nineteenth-Century and Modern Art, Kunstmuseum Basel; and Natalia Sidlina, Curator, International Art, Tate Modern; with Laura Braverman, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture, MoMA. Following its presentation at MoMA, the exhibition will be shown at the Kunstmuseum Basel (March 19–June 20, 2021) in Taeuber-Arp’s native Switzerland, and at Tate Modern in London (July 13–October 17, 2021), where it will be the first-ever retrospective of the artist in the United Kingdom.

Vue d’installation de l’exposition “Rétrospective Joan Mitchell”
© The Estate of Joan Mitchell
© Fondation Louis Vuitton / Marc Domage

Vue d’installation de l’exposition “Le dialogue Claude Monet – Joan Mitchell”
© The Estate of Joan Mitchell
© Fondation Louis Vuitton / Marc Domage

MONET - MITCHELL
Du 5 octobre 2022 au 27 février 2023
L’exposition « Monet - Mitchell » constitue l’événement de l’automne 2022 à la Fondation Louis Vuitton.
Pour la première fois, l’exposition « Monet -Mitchell » met en scène un dialogue sensible entre les œuvres de deux artistes exceptionnels, Claude Monet (1840-1926) avec les Nymphéas et Joan Mitchell (1925-1992), qui marquèrent de leur empreinte non seulement leur temps mais des générations de peintres.
L’exposition « Monet - Mitchell » est complétée d’une rétrospective sur Joan Mitchell qui permettra la découverte de son œuvre par le public français et européen.
« Monet - Mitchell » et la « Rétrospective Joan Mitchell » donnent à voir leurs sensations singulières face au paysage et à la nature, exprimées dans des formats souvent immersifs.
Le dernier Monet, celui des Nymphéas, restitue à l’atelier désormais, la persistance visuelle de motifs longuement observés devant les nymphéas de Giverny ; Joan Mitchell qui s’installe définitivement à Vétheuil en 1968, explore ses « feelings » - perceptions vives par-delà l’espace et le temps - à travers le filtre de ses mémoires croisées.

DIALOGUE MONET - MITCHELL
Galerie 4 à Galerie 11
Cet automne 2022, la Fondation Louis Vuitton, a le privilège d’annoncer le partenariat avec le Musée Marmottan Monet pour l’exposition « Monet - Mitchell », consacrée au dialogue entre la dernière période de Claude Monet (1914-1926), les Nymphéas, et l’œuvre de l’artiste américaine Joan Mitchell. Unique par son ampleur et sa force poétique, l’exposition « Monet - Mitchell » est présentée à la Fondation Louis Vuitton du 5 octobre 2022 au 27 février 2023 dans sept galeries, du rez-de-chaussée à tous les niveaux supérieurs, en écho à une rétrospective, permettant de découvrir l’œuvre de Joan Mitchell, présentée, quant à elle, en rez-de-bassin, dans la partie basse du bâtiment
de Les Nymphéas de Claude Monet trouvent une consécration dès les années 1950 aux États-Unis, où ils sont perçus comme précurseurs de l’abstraction par les peintres de l’Expressionnisme abstrait.
Après André Masson, Clément Greenberg, le célèbre critique américain, prend position pour défendre leur modernité : « Le principe que [Monet] a finalement trouvé (...) est plus large : il ne résidait pas dans la nature comme il pensait, mais dans l’essence même de l’art, dans sa faculté d’ « abstraction »1. Dans ce contexte du « Monet Revival », Mitchell participe en 1957 et 1958 à des expositions consacrées à la notion d’ « impressionnisme abstrait », terme inventé par son amie Elaine de Kooning. Le rapprochement des deux artistes est affermi par l’installation de Joan Mitchell en 1968, à Vétheuil, dans une propriété, proche de celle où vécut Monet de 1878 à 1881. L’artiste a toutefois revendiqué une totale indépendance artistique.

Exposition Moussa Sarr Corpus Delicti

février - 3 avril 2016

Vernissage > Vendredi 5 février à 19 heures

En présence de Maître Gérard Baudoux, Adjoint au Maire de Nice, délégué aux musées et à l'art moderne et contemporain &  de l'artiste

Galerie de la Marine 59, quai des Etats-Unis – Nice - www.nice.fr

Du 6 février au 3 avril 2016, la Ville de Nice invite le jeune vidéo-performeur Moussa Sarr, à présenter son exposition Corpus Delicti  à la Galerie de la Marine : 6 vidéos, 9 photographies, une installation et une sculpture.

Le vernissage de l'exposition aura lieu vendredi 5 février à 19 heures.

Jeune artiste émergent, Moussa Sarr est un vidéo-performeur et photographe. Né à Ajaccio en 1984, d'origine sénégalaise, après son diplôme aux Beaux Arts de Toulon et au Fresnoy, ce jeune artiste doué connait une ascension rapide. Ses  vidéos ont intégré en 2014 des collections prestigieuses telles que celles du Fonds National des Arts Plastiques à Paris, et Artemis / François Pinault.

Légende et crédit photo : Moussa Sarr Corpus delicti,

photographie, 153 x 125 cm, 2014

Mot de Tatyana Franck
MUSEE DE L'ELYSEE LAUSANNE
18, avenue de l’Elysée
CH - 1014 Lausanne
T + 41 21 316 99 11
F + 41 21 316 99 12
www.elysee.ch

2015 fut une année riche en événements pour le Musée de l’Elysée.
Celle-ci marquait principalement les 30 ans de l’un des premiers musées entièrement consacrés à la photographie. C’est donc forte de cet héritage qu’au mois de mars, dès mon entrée en fonction, je me suis engagée dans un programme axé sur un patrimoine d’exception mais résolument tourné vers l’avenir.
Mise en valeur des collections avec une première exposition leur étant entièrement consacrée (La Mémoire des images), développement de l’accueil de publics aux besoins spécifiques avec des photographies imprimées en relief, colloques internationaux permettant des rencontres avec des acteurs du monde de la photographie, vernissages, finissages et visites guidées, de nombreux rendez-vous nous ont rassemblés tout au long de l’année.
A leur apogée, le résultat du concours d’architecture du Pôle muséal pour le futur mudac et Musée de l’Elysée, annoncé le 5 octobre 2015 et remporté par le bureau d’architectes Aires Mateus (Portugal). Ce nouvel écrin nous permet de nous projeter dans un avenir déjà en marche : numérisation, expositions consacrées aux collections, salle multimédia, résidences d’artistes, espaces mutualisés avec le mudac et le Musée cantonal des beaux-arts : le nouveau bâtiment s’ouvre aux ambitions du Musée de l’Elysée.

Tatyana Franck, Nuit des images 2015 © Gregory Collavini

Ouverture du Musée du Gévaudan
le 18 octobre 2022

Une fenêtre sur l'histoire de la Lozère

Après deux ans de travaux, le musée du Gévaudan ouvrira ses portes le mardi 18 octobre 2022 à Mende, en région Occitanie. Son accès sera gratuit. Doté d'un fonds de plus de 16 000 pièces, le musée du Gévaudan retrace l'histoire de la Lozère, ancienne province royale du Gévaudan, des premiers témoignages de vie jusqu'à nos jours. Lieu patrimonial inscrit au titre des Monuments historiques, labellisé Musée de France, le musée a été pensé comme un espace de vie, de découverte, de partage, d'échange et de convivialité, ouvert sur le territoire et accessible à tous.

MUSEE DU QUAI BRANLY

Du 21 juin au 9 octobre 2016
37 Quai Branly, 75007 Paris
http://www.quaibranly.fr/fr/

Galerie Est

AVANT-PROPOS DE STÉPHANE MARTIN, PRÉSIDENT DU MUSEE DU QUAI BRANLY

Imaginer "un lieu qui manifeste un autre regard sur le génie des peuples et des civilisations d’Afrique, d’Asie, d’Océanie et des Amériques 1" telle fut l’ambition de Jacques Chirac. Ce désir a germé il y a près de trente ans, à une époque où il paraissait inconcevable qu’en l’espace d’une décennie, plus de 15 millions de personnes viendraient admirer des oeuvres longtemps oubliées. Depuis maintenant 10 ans, le musée du quai Branly poursuit le rêve de son fondateur et propose de faire découvrir, à travers la richesse de ses collections et de sa programmation, l’infinie diversité des cultures.

Termes employés par Jacques Chirac dans son discours prononcé lors de l’inauguration du musée du quai Branly le 20 juin 2006.

Musée du quai Branly. Affiche de l'exposition "JACQUES CHIRAC ou le dialogues de cultures". Du 21 juin au 9 octobre 2016.
Commissaire del'exposition : Jean-Jacques Aillagon, ancien ministre

Guggenheim Bilbao Museoa
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao  
Téléphone :  +34 944 35 90 00
http://www.guggenheim-bilbao.es/
Email: informacion(at)guggenheim-bilbao.es

Making Africa–Un continent du design contemporain

30 octobre 2015 – 21 février 2016

Le monde tel que nous le connaissons est en pleine transformation politique, économique, sociale, culturelle et technologique. Pour savoir comment le design permettra, ou même, accélèrera cette transformation, nous devrions tourner notre regard vers le sud, et concrètement vers l’Afrique, où l’évolution est la plus évidente. En 2012 par exemple, on comptait environ 650 millions de téléphones mobiles enregistrés sur ce continent, plus qu’aux États-Unis ou en Europe. Une nouvelle génération de penseurs et de créateurs dirige le changement dont les propositions multidisciplinaires représentent des solutions innovantes pour le continent et pour le monde entier, et bouleversent notre conception traditionnelle du design.

L’exposition Making Africa–Un continent du design contemporain présente des travaux appartenant à un large éventail de domaines créatifs : design d’objets et de mobilier, arts graphiques, illustration, mode, architecture, urbanisme, art, artisanat, cinéma, photographie, sans compter l’approche numérique et analogique. Ces œuvres occupent, délibérément, cette zone grise existant entre les différentes disciplines et pourtant, elles nous fournissent des réponses concrètes à la question de ce que peut et doit apporter le design au XXIe siècle. Par exemple, ils découvrent de nouvelles possibilités dans l’usage des matériaux, mettent davantage l’accent sur le processus que sur le résultat et réalisent des déclarations audacieuses sur l’avenir.

Pierre-Christophe Gam
Le royaume de Taali M (The Kingdom of Taali M), 2013
Site web pour la chanteuse parisienne-congolaise
Taali M - ©Pierre-Christophe Gam

Omar Victor Diop Mame, 2014
De la série Le studio des vanités (The Studio of Vanities)
Impression au jet d’encre de pigment sur papier Harman by Hahnemühle 93 x 93 cm
Courtoisie Magnin-A Gallery, Paris
© Omar Victor Diop, 2014

Charlotte Salomon Vie ? ou Théâtre ?
5 février au 24 mai 2016

Vernissage >> mercredi 3 février 2016 à midi
En présence de Christian Estrosi, Député-Maire de Nice et Président de la Métropole Nice Côte d’Azur
& David Foenkinos, écrivain, auteur du roman Charlotte, Prix Renaudot 2014, Prix Goncourt des lycéens 2014
Musée Masséna
65, rue de France - Nice

En 2016, la Ville de Nice commémorera les Années Noires 1940-1944 avec un riche programme de cérémonies, d’hommages, de rencontres avec David Foenkinos et Serge Klarsfeld notamment, un colloque, des projections et une exposition d’une grande force historique et d’une puissance artistique indéniable.

Cette exposition intitulée Charlotte Salomon Vie ? ou Théâtre ?, réalisée en lien avec le  Jewish Historical Museum d’Amsterdam, propose de découvrir des originaux, gouaches, dessins, pastels et archives inédits de Charlotte Salomon. Proposée au Musée Masséna du 5 février au 24 mai 2016, elle sera inaugurée par Christian Estrosi, Député-Maire de Nice et Président de la Métropole Nice Côte d’Azur et  David Foenkinos, écrivain, auteur du roman Charlotte, le mercredi 3 février 2016 à midi.

Un rendez-vous tant attendu
L’œuvre de Charlotte Salomon est restée globalement méconnue en France, malgré deux expositions organisées à Paris, au Centre Georges Pompidou en 1992 et au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme en 2006. L’année 2014 a marqué un tournant avec la publication du roman Charlotte de David Foenkinos. 2015 a vu la première publication d’une édition intégrale de Vie ? ou Théâtre ? grâce à un éditeur français, Le Tripode.