PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David. Important artiste du XXème siècle découvert par le grand marchand Emmanuel David découvreur de Bernard Buffet. Cette oeuvre est une des plus importantes de l'artiste, très représentative du mouvement surréaliste et de la puissance du travail de Priking dont Emmanuel David disait de lui "C'est un poids lourd dans l'art comme Bernard Buffet"
Franz Priking (né Pricking) est un artiste peintre et lithographe né le 7 août 1929 à Mülheim (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 10 juin 19791 à Oppède (Vaucluse)

Biographie

La sensibilité picturale de Franz Priking est éveillée dès son enfance par l'éducation d'un père ingénieur en métallurgie (mort en 1947) passionné de Renaissance italienne et d'art baroque.

Franz Priking aborde la peinture au terme d'études de philosophie, s'orientant tout d'abord vers une abstraction lyrique « révélatrice d'une sensibilité en quête d'elle-même ». Les séjours qu'il fait ensuite au Bauhaus de Weimar (1948) et à l'Académie des arts de Berlin (où il est élève de Max Pechstein entre 1948 et 1953 et où Karl Hofer fait l'éloge de ses dessins) lui révèlent, avec l'expressionnisme allemand, une forme d'art plus conforme à son tempérament. C'est durant cette période qu'à Berlin, par l'intermédiaire du peintre Hans Tombrock, Priking se rapproche de Bertold Brecht, vivant dix mois dans la proximité du dramaturge.

En 1950, Franz Priking quitte l'Allemagne pour Paris, où il reste peu de temps, gagnant la Provence et s'arrêtant à Villeneuve-les-Avignon. Lors de sa première exposition française au Musée Réattu d'Arles, en 1952, il rencontre Pablo Picasso et va travailler pendant sept mois sous les conseils du maître à Vallauris. « J'étais profondément passionné par Picasso, par son principe de structure et d'organisation du tableau, évoque Franz Priking. Le thème m'importait beaucoup moins que le concept rythmique nouveau qu'il m'apprenait. Et surtout, j'abandonnais à ce moment la couleur vive que j'avais retenue de la période expressionniste, l'opposition des couleurs actives employées presque pures, et j'ai commencé à travailler la couleur de façon qu'elle devienne rationnelle... Les teintes sont devenues beaucoup plus terrestres, plus proches de la terre. »

Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000.

Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans.

Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. 

Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2)

Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle.

Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde.

Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse  et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. 

A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne.

(2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias :  En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié.

Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa

(3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Après une enfance vécue à Enghien-les-Bains, Pierre Jutand est élève de l'École Boulle à Paris. Il entre en 1955 à l'École nationale supérieure des arts décoratifs où il est élève de Jules Cavaillès avant de fréquenter l'atelier de Marcel Gromaire, puis, en 1956, d'obtenir deux bourses d'études, l'une au château de Collioure, l'autre aux Pays-Bas. En 1957, il poursuit ses études chez Maurice Brianchon à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il travaille ensuite la tapisserie avec Jean Lurçat, séjournant à plusieurs reprises auprès de ce dernier au château de Saint-Céré (Lot). Pierre Jutand se souvient : Lurçat ne peignait plus à l'époque mais faisait de la tapisserie, des grands cartons avec lesquels il est devenu célèbre. Il avait tellement de commandes qu'il prenait des élèves pour l'aider sur des périodes de trois à quatre mois. Appelé sous les drapeaux en 1958, Pierre Jutand effectue son service militaire en Algérie.

Alors qu'il est installé dans la rue de Lesdiguières à Paris, les premières expositions de Pierre Jutand au Salon d'automne lui valent d'être remarqué par la galerie Morantin-Nouvion où se produit sa première exposition personnelle à Paris en 1962. Peintre paysagiste, Jutand peint sur le motif, souvent avec le peintre Michel Pandel (1929-1978) - la disparition de cet ami dans un accident de deltaplane sera une grande épreuve affective - qui expose dans la même galerie.

Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération.

Son pseudonyme

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm 

Cinq questions à Kenjiro Okazaki par Sabine Vazieux
- Quand est née votre vocation d'artiste et qu'est-ce qui l'a déclenchée ?
Si je pouvais renaître dans ce monde, ce serait pour être artiste. Je me demande par quelle chance j'ai vécu aussi longtemps. J'ai pris conscience de ce qu"être en vie" peut signifier lorsque j'ai approfondi mes connaissances de l'œuvre de Brunelleschi, Massacchio, Caravaggio, Poussin, Blake, Shitao, Cezanne et Morikazu Kumagai. Leurs œuvres ont la particularité d'être, à la fois, hors du temps et ancrées dans le monde.

- Comment est née votre passion pour l'art renaissance ?
Ma mère était inventeur. Il a donc été normal que je m'intéresse aux artistes et aux penseurs de la Renaissance. Brunelleschi a eu une grande influence sur ma pensée et mon travail. J'ai même écrit un livre sur lui.

- Une époque, un artiste ou un courant qui vous a particulièrement marqué.
C'est l'instabilité du monde qui me marque le plus en tant qu'artiste; que ce soit Tchernobyl, Fukushima ou l'épidémie actuelle...
Le sentiment que c'est un hazard que je sois en vie aujourd'hui exacerbe ma sensibilité artistique. C'est comme sentir le temps qu'il fait tous les jours en sachant que cette sensation peut prendre fin du jour au lendemain.

- Qu'est-ce qui vous ressource ou vous inspire... (musique, littérature, architecture, nature, un lieu ....)
Tout ce qui est dans le monde.

- Une couleur fétiche ?
En japonais, le mot "couleur" = ? iro signifie différence.
Les couleurs vives imprègnent d'abord tout votre champ de vision, mais si vous continuez à regarder, cette impression se transforme en une profondeur qu'il vous est alors possible regarder à l'infini. J'aime aussi les couleurs des feuillages d'automne, qui nous donnent l'impression que la matière se fond dans la lumière, et dans l'air.

Artiste renommé, Karl Lagasse s’est fait connaître en 2009 grâce à ses sculptures One Dollar. La même année, Artprice le classait parmi les dix meilleurs sculpteurs du monde de moins de 30 ans. En 2012, la publication new-yorkaise Farameh le citait parmi les cinquante meilleurs artistes contemporains qui tiraient leur inspiration des icônes américaines traditionnelles dans son ouvrage FOR WHICH IT STANDS: Americana in Contemporary Art. Plus récemment, lors de l’Art Paris Art Fair 2016, le président de la république française a personnellement félicité Karl pour le succès de son One Dollar de bronze de 2 mètres exposé au Grand Palais.

Karl a commencé son parcours artistique par des collages, à l’âge de 7 ans. Cette année-là, sa rencontre avec le sculpteur français César Baldaccini l’a poussé à poursuivre dans cette voie. Plus tard, il s’est aventuré dans le métro parisien, le tag et le graffiti devenant son mode d’expression de prédilection. Malgré tout, les collages restaient sa vraie passion. C’est l’artiste Yvaral Vasarely qui lui a suggéré d’intégrer ses tags à ses collages. En 2003, Karl préparait sa première exposition à Paris. Sa première exposition personnelle présentant ses Buildings s’est tenue en 2006, à la galerie Isy Brachot, à Bruxelles. Deux ans plus tard, Karl était de retour à Paris à l’Espace Pierre Cardin pour sa première exposition personnelle de peintures et de sculptures comportant des éléments vidéo et photographiques.

Par-dessus tout, Karl aime dévoiler ses nouvelles oeuvres lors d’expositions internationales : en 2011, au salon Art Monaco, il était représenté par la galerie Bel Air Fine Art, avec sa création Cryptogram One ; en 2012, il a présenté des One Dollar sur le thème « In God We Trust » lors d’une exposition personnelle à la galerie Artco France ; en 2016, son exposition personnelle à la galerie Atrium, à Marbella (Espagne), a été inaugurée par le maire de la ville qui a parlé de ses oeuvres à la presse internationale.

En 2010, Karl a été choisi pour représenter la ville de Deauville (Normandie) à l’occasion du championnat du monde équestre Horsemania, à Lexington (États-Unis), pour lequel il a réalisé une sculpture représentant un cheval en l’honneur de cette manifestation. De retour à Deauville, en 2012, Karl a offert à la ville Cryptogram One, bronze porteur d’un message de paix et d’amour, qui a été installé à l’entrée de la ville et inauguré par le maire, Philippe Augier. La même année, c’est en collaboration avec Corbis qu’il a réalisé une sculpture monumentale pour le soixante-cinquième festival de Cannes, en utilisant des photographies datant de 1945 à 2011 pour réaliser cette oeuvre qui a été exposée à l’hôtel Carlton, où les artistes présents au festival pouvaient la signer. C’est ce qu’ont fait notamment Alexandra Lamy, Gad Elmaleh, Bérénice Bejo, Marie Gilain, Michael Youn, José Garcia, Michel Hazanavicius, Nadine Labaki, Cuba Gooding Jr., Tim Roth, Matthew McConaughey et Zac Efron.

Nous vous proposons de (re)découvrir la biographie de l'artiste d'origine coréenne Hur Kyung-Ae.
Hur Kyung-Ae est née en 1977 à Gwangju, en Corée du Sud. Depuis son plus jeune âge, elle utilise l'art et la couleur pour exprimer ses sentiments. Elle obtient plusieurs diplômes d'arts visuels en Corée, puis son attirance pour la culture et la langue française l'amène à poursuivre sa formation à Paris, où elle s'installe en janvier 2003.
Pour en savoir plus sur Hur Kyung-Ae qui expose dans les galeries de Françoise Livinec, cliquez ici

Françoise LIVINEC
Galerie Penthièvre 24, rue Penthièvre 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Galerie Matignon 29-33 av Matignon 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Ecole des filles 25, rue du Pouly 29690 Huelgoat
+33 (0)2 98 99 75 41

www.francoiselivinec.com

Margo Drucker passed away peacefully on July 2, 2001.
Margo was 86 years old. Margo was born on November 14, 1914 in Berlin, Germany.
Margo left Germany for France in 1934, where she studied photography, then moved to Rome to join her father who had left to Germany because of her anti-Hitler activities. Margo remained in Rome until 1938, when Missouri and Hitler began to round up German expatriates. Margo fled to Aix-en Provence in southern France, where she lived with a group of painters on a chicken farm. Margo was arrested by the German puppet government of Vichy and incarcerated for deportation to Poland, in Guers, an internment camp around Marseilles. Margo remained in the camp for six months, and escaped the day before the scheduled deportation to Poland. In 1941, she received permission to immigrate to America, and arranged for passage on a ship leaving Lisbon to New York. Margo crossed the Spanish border 24 hours before it closed. Margo did not arrive in Lisbon until after the ship was scheduled to depart, but mercifully found the ship was delayed due to mechanical problem. The trip from Lisbon to New York took 6 weeks, and she arrived in New York City with $10.00 in her pocket.
While in New York she met and married Armand Drucker, a German immigrant, and in 1950 had a daughter, Doris Hannah Drucker. In mid 1950, Margo and Doris rejoined Armand in Paris, where they remained until 1960. While in Paris Margo became a well-known photographer, specializing in photographing the leading European painters and other artists of that decade. Many of her photographs were published on the artists' art book jackets.
In 1960 Margo and Doris returned to New York, and Margo remained in Nyack, New York until 1975 when she moved to Albuquerque to be close to her daughter and her family. While in New Mexico, Margo had a number of photographic exhibits in local galleries and religious institutions. Margo leaves behind an extensive portfolio of photographs, which chronicles an era of visual arts in European art, beautiful landscapes of Corsica and France, and many portraits of friends and loved ones taken over her long life.
Margo is survived by her daughter, Doris Drucker Duhigg, her son-in-law, John Duhigg, her grandchildren, Charles, Daniel and Katy Duhigg, all of Albuquerque, New Mexico. Margo is further survived by an abundance of step-relatives, all of whom brought great joy and meaning to her life.

Etablies en prévision de l’exposition rétrospective 1941-1973 intitulée "La liberté de peindre" qui aura lieu du 27 Mars au 26 Avril 2020  à Mers-les-bains, les notes qui suivent mêlent considérations historiques et confidences privées.

Elles vous familiariseront avec cet artiste dont la vivacité d’esprit, la culture étendue, la perpétuelle inquiétude, l’humour dévorant, la générosité de cœur, mais aussi les aspects les plus sombres de son tempérament, ont fortement impressionné ses amis et  proches.

• « Pour des artistes tels que Michel Patrix, l'art est une aventure. C'est aussi une expérience vivante. Son activité est désintéressée. Elle se situe sciemment en marge des postulats de l'École de Paris. Elle traduit une volonté de choix qui s'écarte de la norme et une vocation qui échappe totalement à l'emprise de la mode. C'est une activité personnelle et individuelle qui côtoie l'anarchie. Elle n'est concevable que dans un pays libre qui se targue d'ignorer les contraintes esthétiques. Comme la plupart des peintres de sa génération, Michel Patrix subit (ou a subi) la puissante attraction du cubisme, mais il a adopté devant les découvertes de ses prédécesseurs une attitude nouvelle et indisciplinée. » - Waldemar George

Difficile en effet d’évoquer cette personnalité complexe, férue de philosophie, d’anthropologie, d’archéologie, de musique, d’histoire et de poésie.

Michel Patrix disait avoir été marqué par le fait de porter la version masculine du prénom de sa soeur ainée Micheline décédée en bas âge d’une méningite. Peut être est-ce dans le défi que sa naissance a représenté pour ses parents qu’il faut chercher les tendances héroïques de celui que ses collègues de la jeune peinture Parisienne des années 50 surnommait ‘l’increvable”?.  

Le Musée Privé rencontre Christo par le-musee-prive

A l'occasion d'une exposition d'oeuvres préparatoires de l'artiste Christo dans la galerie Guy Pieters qui se trouvait à l'époque avenue Matignon à Paris, Patrick Reynolds, Directeur du Magazine Le Musée Privé, et Sébastien Lecca, plasticien et performer, ont eu l'opportunité de poser quelques questions à l'un des artistes les plus monumentaux et influents de notre époque.
Compte-rendu en images...

Une interview réalisée et préparée par André-Charles Idier

Remerciements à Christo, Guy Pieters et Isabelle Lelievre.

Guy Pieters Gallery
Albertplein 15
8300 Knokke-Heist
050/61.28.00

Guy Pieters Gallery Zeedijk
Zeedijk 753
8300 Knokke-Heist
050/62.33.80

Guy Pieters Gallery Offices
Edgard Gevaertdreef 10
9830 Sint-Martens-Latem
09/282.82.84

www.guypietersgallery.com

Christo Javacheff - photo de Patrick H. Reynolds

Oleg GOUCOFF par Lydia HARAMBOURG ©

Historienne de l’art
Correspondant de l’Académie des Beaux-Arts,
Institut de France

Comment passe t-on de la sculpture à la peinture ?

Il semble que pour Oleg Goudcoff, les deux activités aient été consubstantielles de son engagement d’homme et d’artiste sans autre transcendance que celle d’un dépassement de soi inlassablement reconduit. Inébranlable et incorruptible, il quête l’indévoilable mystère de la création. L’expressionisme douloureux renfermé dans toute matière organique ou minérale se heurte à l’immatérialisme, tel que kandinsky le rêvait. L’enjeu existentiel d’Oleg Goudcoff se départit de tout automatisme esthétisé et passe par le risque permanent d’échouer, pire de chuter sans jamais renoncer à conquérir l’impossible, tel Sisyphe.
Voilà que l’œuvre nous apparaît aujourd’hui dans sa vérité. Ce moment rare qui est donné aux historiens de l’art, aux amateurs, nous saisit par le prodige d’une découverte qui nous conduit au seuil d’une révélation intacte.

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm - sans titre

FIGURATION CONCEPTUELLE ET SYMBOLIQUE

Né le 13 octobre 1961 Stéphane Fradet-Mounier utilise principalement le métal et le bronze, et en complément la peinture. Son travail enferme une symbolique conceptuelle certaine à découvrir en côtoyant l'oeuvre. Son oeuvre nous interpelle sur le devenir humain, les échelles de couleur orange, symbole du progrès de l'homme qui cherche à s'élever, à aller toujours plus haut, et son contraire la rouille du métal symbole du viellissement et du temps qui passe, mais aussi tu temps qui élève l'homme par la connaissance. L'artiste nous fait réfléchir sur la dualité du monde qui avance en permanence entre le yin et le yang. A nous de découvrir la voie ouverte par l'artiste.

EXPOSITIONS
2010 Galerie la Rotonde Paris 18
     Montaz Paris 16
     JOAOGallery Paris 07 village suisse
     Bogo Gallery Pusan Corée du Sud
     Recycl'art, Esteponia/Marbella, Madrid
     Montmartre Gallery Pusan Corée du sud
     Galerie LE MUSEE PRIVE Paris

Francis Bacon est un peintre anglais né le 28 octobre 1909 à Dublin et mort le 28 avril 1992 à Madrid.

Son écriture reconnaissable fait de lui un des plus grands créateurs du XXème siècle, son oeuvre mélange la violence, la cruauté, la tragédie humaine.

L’œuvre de Francis Bacon se déploie en grands triptyques mettant en scène sa vie, ses amis, son admiration pour Diego Vélasquez, Vincent van Gogh ou Pablo Picasso, ou par des portraits torturés, comme pliés dans la texture de la toile, de ses amis Michel Leiris, Mick Jagger, etc...

Nous remercions le Musée Guggenheim de Bilbao pour cette biographie élaboré dans le cadre de l'exposition organisée au Guggenheim Bilbao en collaboration avec le Grimaldi Forum Monaco du 30 septembre 2016 au 8 janvier 2017.

Décennie 1910

Francis Bacon est né à Dublin le 28 octobre 1909, deuxième des cinq enfants de parents anglais installés en Irlande mais sans ascendance irlandaise.

La guerre d’Indépendance (1919–1921) et la guerre civile (1922–23) créent un climat de violence dans les zones rurales et les propriétaires terriens protestants sont durement touchés.

Francis Bacon
Étude pour autoportrait (Study for Self-Portrait), 1976
Huile et pastel sur toile 198 x 147,5 cm
Art Gallery of New South Wales, acquisition 1978
© The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés
DACS/VEGAP, Bilbao, 2016
Photo : © Jenni Carter, Viscop

Lolochka est une des artistes majeurs du groupe Art Cloche fondé en 1981 véritable Bateau Lavoir des Temps Post-Modernes dont on commence à mesurer, avec le recul du temps, la véritable révolution artistique. Ces artistes venus de tous les pays ont joué un rôle essentiel dans l'histoire de l'art du XXème siècle, il nous est apparu important de les citer au début de la Biographie de LOLOCHKA afin de comprendre l'importance de ce mouvement : Beuys - Raynaud - Debord- Brelingard - Lolochka - Camargo - Smirnoff- Till - Daub - Rodier - Pawlowski - Rodrigues - Saban - Henri Schurder - Schlenther - Triton - Bob Shigeo - Vorobiov - Starck - Von Euge - Milovskaya - Yankel Pilar- Yane- Barbanti - Shigéo - Smimoff-Till - Hector Leuck - Zbona - Daub - Schlenter

Alexandre Sacha Putov est un peintre expressionniste de l'Art-Cloche (né le 9 mars 1940 à Kamensk en Russie et mort en France le 18 novembre 2008).

Diplômé en architecture en 1969 à Moscou, il se consacre à la peinture et à la sculpture ainsi qu'à la gravure ; il expose à Moscou en 1973, puis exilé de l'ancienne URSS du fait de sa confession juive orthodoxe, et son refus de correspondre à l'art officiel, il s'installe à Haïfa en Israël où il est naturalisé. Marié, il donne naissance à un fils en Israël (David). Sa période israélienne est reconnaissable de par le style graphique employé et certaines réminiscences des paysages d’Haïfa ou de la culture orientale

À partir de 1986, il poursuit son œuvre en France et arrive au squat du mouvement Art-Cloche rue d'Arcueil à Paris, il y fréquente d'autres artistes squatteurs et certaines stars collectionneurs et artistes comme Serge Gainsbourg ou Ginzburg et Coluche ou Colucci dans Les Restos du cœur car il arrive sans le sou. Un marchand s'intéresse à ce groupe et met des artistes en salle de vente à Drouot dont le commissaire priseur était Cornette de Saint-Cyr. Ses œuvres sont en général des compositions expressionnistes aux couleurs ocre ou aux tons très expressifs, paysages urbains décalés, mais aussi maternités graphiques aux couleurs acidulées à partir de la naissance de ses enfants, d'où ressortent une inspiration de l'iconographie russe tant connue et adulée dans toute la Russie.

Au squat il fréquente et se lie avec Ody Saban artiste reconnue et ils effectuent ensemble à deux mains des gravures. Puis, en 1987, il rencontre Sylvie Gottraux avec laquelle il donne naissance à ses deux enfants, Louise en 1993, et Vassili en 1997.Dès lors son travail devient d'une façon plus générale plus aérien et plus stylisé et plus positif. Jean-Charles Riz, un grand collectionneur éclairé, se charge de sa promotion, cède parfois des œuvres et devient un marchand malgré lui, il le fait connaître et reconnaître comme un grand peintre notamment grâce à l'avènement d'internet et de son site Artpulsion en l'incorporant parmi les autres artistes de sa collection dont notamment le célèbre artiste d'Art brut Jaber.

Bernard LOCCA (1926–1997) huile sur papier 65 x 50 cm signée en bas à droite et datée 70, intitulée "Masque humain".
Collection Privée Sceaux

Bernard LOCCA (1926–1997)

J'ai découvert il y plus de 25 ans, Michel Patrix qui est un des artistes les plus importants dans l'histoire de l'art des années 40-50  grâce à Emmanuel David auquel je rendrai hommage sur ce site en publiant un essai de biographie. Michel Patrix est né le 25 mai 1917 à Cabourg dans le Calvados et décédé le 4 mai 1973 à Gonneville-sur-Scie en Seine-Maritime. Après avoir étudié à Castelsarrazin et obtenu son baccalauréat, il se fixa à Bordeaux, où il exerça divers « petits métiers ». Il a été mobilisé dans l’Armée française de 1937 à 1941, et après avoir été démobilisé, il est « monté » à Paris afin d’exercer sa passion pour la peinture et d’y consacrer tout son temps.

Il senti le besoin de maîtriser parfaitement la technique picturale et fréquenta avec assiduité l’Académie de l’Atelier André Lhote, auprès duquel il découvrit sa propre écriture imprégnée de l’influence cubiste alors prégnante sur l’Ecole de Paris.

Il rencontra, ainsi dès 1943, les jeunes artistes du groupe de l’Échelle dont il ne se séparera plus, y prenant d'ailleurs aussitôt une position dominante, écoutant avec eux les conseils amicaux d'Othon Friesz.:

Le peintre-graveur d'origine argentine Hector Saunier est né à Buenos Aires en 1936. Il va vivre ses 25 premières années d'existence sous les régimes dictatoriaux de son pays. Il fait des études d'architecture, tout en faisant différents « petits boulots » qui lui permettront d'économiser pour faire le grand voyage qu'il a en tête. La grande traversée aura lieu en 1961. Hector Saunier s'installe à Paris. En 1966, le hasard lui fait rencontrer Stanley William Hayter il décide d'étudier la gravure au sein de l’Atelier 17. Saunier apprend son métier principalement auprès de Hayter, qui  reconnaitra rapidement son talent. Il devient rapidement un maître de la couleur et de la lumière, mettant toutes sa richesse créative au service de l'impression en taille-douce.
Hector Saunier devient assistant à l'Atelier, travaillant en étroite collaboration avec Hayter pendant vingt ans. En 1978, il devient Directeur Associé de l'Atelier 17, le prenant en charge pendant les absences de Hayter.

Formé très jeune à la calligraphie, Lassaâd Metoui, s’inspire tout autant de la peinture occidentale (de Matisse, Paul Klee à Soulages) que de l’art d’Extrême-Orient, notamment japonais. Il fait évoluer son art de plasticien vers une modernité qui transcende les cultures. Son talent, à la fois enraciné dans une tradition d’exigence esthétique et morale est innovant, son impact mondial, représenté aujourd’hui à l’Institut du Monde Arabe, en est la preuve et en fait un artiste majeur dans cette discipline.

ARTISTE PLASTICIEN CALLIGRAPHE PHILOSOPHE DES FORMES

2006- Londres : Exposition et Performances au British Museum avec le plus grand calame et pinceau de 80 cm de largeur
- Milan : Exposition au musée Castello Sforzesco

2007- Shanghai : Performance dans le cadre de la Nuit Blanche une toile de 190 m2 avec le plus grand pinceau du monde
- Pays de Galles : Exposition au Musée National

2008- Dubaï : Exposition World into Art

2009- Sao Polo : Performance à l’Université des Arts Amhembi Merumbi, technique du lavis et de l’encre de Chine

Lassaâd Metoui 

Les oubliés de l'histoire
A l'aube des années 80 une poignée d'artistes fauchés décidèrent de conquérir Paris afin de réaliser leur grand rêve .. que Paris redevienne la capitale de l'art.
Comme dans toute grande idée il y a toujours quelque chose qui cloche ils prirent le nom d'ART- CLOCHE et voici leur histoire.

Le soir est triste et froid -
La lune solitaire donne comme à regret ses rayons à la terre:
Le vent de la ville jette un cri déchirant -
Le flot de l'art semble une voix qui pleure -
Et la cloche des musées fait vibrer d'exposition en exposition -
Dans le ciel nuageux son glas de fin de règne - C'est le ur Novembre -
Au fond de l'atelier on entend chaque artiste affûter ses pinceaux.
C'est sur cette terre de désolation qu'à l'aube des années 80 une poignée d'artistes fauchés décidèrent de conquérir Paris -Armés de leurs boîtes de couleurs ils montèrent à l'assaut de la capitale endormie:
Cet art nomade de l'urgence - du quotidien - de la place publique -de la vie de tous les jours.
Où le bien et le mal se retrouvent et s'affrontent :
Où l'amour et la haine se rencontrent et s'accouplent :
Où la joie et la peine s'expriment et communient :
Où le beau et le laid s'aiment et s'unissent. Car     .
Tant qu’y'a d'la CLOCHE - y'a d'la vie Tant qu’y'a d'l’ART-CLOCHE - y'a d'l'espoir
Descendant de leurs lointaines montagnes - Animés de leur amour de l'art - ils arrivèrent de partout.
Pékin - Moscou - Shanghai - Minsk - Venise - Meknès - Montréal- Rome - Berlin - New-York - Porto - Bordeaux - Bourgogne -

Ils s'appelaient- Pawlowski - Starck - Schurder - Lolochka - Saban - Milovskaya - Yankel - Pilar- Yane- Barbanti - Shigéo - Leuck –  Smirnoff -Till- Zbona - D'autres beaucoup d'autres vinrent les rejoindre.

Cette avant-garde sauvage des années de détresse apporta un souffle salutaire et salvateur à l’art: formolé de ce siècle déclinant -

Peintre britannique née en 1949, à  CORDOBA en ARGENTINE, Lia de Fontenelle, Princesse Frédéric de Broglie  peint depuis l’âge de 4 ans, peintre néo-figuratif et conceptuel, elle participe aux grands évènements de notre temps depuis la chute du mur de Berlin.

Elle partage on temps entre Londres et New-York.

Créateur à l'identité forte ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections privées internationales.

Edgar Stoëbel ( de son vrai nom Teboul Ichoua René ) est né à Frendah  près d’Oran en Algérie le 21 décembre 1909 décédé à Paris en décembre 2001 -  Stoëbel étant son nom d’artiste.

Très jeune il a été attiré par la musique et les arts graphiques, ces deux formes d’art ont été tout au long de sa vie étroitement liées et ont donné à son art cette dimension musicaliste et rythmée.

« Au fond c’est grâce à mon père que je suis devenu peintre, il a vécu intérieurement ses rêves, à Noël je trouvais dans la cheminée une boite de pastels, je me rappelle que vers l’âge de 10 ans je faisais des dessins et des copies de dessins, un jour j’ai fait un petit dessin représentant une femme nue, et ma mère curieuse de voir ce que je faisais s’est approchée de moi et quand elle a vu mon dessin elle a été choquée que je puisse faire un tel dessin à mon jeune âge et elle m’a tapé. La femme aura toujours été pour moi une source d’inspiration, elle est toujours présente dans mes œuvres. »

« Mon père aimait la musique, il voulait constituer avec ses enfants un orchestre, il voulait que moi je fasse du violon, mon frère aîné du piano et un autre devait se consacrer au violoncelle. Je suis né avec la musique qui a bouleversé ma vie et l’art graphique. »

A Oran il crée un petit conservatoire avec 17 musiciens, une association de musiciens, et dirige un orchestre en tant que chef d’orchestre, mais il sent très vite qu’il ne progressera pas s’il ne part pas à PARIS.
Afin de travailler la musique il arrive à PARIS en 1931 et travaille avec le professeur  Léon Eugène MOREAU Grand Prix de Rome qui lui apprend l’harmonie, le contrepoint, la fugue et le piano jusqu’en 1939 déclaration de la guerre, mobilisé, il rejoint son corps d’infanterie où il est réformé temporairement au Conseil de Réforme.

A la suite de cela et de la montée du nazisme il repart en Algérie en 1940, où il  peindra et dessinera, puis dirigera un orchestre jusqu’en 1942.

Heriberto CUADRADO COGOLLO was born in Cartagena de Indias (Colombia) on September 29th – 1945.

1957-1961 Studies at the Cartagena de Indias Academy of Fine Arts.

1960-1963 – He realizes many portraits during this period and becomes a member of the group  « Los 15 ».

1964 – He is awarded a grant for Europe.

1964-1965 – Takes residence in Madrid (Spain). Follows as an auditor the art classes at the San Fernando School.

1966 – Moves to Paris (France).

1970 – While collaborating with the French editor Georges Visat, he makes friends with the famous surrealist painter
Roberto Matta who suggests that he chooses his mother’s name – COGOLLO – to sign his paintings.
During this same period he is befriended by the poet José Pierre who later on, in 1973, will write the preface of his first catalogue.

1973 – His first individual exhibition The World of a Nohor is put on by the Parisian art gallery Suzanne Visat. Two important encounters mark this event, the first being the
start of a long friendly collaboration with two more poets Ted Joans and Joyce Mansour. The second being the meeting with the French publisher/collector Daniel Filipacchi.

1975 – In parallel to his painter activities, he begins his long and successful illustrator career, under his father’s name – CUADRADO – collaborating mainly with Lui and Playboy, both monthly magazines published by Filipacchi.

Eliane Rosso (Française 1928 - 1994)

Eliane Rosso est une artiste peintre, graveur, illustratrice et lithographe française née en 1928 à Paris.
Rosso fait ses études à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Marquée par la querelle entre l’abstraction et le réalisme qui fait rage dans l’immédiat après-guerre, elle commence à produire une œuvre qui intègre les principes du cubisme tout en gardant les références au sujet et à la figuration, dans la lignée d’un Jacques Villon.
En 1954, elle remporte le Prix de la Casa Velasquez, et fait partie bientôt des jeunes artistes femmes les plus remarquées par la critique.
Elle remporte le Prix du Dôme en 1958 et en 1959 est sélectionnée par le jury pour participer à la première Biennale de Paris, au Musée d’Art moderne de la ville de Paris. Peu à peu, elle se tourne vers l’abstraction et y déploie une palette aux coloris très chauds. Elle  crée un univers de formes réfléchies et structurées,  aux contours arrondis, qui allie puissance des contrastes colorés et profondeur formelle. Elle expose régulièrement au Salon des Artistes indépendants.
Elle a participé à de nombreux salons et expositions notamment  à  l’ Académie Gérard Mourgue  l’ Hotel Hilton, la Fondation Taylor, les Salons Biennale de Paris.
Elle est présente dans des collections françaises et internationales.

MUSEES : ses œuvres sont présentes au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris et au Musée de Saint-Etienne et au Musée de Conches (Eure)

PRIX
1954 - Casa Velasquez
1958 - Prix du Dôme
1959 - Première Biennale de Paris. –

BIBLIOGRAPHIE
Éliane Rosso Les Cahiers D'Art-Documents -
Numéro 210 - 1964 Cailler, Pierre
Edité par Éditions Pierre Cailler, Genève (1964)
Biographie de peintre Éliane Rosso, le contenu comprend la signature de l'artiste, préface de Robert Vrinat, chronologie, bibliographie, collections des musées, l'histoire de l'exposition, commentaires de la presse et autres.

Eliane Rosso Huile sur toile 162 x 130 cm

Salvatore Gallo was born in 1928 in Vittoria in Sicily He studied in Turin with Carlo Carra from 1946-49. He then went to study in Mexico with the Mexican artist David Siqueiros fom 1955 -1957.
Gallo moved to New York USA in 1958 where he had his first major show at the Chiser Gallery. And began a collaboration with his cousin Frank Gallo Professor of Art at Boston University. Upon, completing several major commissions together. They had a major exhibition of work in Tel Aviv, Israel. In 1964 he left the States to move to Paris.
In 1965 he held his first major show at "' L’Academie Dufaux"' Paris. At the same time he took part in the Major exhibition “Art Fantastique” at the Langlois Gallery in Paris.
He received major recognition when he exhibited his sculptures At the Italian Embassy in Paris and at the musee d”Art Moderne. In 1969 he participated in the exhibition "Since Rodin" where he was presented with the Medalle de bronze.
In 1970 he was honoured further in recognition of his work with the Medaille d’argent a la Biennale Internationale de Juvisy.
Then in 1972 he won the Medaille d’ora la Biennale Internationale de Juvisy, culminating with the honour Eme Grand Prix de Juan-les Pins. He started working at his new studio at La Maison des Artistes in Nogent sur Marne Paris
Awards and commissions from 1975–1996 Medaille d’or au 14 eme salon International de Paris Sud de Juvisy. 1975 Participated in the 50th anniversary of the group of de Grear at the Chateau de Montvillargenne.
It was in this year that Salvatore Gallo and his cousin Frank Gallo worked on a number of projects in the states including monuments in Dallas, Texas, as well as several sculptures for the Play Boy Club of America

Salvatore Gallo oil on canvas 97 x 130 cm

Je remercie particulièrement Annie Cuillerat diplômée en histoire de l'art qui a écrit cette biographie de son frère, personne ne pouvait mieux qu'elle, faire la synthèse de cette oeuvre particulièrement créative que les collectionneurs avertis connaissent, et nous ouvrir les portes de la compréhension de la spiritualité de Jean Cuillerat.

Jean Cuillerat s'inscrit dans la mouvance de la nouvelle Ecole de Paris, rallié au mouvement de l'abstraction lyrique et poétique, il a développé une expression personnelle en quête permanente de recherche spirituelle et transcendantale qu'il puisait inlassablement aux sources de la création de l'univers, des religions, de la philosophie, du symbolisme et de l'art.

Patrick Reynolds

Artiste peintre né le 20 juin 1957 au Venezuela , résidant en France depuis 1973, expositions individuelles et collectives dans plussieurs pays: Venezuela, France, Suisse, Italie, Puerto Rico, Belgique,USA,Espagne,Allemagne,Yougoslavie. actuellement vie et travaille à Redon Bretagne.

ALVARO MEJIAS nacio en Valencia, Venezuela, el 20 de junio de 1957. sus primeros pasos en la pintura los realiza en el "taller libre de arte " de El Tigre(Anzoategui). En 1973 viaja a Francia donde hace estudios en la Escuela superior de Bellas artes de Paris.vive y trabaja en Paris hasta 1992 .actualmente reside en la region de la Bretaña   (oeste de Francia).

Avec quelle patience, douceur et simplicité les oiseaux construisent leurs nids… une vraie œuvre d’art. Combien de musiciens et compositeurs ont essayé de traduire en symphonie leurs chants. Quelle merveille la toile d’araignée, les ailes des papillons, les plumages multicolores des oiseaux, les coloris et formes des fleurs… et quoi dire du monde fantastique des océans.

L’art respire dans tout notre univers, on est de simples copieurs de la nature et on a la hardiesse de croire qu’on est des auteurs. On a perdu l’instinct d’observation, l’admiration, sentir, apprécier… être plus proche de l’instinct animal. La femme comme image créatrice, sensuelle, fragile, battante, muse incommensurable de l’artiste. Quel poète n’a pas abandonné son âme pour un regard, un baiser, une simple caresse… devenu ainsi chanson, poème , histoire d’amour.

Alvaro MEJIAS N°17 huile sur toile 92x73 "ingenuidad"

Les artistes Rafael Solbes, Juan Toledo et Manolo Valdés créent à Valence, en 1965, le groupe Equipo Crónica et présentent pour la première fois, la même année, un ensemble d'œuvres collectives au XVIe Salon de la jeune peinture à Paris. Juan Toledo quitte rapidement le groupe, qui ne sera plus constitué que par Manolo Valdés et Rafael Solbes jusqu'en 1981, date de la mort de ce dernier. Fondé sur la base d'un réalisme pictural dialectique, Equipo Crónica entreprend une critique des images de la culture contemporaine. Usant d'un langage proche de celui des affiches de propagande, le groupe provoque la rencontre des arts majeurs (chefs-d'œuvre de l'art) et mineurs (B.D., imagerie populaire). Il dresse parallèlement le procès du franquisme et s'inscrit, comme le peintre espagnol Arroyo, à l'intérieur de la contestation de la dictature. Le traitement que Solbes et Valdés font subir aux images évoque les peintures de quelques-uns des représentants français de la Figuration narrative, tels Aillaud et Recalcati, qu'ils rencontrent à Paris en 1965.

Sérigraphie Collection Privée S. R. O Madrid (Espagne)

Les expertises sont assurées par Marie-Laure de BERROETA ROQUET  au  09 52 17 22 19 e-mail : dmlroquet(at)yahoo.fr

Une rétrospective du peintre s'est tenue à la Chapelle du Carmel exposition muséale sous la conduite de Thierry Saumier conservateur et en accord avec la famille du peintre.

Tous renseignements peuvent être demandés aussi auprès de la famille du peintre sur leur site de l'artiste :  http://www.pierredeberroeta.org 

Actuellement une rétrospective du peintre se tient à la Chapelle du Carmel exposition muséale sous la conduite de Thierry Saumier conservateur et en accord avec la famille du peintre.

Tous renseignements peuvent être demandés aussi auprès de la famille du peintre sur leur site habituel.      

Une formidable aventure esthétique « Considérons d’un œil critique la peinture moderne actuelle. La technique s’épuise. Matisse engendre inlassablement ses odalisques sur riches tapis. Picasso applique sa maîtrise à cent femmes assises, Braque à cent natures mortes, Lhote à cent paysage, Villon aligne ses prismes étincelants. Les jeunes peintres ne font pas un centimètre en avant. Pignon évolue dans le cénacle des femmes assises, Gischia s’y aventure, Fougeron couche les siennes. Chacun s’évertue à tourner et retourner dans sa main un métier qui n’a plus besoin d’autre chose que d’un sujet neuf, propre à utiliser sa richesse (…) »  

Pierre de Berroeta Huile sur toile 100 x 81 de 1968

Claude Maréchal (1925-2009), Les Vibrations de la Couleur
27 septembre 2012 – 23 décembre 2012
Exposition rétrospective Musée des Avelines
Musée d’art et d’Histoire de Saint-Cloud
60 rue Gounot – 92210 Saint-Cloud

01 46 02 67 18

www.musee-saintcloud.fr

Laurent Maréchal fils de l'artiste a créé le site consacré à son père Claude MARECHAL

Du mer. au ven. de 12h à 18h et du sam. au dim de 14h à 18h

Cet automne, du 27 septembre au 23 décembre, le musée des Avelines présente une grande rétrospective consacrée à l’oeuvre subtile et colorée de Claude Maréchal, artiste natif de Saint-Cloud et célèbre pour sa mosaïque monumentale de la gare RER Saint-Michel-Notre-Dame.

Claude Maréchal Le calme en mer huile s/toile 1971- 114 x 146 cm
Collection particulière © Patrick Reynolds / Le Musée Privé
Exposition rétrospective Musée des Avelines Musée d’art et d’Histoire de Saint-Cloud Claude Maréchal (1925-2009), Les Vibrations de la Couleur
27 septembre 2012 – 23 décembre 2012
Reproduit au Catalogue du Musée et du Conseil général

Une odeur venue d'ailleurs.

En franchissant le seuil de l'atelier de Jean-François Guzranyi, une odeur vous invite vers un ailleurs.... partout des références : ethnologique comme ce magnifique masque africain et,  une mémoire d'un passé familial présent par ses objets divers : pendule, vieux bocaux, murs recouverts de souvenirs... Tout autour de l'artiste, des toiles renversées, soigneusement rangées contre les murs. Les fenêtres occultées n'offrent aucune évasion seules, les œuvres en cours, ouvrent l'unique perspective.