Il est particulièrement difficile de définir avec précision ce qu’est la peinture contemporaine. Ce que l'on peut en tout cas dire, c'est que l'art contemporain englobe de manière générale la totalité des œuvres qui ont été produites entre 1945 et nos jours. Cela prend donc en compte tous les styles et toutes les pratiques esthétiques possibles. À ce titre, Denis Laguet est incontestablement un peintre contemporain. À Rennes, une exposition lui est dédiée au Musée des Beaux-Arts. Qui est Denis Laget et que peut-on découvrir de son œuvre à Rennes ? C’est ce que vous allez apprendre de manière plus détaillée dans cet article.

Qui est Denis Laget ?

Jusqu'au 9 février 2020, le musée des Beaux-Arts de Rennes accueille une exposition entièrement dédiée au peintre contemporain Denis Laget. Né en 1958 à Valence, Denis Laget vit et travaille entre Paris et Tressan. Il a également été lauréat de la Villa Médicis à Rome (1989-1990). L'exposition met en lumière cet artiste qui est un grand nom de l'histoire récente de la peinture. Il est question de redécouvrir son œuvre dans son ensemble, mais aussi d'apprécier sa dimension historique ainsi que son évolution. Qui sait, cela vous donnera peut-être envie de faire l’achat d’une peinture contemporaine.

Les sujets chers à Denis Laget sont les sujets classiques que l'on retrouve régulièrement dans l'histoire de la peinture. Des portraits, des natures mortes, des paysages, des fleurs, ou encore des vanités sont ainsi déclinés par séries, le tout dans une atmosphère bien particulière. La peinture contemporaine de Denis Laget permet de transformer un simple bouquet de fleurs en image quelque peu funeste.

Mais la peinture contemporaine de Denis Laget a également quelque chose de très banal, notamment dans le choix des formats, qui sont modestes. Ce qui ressort indéniablement de la peinture contemporaine de l’artiste, c’est la fonction même de la toile, qui est palette avant de devenir tableau. La peinture en elle-même, sa matérialité et l’influence du jeu de lumière sont des éléments chers au cœur de Denis Laget.

Denis Laget
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«Prisonnier»
17 octobre au 30 novembre 2019
Vanities Gallery Paris space https://www.vanitiesgallery.com/
Zhao Yinou, femme artiste vivant à Beijing, présente le résultat d’une réflexion durant 7 ans dans un hôpital psychiatrique à Beijing. L'artiste tente d'entrer dans un monde où l’humain est marginalisé. Dans ce contexte, telle une vision circulaire, ils sont pris au piège de la folie et d’une peine psychologique sans fin, ils ne peuvent ni trouver de sortie pour se libérer, ni changer de chemin, ni se protéger, alors comment définissons-nous le "normal" et “ l’anormal". Existe-t-il un droit de définir "normal" et “l’anormal"? Si les dessins à l'hôpital sont le produit d’un sentiment intuitif, alors la création est le passage de l'artiste dans ces mondes "normaux" et "anormaux". Le monde est rempli d'une atmosphère anxieuse, car chacun est désireux de se libérer de ses propres entraves.

Sortez! disait Nietzsche, dans cette inquiétude existentielle que l’artiste exprime, nous y verrons souvent la collision, la souffrance dans de telles oeuvres! Mais n’est-ce pas le reflet de notre propre enfermement?
Les oeuvres de cette exposition sont principalement composées de matériaux composites à base de bois.
Les artistes aiment créer un moyen de créer des sculptures sur bois invisibles et obstructives. Par leur solidité et leur application, les oeuvres ont davantage d'impact visuel.

Vanities Gallery
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YOYO MAEGHT PRÉSENTE
AKI KURODA EN SON ATELIER
VENDREDI 22, SAMEDI 23 ET DIMANCHE 24 NOVEMBRE 2019 DE 11H À 19H

Pour découvrir les cheminements de la création d'Aki Kuroda,la genèse de son travail, ses influences culturelles entre Japon et France, ses préoccupations artistiques et ses projets.

Une chance unique de pénétrer dans son atelier parisien où seront présentées ses peintures les plus récentes ainsi qu'une sélection d'œuvres sur papier et estampes.
Uniquement sur réservation, en précisant la date choisie, auprès de :
info.akikuroda(at)gmail.com

Adresse de l'atelier communiquée par retour mail après inscription.

AKI KURODA EN SON ATELIER

Haïti -Cuba Outsiders

15 Novembre - 21 Décembre 2019
Chaque Guyodo, Bofil, Crispin, Montebravo, Torres, Sanchez, Peterson, Charles, Romain, Getho, Levy, Lesly

Vernissage le 15 Novembre à partir de 18h

Chaque artiste cubain, à sa manière, nous entraîne dans son quotidien tout en suggérant avec pertinence ses fantasmes dans les scènes les plus familières. Figurative par nature, cette peinture a traversé les siècles, sans jamais se soucier des règles du classicisme ni se départir de cette façon simple et poétique de porter témoignage de son vécu.

Les couleurs utilisées, toujours franches, éclatantes et gaies reflètent parfaitement la luminosité de la Caraïbe et se dressent comme un paravent, occultant les tragédies qui ont profondément marqué les populations antillaises.

Galerie Polysemie
12 rue de la Cathédrale, 13002 Marseille
Mardi au samedi : 10h-12h30 / 14h-18h30
Tél : 04 91 19 80 52
www.polysemie.com
contact(at)polysemie.com

polysemie2019 11

« La peinture, on n'en parle pas, on ne l'analyse pas, on la sent », Bernard Buffet

La galerie Dil installée au 86 rue du Faubourg Saint-Honoré, juste en face du palais de l'Elysée, au cœur du nouveau quartier parisien dédié à l'art, propose des peintures et des dessins d'artistes reconnus du XXe siècle tel que Chagall, Veira da Silva, Vasarely, Mathieu, Lorjou. Elle présente un hommage permanent à Bernard Buffet, l'un des plus célèbres peintres figuratifs français de la deuxième partie du XXe siècle, et à Fernand Léger, l'un des principaux inventeurs du modernisme. La galerie Dil a participé à différents salons comme la Biennale, Art Elysées et salon belge.

Marc Boumendil

Galerie Dil

86 rue du Faubourg Saint-Honoré

75008 Paris

Tél : + 33 (0)1 47 63 06 14

www.galeriedil.com

Bernard Buffet, « Nature morte à la chaise » Huile sur isorel de 1984 Dim. 35 x 27 cm Galerie DIL

Bernard Buffet, « Nature morte à la chaise »
Huile sur isorel de 1984 Dim. 35 x 27 cm

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Arnulf Rainer
Recouvrements
10 octobre – 16 novembre 2019
Au Salon
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h

Dès les années cinquante, Arnulf Rainer s’est manifesté par des gestes radicaux, délibérément anti-académiques, dans un milieu artistique autrichien alors très conservateur. L’un de ces gestes est l’Übermalung, c’est-à-dire le recouvrement énergique, partiel ou total d’une image préexistante.

From the 1950s, Arnulf Rainer was known for his radical, deliberately anti-academic approaches in an Austrian art world that was still very conservative. One of these is Übermalung, or the energetic and partial or total covering of a pre-existing image.

La suite d’oeuvres du milieu des années 70 présentée au Salon de la galerie appartient à cette famille des Übermalungen. Ce sont des photographies, montées sur bois ou sur aluminium, qui ont été recouvertes par l’artiste de peinture noire ; on ne distingue pratiquement plus rien de l’image sous-jacente. La nouvelle forme suscite alors parfois un titre : Crâne, Fruit, Tas, Panneau, Tablier… ou bien Rainer laisse le regardeur en inventer un. Ces petites peintures noires sont chargées d’une puissance émotionnelle et dramatique intense qui évoque une sorte de minimalisme expressionniste dont la devise pourrait être « less is more ».

The set of works from the mid-70s presented in the Salon belong to this family of Übermalungen. They are photographs, mounted on wood or aluminium, which have been covered in black paint by the artist: it is almost impossible to see anything of the underlying image. The new form sometimes inspires a title: Skull, Fruit, Heap, Panel, Apron…or Rainer lets the viewer come up with their own. These small black paintings are charged with an intense dramatic and emotional potential which evokes a sort of expressionist minimalism, the slogan of which could be “less is more”.

Arnulf Rainer Untitled Oil on wood, 1992  49 1/4 x 79 4/4 in
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Pablo Atchugarrry, Georg Baselitz, Lita Cabellut, Alexander Calder, Marc Chagall, Niki de Saint Phalle, Andy Denzler, Jean Dubuffet, Sam Francis, Simon Hantaï, Keith Haring, Hans Hartung, Fernand Léger, Georges Mathieu, A.R. Penck, Pablo Picasso, Marc Sijan, Pierre Soulages, Frank Stella, Manolo Valdés, Tom Wesselmann.


PRACTICAL INFORMATION :

Grand Palais - Avenue Winston Churchill - 75008 Paris
Booth B18

13-17 September 2019
From 11 am to 10 pm (6 pm on September 17)

https://www.operagallery.com

OPERA GALLERY
62 rue du faubourg Saint-Honoré space.png
75008 Paris
France
33 (0)1 42 96 39 00

BENJAMIN SEBBAN GALLERY
à le plaisir de vous inviter à sa nouvelle exposition

Autour d'un Déjeuner...
Hommage à l'Art moderne
Chagall, De Chirico, Derain, Lam, Léger, Moore, Moreau, Picabia, Picasso

Vernissage le 05 Septembre à partir de 17h00.
2 rue saint Georges 1050 Bruxelles

Pour son exposition de rentrée, la galerie Benjamin Sebban présentera des chefs-d’œuvre marqués par l’empreinte indélébile de l’Art moderne. Du symbolisme à la seconde école de Paris en passant par Picasso. D’un nu intimiste, empreint de poésie, signé Edgar Degas aux touches délicates de Gustave Moreau, une place importante sera attribuée aux grands représentants de l’Art moderne, Marc Chagall, Fernand Léger, Wifredo Lam ou encore Henry Moore… Une  huile de Pablo Picasso, Le Déjeuner sur l’Herbe, viendra quant à elle, résumer l’audace, la créativité et la virtuosité d’un des artistes les plus célébrés du XXème siècle. Réalisé en 1961, ce Déjeuner sur l’herbe fait partie d’un corpus de 27 toiles, variations autour de l’oeuvre majeure de Manet. D’une grande sensualité, cette toile est un intime témoignage des préoccupations de son auteur durant une période clé de sa carrière de peintre ainsi que dans sa vie d’homme.

Pablo Picasso (1881-1973) Le déjeuner sur l
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ACTUALITES EVA MARC’H

Après avoir exposé aux DEUX MAGOTS, l’artiste peintre EVA MARC’H, a été sélectionnée pour exposer au prestigieux SALON D’AUTOMNE du 10 octobre au 13 octobre 2019.
Vernissage le mercredi 9 octobre à 18 h.

Rappel historique du SALON D’AUTOMNE :

Salon d’art historique, doté d’une renommée internationale, il s’impose comme le rendez-vous incontournable des artistes d’aujourd’hui, issus des cinq continents.
Créé en 1903, au Petit Palais à Paris, par quelques amis en réaction à l’académisme régnant, le Salon d’Automne s’est imposé comme acteur et témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : Fauvisme, Surréalisme, Cubisme, Art abstrait, Nouvelle Figuration... C’est dans les sous-sols du Petit Palais, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps.

Contact : contact(at)eva-march.com / 06 11 61 24 38
www.eva-march.com

Eva Marc 

Catherine Mathivat Présidente des Deux Magots a le plaisir de vous annoncer le vernissage de l’exposition de EVA MARC’H Artiste Peintre« Regards de femmes » Vernissage et cocktail le mardi 12 mars à partir de 19h00 uniquement sur invitation à demander à l'artiste en adressant un mail à l'artiste
qui vous adressera une invitation : email : contact(at)eva-march.com
L’exposition se poursuivra jusqu’au 22 mars dans ce magnifique lieu emblématique de l'histoire de l'art.

LES DEUX MAGOTS
Café Littéraire
6 place Saint-Germain-des-Prés
75006 PARIS
www.lesdeuxmagots.fr 

http://www.eva-march.com/ 

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Animée depuis sa plus tendre enfance par la création, EVA MARC'H, commence à peindre à l'âge de 19 ans sans aucune formation artistique.

Ses premières peintures ont révélé les qualités d'un don artistique évident, incluant la perspective, la profondeur, l'équilibre, et surtout, la couleur.

Peintre autodidacte pendant dix ans, elle s'adonne à son talent, guidée par l'expression de son inconscient pour ses nombreuses créations.

A partir de 2000 pendant 7 ans, elle poursuit assidument des études d'art dont notamment aux ateliers des Beaux-Arts de Paris, où elle apprend le dessin et expérimente les nombreuses techniques picturales pour améliorer ses œuvres.

Eva MARC'H engage dans la peinture une réelle énergie qui se manifeste dans son travail avec une vitalité singulière. Son « don de la couleur » lui permet de transcrire ses émotions sur la toile, de manière spontanée et immédiate, sans retenue ni calcul révélant ainsi une capacité de création sans limite.

Ses débuts sont marqués par un style figuratif, toujours centré sur la couleur, en correspondance avec la réalité observée, revisitée par la vision du monde intérieur de l'artiste.

Eva Marc
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PAINTING BELGIUM
Abstraction in Peace Time (1945-1975)

44 Belgian painters of the Abstraction, from Alechinsky to Wyckaert
-
Opening on Thursday 05 September, 5 to 9pm
during the Brussels Gallery Weekend
(September 05 - 08, 2019 / extended opening hours 11am to 7pm)

Exhibition from 06 September to 07 December 2019

The upcoming exhibition presented at La Patinoire Royale | Galerie Valérie Bach in Brussels, and curated by Serge Goyens de Heusch, show an exceptional overview of the Belgian Abstraction between 1945 and 1975.

The last large-scale exhibition devoted to this Abstraction in the Belgian painting was carried out in 1985 at the Centre Culturel du Botanique in Brussels, it was important to improve knowledge regarding the Belgian Abstraction.

For the very first time in nearly forty years, rich and qualitative collection of this period and this expression has been gathered, showing 44 artists and more than 250 paintings.

La Patinoire Royale - Galerie Valérie Bach · 15 RUE VEYDT · Brussels 1060 · Belgium
32 2 533 03 90
www.prvbgallery.com 
contact(at)prvbgallery.com
La Patinoire Royale / Galerie Valérie Bach <info(at)galerievaleriebach.com>;

Maurice Wyckaert, La clé des songes, 1975 - Oil on canvas - 165 x 200 cm

Jean Tinguely

BRICOLAGES & DÉBRI(S)COLLAGES
Exposition du 13 septembre au 20 octobre 2019
Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois
33-36, rue de Seine
75006 Paris
T.+33(0)1 46 34 61 07
www.galerie-vallois.com 
info(at)galerie-vallois.com

Du 13 septembre au 20 octobre 2019, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois rend hommage au génie créateur de Jean Tinguely, artiste majeur du 20e siècle, en présentant un ensemble exceptionnel de sculptures animées ou lumineuses, réalisées dans les années 70.
Après avoir dévoilé les Méta Reliefs et Méta Matics des années 50 en 2012, puis une sélection rare des sculptures dite de « la période des fous » des années 60 en 2016, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’intéresse aux travaux des années 70, décennie qui a vu exploser la couleur, la fantaisie, les projets fous comme le Cyclop de Milly-la-forêt, les processions de carnaval et tant encore.

Jean Tinguely Hommage a Dada – Max 1974 Éléments en métal, taille-haies électrique, plumes 105 x 44 x 31 cm Pièce unique © André Morin Courtesy NCAF et Galerie GP &amp; N Vallois, Paris

Jean Tinguely Hommage a Dada – Max
1974 Éléments en métal, taille-haies électrique, plumes
105 x 44 x 31 cm
Pièce unique © André Morin
Courtesy NCAF et Galerie GP & N Vallois, Paris

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5e édition | Dimanche 15 septembre 2019
100 galeries d’art | 350 artistes | 40 événements
Entrée libre et gratuite
Pour sa 5e édition, « Un Dimanche à la Galerie » invite amateurs d’art, curieux et flâneurs à pousser les portes des galeries, le dimanche 15 septembre 2019. Organisé chaque année par le Comité Professionnel des Galeries d’Art, ce rendez-vous convivial est une occasion exceptionnelle de profiter, tout un dimanche, d’un parcours artistique unique dans les galeries d’art implantées partout en France. Durant toute une journée, plus d’une centaine de galeries proposeront aux visiteurs des événements inédits. Au programme : une promenade dominicale rythmée de rencontres avec les artistes, expositions, visites guidées, brunchs, goûters, performances, lectures, signatures d’ouvrages, conférences, …
Un parcours reliant plus de 100 galeries partout en France et de nombreux temps de rencontres.
Manifestation dédiée à la création artistique et au public, cette journée est l'opportunité de révéler au plus grand nombre la richesse et la diversité des galeries. Désormais inscrit dans l’agenda culturel des Parisiens, « Un Dimanche à la Galerie » attire chaque année un peu plus de 10 000 visiteurs dans toute la capitale et en zone limitrophe, de Belleville à Saint-Germain-des-Prés, en passant par le Marais et au-delà. Cette année, la manifestation s’étend en région avec des premières participations sur tout le territoire, comme par exemple la Galerie Oniris à Rennes. C’est donc tous les Français qui sont conviés, pour cette 5e édition, à porter un nouveau regard sur les galeries d’art.
Une programmation artistique éclectique placée sous le signe de la convivialité
Un Dimanche à la Galerie comite des galeries d
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La galerie Bessières présente

À l'occasion du Solo Show de Stephen Ormandy, une performance sera réalisée le dimanche 23 Juin à 17h,

par Valérie Petit Jeuffroy, danseuse contemporaine et pédagogue, formée à la musique classique et aux arts plastiques.

“Stephen Ormandy  - Les formes sont des couleurs”

Du 16 mai 2019 au 30 juin 2019

Galerie Bessières
Ile des Impressionnistes
3 rue du Bac Hameau Fournaise - 78400 Chatou
Jeudi de 14h à 18h
Vendredi et samedi de 14h à 19h
Dimanche de 15h30 à 19h
+33 (0)6.75.62.83.33 / galerie(at)bessieres-art-contemporain.com
www.bessieres-art-contemporain.com 
Stephen Ormandy Designer Chair 200x168cm oil
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Chuang Che (1934 Pékin)
Suspendre l’Éphémère

Vernissage Jeudi 16 mai à partir de 17h
16 mai - 26 juin, 2019
Galerie Sabine Vazieux
5 bis rue du Louvre,
75001 Paris
mardi-samedi 12 - 19h

Chuang Che grandit au sein d’une famille de lettrés. Son père, calligraphe de renom, est aussi vice-directeur du musée de la cité interdite. En 1948, il participe activement au convoyage des oeuvres du musée vers Taipei. Chuang Che a 13 ans quand il assiste à cette formidable épopée. Tout au long de son oeuvre, la peinture traditionnelle chinoise restera une source d’inspiration inépuisable. Dès 1954,
Chuang Che intègre le département des Beaux-Arts de l’université normale provinciale de Taïwan, où il rencontre Chu Teh-Chun, qui y enseigne.

Chuang Che comes from a family of scholars. His father was a well-known calligrapher and curator of the Palace Museum in Beijing. In 1948, he played an active role in the transfer of the Palace Museum’s works to Taipei. Chuang Che was fourteen when this important event took place.
Throughout his career, traditional Chinese painting has remained an inexhaustible source of inspiration. In 1954, Chuang Che entered the
department of Fine Arts at the Taiwan Provincial Normal University, where he met Chu Teh-Chun, who was a teacher there.

Chuang Che, The Great Rule, 1989, huile et acrylique sur toile, signé et daté, 133 x 175 cm
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La galerie les Yeux Fertiles a le plaisir de vous inviter à découvrir
Jean-Pierre Vielfaure 1930 – 2015
EXPOSITION 19 AVRIL - 18 MAI

GALERIE  LES  YEUX  FERTILES
27 rue de Seine 75006 Paris  -  
+ 33(0)1 43 26 27 91 
http://www.galerie-lesyeuxfertiles.com/

contact(at)galerie-lesyeuxfertiles.com
du mardi au vendredi de  14h à 19h  
le samedi de 11h à 13h et de 14h à 19h

Jean-Pierre Vielfaure     
(1930 Alger - 2015 Ivry)
Son père libraire, papetier et imprimeur, et sa mère musicienne lui transmettront le gout pour l'impression, le livre, la lecture, l'écriture et le dessin.
La famille quitte l'Algérie en 1938 pour Rodez où Jean-Pierre commence à dessiner en autodidacte.

Première exposition, des dessins sur le thème des Paysages du Rouergue, en 1950 à Rodez. De ces années aveyronnaises, notre artiste se souvient de ses admirations pour Max Ernst, Robert Motherwell et Gustav Klimt, de ses rencontres avec Pierre Soulages.
En 1952, il s'installe à Paris entre Éméville (Oise) et Montparnasse.

Jean-Pierre Vielfaure Il n’est pas seul dans la pièce, 1969, 81x60cm      Huile sur toile et collages. Signée et datée en bas à gauche Signée datée titrée située au dos, 5 08 77 Paris
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CALIFORNIA DREAM
JEFF DIVINE & FRANCOIS FONTAINE photographies
Two Visions in Surf Photography
May 9th - June 8th
July 1st - July 31st

A.Galerie
4 rue Léonce Reynaud  
75116 Paris
+33 6 20 85 85 85  www.a-galerie.fr   - @AGalerieParis

Biographie California Dream : Jeff Divine - François Fontaine

JEFF DIVINE
Jeff Divine est né en 1950 à San Diego et a grandi à La Jolla en Californie. Passionné de surf, il commence à prendre ses premières photos de surfers dans les années 60. En 1971 « Surfer Magazine» l’engage et l’envoie dans le monde entier couvrir les meilleurs spots de surf. Il restera photographe 35 ans pour « Surfer Magazine » et le « Surfer’s Journal ». Jeff Divine possède aujourd’hui l’une des plus grandes collections de photographies de surf de 1970 à 2009.

Hollister Ranch, Santa Barbara, Calif 1972 by Jeff Divine
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American Modernism 1915 - 1985
May 1 - June 28, 2019

GRAHAM SHAY 1857, INC.
34 East 67th Street, Fl. 3
New York, NY 10065  
212.535.5767
www.grahamshay.com

“American Modernism, 1915 - 1985,” framing numerous pivotal moments in American art, when tastes shifted from representational art to gestural then geometric abstraction and beyond. The exhibition features selections that are as diverse as America itself.

Covering the greater part of the twentieth century, the exhibit highlights examples from some of the century’s most respected artists. Broadly speaking, the works in this exhibition can be divided into two groups: representational and abstract. Works that disparate in style, however, can offer surprising similarities. A traditional scene of a house on a hillside by Bertram Hartman is dramatically different than Sewell Sillman’s pared-down minimalist canvas, whose title, The Palace (Version 2), merely suggests an edifice. Similarly, Benedict Tatti’s roughly hewn marble Head of 1960 is far more literal than Kimber Smith’s abstract painting Face with Pink Background of 1980, which requires a leap of imagination to discern facial features. And while Walt Kuhn’s Young Woman with Crown and Cornucopia of 1937 seems to have nothing in common with an untitled abstract painting from 1956 by Theodore Stamos, both works share a concern with color, form, and a figure/ground relationship.

The selected works include paintings, watercolors, and drawings, and, as the Gallery is known for specializing in sculpture, we are presenting examples
in a variety of styles and materials, including cast bronze, carved stone and fabricated objects.

Ralph De Burgos, The Eyes Have It, 1972, Acrylic on canvas, 36 H. x 36 W. inches
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Vernissage de l'exposition "BRUTS et RAFFINES" le jeudi 16 mai 2019

Dans le cadre de sa promotion de l'art Outsider aux côtés de l'abstraction, son orientation "historique", la galerie vous propose de réserver la date du jeudi 16 mai pour le vernissage de l'exposition "Bruts et raffinés".

Cette manifestation sera l'occasion de découvrir, aux côtés d' artistes outsider qui sont déjà des "classiques", tels Jacqueline B., Augustin Lesage, Philippe Dereux, ou Yolande Fièvre, des artistes plus confidentiels ou plus récents, d'André Robillard à Antonio Saint-Silvestre, en passant par François Jauvion ou Gaël Dufrêne.

Dubuffet a affirmé que les artistes "outsider" (même si le nom n'existait pas à son époque, évidemment), en échappant à la "culture" des mouvements établis, étaient les dépositaires de la véritable innovation qui est l'essence du travail artistique. Nous vous invitons à juger par vous-même !

Galerie Hervé Courtaigne 53 rue de Seine 75 006 Paris, contact(at)hervecourtaigne.com / www.hervecourtaigne.com   / 01 56 24 23 00

Galerie Hervé Courtaigne exposition BRUTS et RAFFINES

OSE

OXYDE
Exposition personnelle
Du samedi 11 Mai au samedi 8 Juin 2019
Vernissage le vendredi 10 Mai à partir de 18h30 et en présence de l'artiste

Galerie Nicolas-Xavier
2 bis, rue Glaize - Place des Musées
34000, Montpellier

Pour toutes informations :
04 99 65 43 94
06 99 23 10 73
contact(at)galerienicolasxavier.com

http://www.galerienicolasxavier.com/

En ce début d'été, la Galerie Nicolas-Xavier vous invite à partager l'univers très singulier de l'artiste Ose à l'occasion de sa première exposition personnelle en ces lieux. Découvrez le pochoir, une technique urbaine développée par cet artiste avec une précision et une délicatesse exceptionnelle. Immiscez-vous dans les paysages oniriques et nostalgiques, croisez le regard authentique de personnes immortalisées dans le métal oxydé.

La Galerie Nicolas-Xavier expose OSE
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Galerie de la Béraudière is pleased to invite you to
ANN RAY
GRAVITAS
LEE ALEXANDER MCQUEEN BY ANN RAY
EXHIBITION
APRIL 25 - JULY 12, 2019
-
EXCEPTIONALLY OPEN ON SATURDAY APRIL 27 & SUNDAY APRIL 28
FROM 11 AM TO 6 PM

GALERIE DE LA BÉRAUDIÈRE
6 rue Jacques Jordaens – Jakob Jordaensstraat 6, B-1000 Brussels.
Monday - Friday: 10 AM - 6 PM

Tel: +32 2 646 92 15
galerie(at)delaberaudiere.com
www.delaberaudiere.com 

Ann RAY, Secret interrupted, 2010. Gelatin silver print, 60 x 50 cm. © Ann Ray &amp; Galerie de la Béraudière.
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Philip Martin Gallery presents a solo exhibition of new paintings by Holly Coulis.

There will be a reception for the artist Saturday, May 4 from 6-8pm.
May 4 - July 6, 2019

www.philipmartingallery.com

Holly Coulis’s paintings operate as stages where still life scenes unfold. A table, or tables, create an initial structure where simplified, geometric forms are arranged and interact. There is a sense of order in these scenes as though the fruits and dishes had been laid out by some external force. Through layers of paint, linear elements are created, giving the illusion of colorful stripes or energy fields around individual objects. These works feel familiar, but upend our sense of figure/ground, horizon-line, perspective, and scale. In these newest paintings, the still life begins to verge into abstraction.

Coulis works from a visual vocabulary built up over years of practice, and the sense of discovery and newness in her works occurs as she continues to explore her own paintings and their possibilities: “I rarely look at a scene. It’s more about shapes of things I know. Things like oranges, lemons, cherries: they’re all very easy shapes.” Standing in front of her works, we are immediately involved in a scene of pleasure and abundance, surprise and stimulation - a stimulation that is physical, intellectual and aesthetic.

Holly Coulis, Orange Column, Bottle, and Knife (2018). Image courtesy of the artist and Philip Martin Gallery, Los Angeles.
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Exposition du 5 avril 2019 au 11 mai 2019
Vernissage le 4 avril 2019 à partir de 18h
Galerie Laurent Strouk, 2 avenue Matignon 75008 Paris
Tel. : 01 40 46 89 06 email : galerie(at)laurentstrouk.com
http://www.laurentstrouk.com/ 

Ici, en 2019, dans la Galerie Laurent Strouk, Antonio Seguí propose des surfaces rondes et carrées, des tableaux colorés, vifs, allègres et des teintes intenses surprennantes.
Toutes les oeuvres carrées sont peintes en une technique mixte sur toile. Les autres oeuvres sont rondes ; les tondos sont peints à l’acrylique sur bois découpé.
En 2019, les surfaces rondes et carrées de Seguí se retrouvent. Les cercles mettent en évidence le Soleil et la Lune. Les mystiques représentent souvent Dieu comme un cercle dont le centre se trouve partout, la circonférence nulle part et qui fait preuve d’une perfection inaccessible à l’humain. Le cercle ne connaît ni début ni fin, ni direction, ni orientation.
Le contraire symbolique du cercle serait le carré qui représente le monde terrestre, humain et matériel. Le carré permet aux humains de s’orienter dans l’espace. Le carré établit un système de coordonnées ; il impose une structure au chaos...
En 2017 et 2018, Antonio Seguí travaille sur une étrange garde-robe circulaire. Une armoire dans laquelle on aurait rangé des robes, des vestes et des pantalons masculins, des sous-vêtements de femmes et d’hommes, des chapeaux.

Antonio Segui
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" Le temps de s'en apercevoir ", le titre du livre de Emmanuel de Waresquiel, prix littéraire 2019 du café Les Deux Magots, pourrait bien être la devise du café le plus emblématique de Paris. S'apercevoir de quoi ? Que la littérature et Les Deux Magots ont une histoire non pas parallèle, mais une histoire commune, liée l'une à l'autre, voire imbriquée l'une dans l'autre, le célèbre café s'identifiant comme le lieu de l'avant-garde des mouvements intellectuels .

Premiers clients que la littérature a retenus, Verlaine et Rimbaud s'y croisent, échangent regards et mots et s'y attablent .
 Les surréalistes emmenés par André Breton, y établissent leur quartier dans les années 20 ; refusant le conformisme du Prix Goncourt, ils décident, en 1933, de créer un nouveau prix littéraire « Le prix des Deux Magots » qu'ils décernent à un jeune inconnu, Raymond Queneau pour son livre " Le chiendent ".
 Intellectuels et artistes, révoltés, révolutionnaires ou anticonformistes les rejoignent pour témoigner de leur refus de l'académisme; Les Deux Magots peut s'enorgueillir d'accueillir à la fois Picasso et Fernand Léger, Prévert, Gide et Aragon, mais aussi l'auteur américain le plus amoureux de Paris et ses cafés, Hemingway qui immortalise cette atmosphère si particulière du Quartier latin dans " Paris est une fête ".
 Après guerre, c'est la grande époque du couple Sartre-Beauvoir dont les débats avec leurs amis existentialistes enflamment les nuits de Saint-Germain des Prés .

 Prémonitoire, Baudelaire écrivait : " La vie parisienne est féconde en sujets poétiques et merveilleux. Le merveilleux nous enveloppe et nous abreuve comme l'atmosphère ; mais nous ne le voyons pas." Ainsi, Les Deux Magots est devenu LE café des intellectuels et de ceux, et ils sont nombreux, qui souhaitent les voir, les écouter et leur parler.
" Le temps de s'en apercevoir ", un mythe est né.

Francoise Forgerit

Les Deux Magots &amp; SENS communication

LA RECHERCHE DU RAYON VERT SOLO SHOW D'ALLAN VILLAVICENCIO
Commissariat : Anaïs Lepage

Vernissage jeudi 04 avril 18h00 - 21h00 en présence de l'artiste
Opening on Thursday April 4th, 6 - 9 pm the artist will be there

Exposition présentée du 05 avril au 25 mai 2019
From April 5th to May 25th 2019
MAËLLE GALERIE
1 - 3 rue Ramponeau 75020 Paris
Métro Belleville - sortie Boulevard de Belleville
http://www.maellegalerie.com/ 
contact(at)maellegalerie.com
+ 33 (0) 6 14 80 42 00
LA MAËLLE GALERIE EST MEMBRE DU GRAND BELLEVILLE
LA MAËLLE GALERIE EST MEMBRE DU COMITÉ PROFESSIONNEL DES GALERIES D'ART

Allan Villavicencio Maelle galerie
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JULIA JAECKIN
EXPOSITION DU 4 AVRIL AU 11 MAI 2019
VERNISSAGE LE JEUDI 4 AVRIL 2019 DE 18H A 21H
M O R O C C O

Galerie Just Jaeckin
19 Rue Guénégaud, 75006 Paris
Téléphone : 01 43 26 73 65
galeriejaeckin(at)gmail.com
hello(at)galerie-jaeckin.com
www.galerie-jaeckin.com 

« Ce que j’aime dans la photographie, c’est pouvoir capter l’espace d’un court instant un regard, une émotion. La femme est ma muse que ça soit dans le domaine du portrait ou de la mode. M’étant toujours inspirée du travail de mon père arrivant à capturer le sourire dans les yeux de ses modèles, je m’efforce à réussir cette quête du bonheur, la mettant en honneur dans l’image. J’aime travailler à l’argentique, apportant un grain et un contraste spécial à mes photos.
Je compte réaliser plus tard une série de nus artistiques, peints de paillettes apportant une ambiance cosmique en accord avec des jeux de lumières claires obscurs afin d’apprivoiser la beauté du corps féminin, sans tomber dans la vulgarité. Cette série sera poétique et entremêlera sensualité et odes à la femme, inspirée du travail de mes parents. Je sais aujourd’hui dans quel esprit et forme de photographie je veux m’engager, une base classique dont le cadrage et la lumière sont mes critères de création que je vais développer et personnaliser. »
Julia Jaeckin

 

Aït Sous, 2018 dim 80 x 110 cm  Numérique Edition 2/8 + 2 EA © Julia Jaeckin
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LE JEUDI 21 MARS 2019
SIMON LHOPITEAU serait très heureux de vous recevoir pour le
VERNISSAGE de son "EXPOSITION DE PRINTEMPS"  
de 17h à 22h (cocktail à 19h)

Edgard PILLET (1912-1996)
Peintures et Creusets 1950-1960

EXPOSITION du 22 mars au 27 avril 2019
du mardi au samedi, de 14h30 à 19h.

SIMON LHOPITEAU
Docteur en Histoire de l'Art.
Expert affilié CNE (Compagnie Nationale des Experts)

GALERIE ORSAY PARIS
Peintures, Sculptures, Dessins, Gravures XIXe XXe
58, rue de L'UNIVERSITE.
75007 Paris - France.

Tél :    00 33 (0)1 42 84 23 86
Port :  00 33 (0)6 18 03 74 92
Mail :  simon.lhopiteau(at)galerieorsayparis.fr
Site  :  www.galerieorsayparis.fr


Galerie Orsay Paris
58, rue de l'Université
Paris 75007
France

Edgard PILLET (1912-1996) « ROMUS », Creuset c. 1962 Résine, peinture et sable. 115 x 86 cm - Signé en bas à droite : « Pillet »
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MAO LIZI « BEYOND COLOR »
EXPOSITION DU 21 MARS AU 25 MAI 2019
Galerie A&R Fleury
36 avenue Matignon
75008 Paris
www.arfleury.com 
 
Du 21 mars au 25 mai 2019, la Galerie A&R Fleury présente « Beyond color », une exposition monographique consacrée à l’un des membres fondateurs du Groupe des Étoiles, le peintre chinois Mao Lizi. Dans son nouvel espace avenue Matignon inauguré en octobre dernier, la Galerie A&R Fleury rassemble une trentaine d’œuvres inédites en France de cet artiste d’avant-garde. L’occasion pour le public de s’immerger dans l’œuvre sensible et onirique du peintre chinois dont le travail n’a pas été exposé en France depuis 1990. 

Abandonnant l’hyperréalisme de ses débuts, l’œuvre récente de Mao Lizi s’apprécie dans son rapport physique à la matière. La toile impose son rythme entre la nudité de la trame, laissée apparente, et les coups de brosses rapides et puissants. Le geste rythmé et décidé de l’artiste comme l’huile explosée sur la toile, conduisent alors à une évocation sensible d’une nature originelle. « Avant de laisser tomber les gouttes de peinture sur la toile, je pense soigneusement à la structure de l’œuvre. Dans une certaine mesure, pourtant, le résultat final m’échappe. Il subsiste de nombreuses incertitudes qui sont autant de nouvelles possibilités et de chemins à explorer », commente Mao Lizi.

MAO LIZI AMBIGUOUS FLOWER SERIES 2017 Huile sur toile 130 x 97 cm © A&amp;R Fleury, Paris
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La galerie Arnoux fête ses 33 ans avec une exposition originale
d'oeuvres inédites, jamais exposées à la galerie,d'artistes importants appartenant
aux avant-gardes abstraites de l'Ecole de Paris

« Œuvres inédites »
Vernissages Jeudi 14 mars de 17 à 19 h 30
Samedi 16 mars de 15 à 19 h 30
Jusqu’au 23 avril

Galerie Arnoux
Abstraits des années 50
Artistes contemporains
27 rue Guénégaud - 75006 Paris
+33 (0)1 46 33 04 66
mardi - samedi 11-13h / 14-19h
parking rue Mazarine (50 m)
https://www.galeriearnoux.fr/ 
?Liens utiles :
- Art Saint-Germain-des-Prés
www.artsaintgermaindespres.com 

- Comité Professionnel des Galeries d’Art
www.comitedesgaleriesdart.com 

Galerie Arnoux
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Hanns Schimansky
L’Espace de la ligne
16 février - 4 mai 2019
Jeanne Bucher Jaeger | Paris, Marais
5 rue de Saintonge 75003 Paris
Tel : +33 1 42 72 60 42
www.jeannebucherjaeger.com 

Vernissage le samedi 16 février, 15h-19h

Les partitions mélodiques et rythmiques des dessins de Hanns Schimansky ne sont pas des abstractions, ni la manifestation « captée » par l’oeil des
existences qui nous entourent, mais des expressions sismiques de l’être.
Un « Dasein » respirant, fragile, tremblant et éternel devenu libre en échappant aux lois parle à travers la main de Schimansky, comme le jazz sous sa forme extrême, l’improvisation, comme une musique composée dans l’instant.
Eugen Blume
Quel est le Sens ? Extrait du texte écrit pour l’exposition HANNS SCHIMANSKY,
mikrokanonisches Orchester, Leonhardi-Museum Dresde, 2014

Hanns Schimansky Sans titre, 2018 Encre et gouache sur papier plié 40,5 x 48 cm  Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris

Hanns Schimansky Sans titre, 2018
Encre et gouache sur papier plié 40,5 x 48 cm
Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris

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Jean-Baptiste Huynh
WOMAN Portrait de la beauté
18 février – 11 mai 2019
18 February – 11 May 2017
Ouverture lundi 18 février de 14h à 18h
The gallery will be opened Monday 18 February from 2 – 6pm
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com   
+ 33 1 45 63 13 19  
www.galerie-lelong.com

WOMAN, projet artistique de Jean-Baptiste Huynh mené de 2018 à 2020, met en lumière la beauté du visage de la femme. Le portrait est au cœur de l'œuvre de Jean-Baptiste Huynh depuis 25 ans. WOMAN s'inscrit dans la continuité de l'étude qu'il a réalisée sur le visage à travers les âges et les grands ensembles culturels, de 1996 à aujourd'hui (Chine, Corée du Sud, Ethiopie, Inde, Iran, Japon, Kazakhstan, Mali, Ouzbékistan, Pérou, Vietnam...).
 
Du 18 février au 11 mai 2019, la Galerie Lelong & Co. invite Jean-Baptiste Huynh à présenter WOMAN - Portait de la beauté, une série de photographies pour la plupart inédites dans son espace avenue Matignon. « Etant artiste visuel, photographe, c'est naturellement par le regard, par l'interprétation du réel grâce à la lumière que j'explore la question de la beauté. Elle nourrit mon travail depuis ses fondements il y a trente ans et est aujourd'hui le sujet même de l'étude photographique que je mène sur la beauté du visage de la femme dans son universalité, son authenticité et son intemporalité à travers le monde. Comment sublimer ce qui est beau ? Comment sublimer ce qui ne l'est pas ? Pourquoi ? Et la beauté, la laideur, existent elles en soi ? Parallèlement, je réalise une série d'interviews auprès de personnalités d'horizons variés - actrice, neuroscientifique, poète, musicien, grand couturier, architecte, galeriste, grand collectionneur, modèle - auxquelles je demande : Qu'est-ce que la beauté ? – Qu'est ce que la beauté représentée par l'artiste ? » Jean-Baptiste Huynh.

Jean-Baptiste Huynh Woman - Ethiopia 1, 2018.  Tirage baryté jet d

Jean-Baptiste Huynh Woman - Ethiopia 1, 2018.
Tirage baryté jet d'encre 5 exemplaires. 180 x 180 cm
Woman - Ethiopia 1, 2018,
inkjet on Baryta paper, 180 x 180 cm, edition of 5
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Exposition Jean DEWASNE du 11/01 au 02/03/2019
Galerie ANTOINE LAURENTIN
23 quai Voltaire - 75007 Paris
Tel : +33 (0)1 42 97 43 42 / e-mail : contact(at)galerie-laurentin.com
site web : www.galerie-laurentin.com

RYTHME & COULEUR

Remerciements
Je tiens à remercier tout particulièrement, Monsieur Gérard Galby, ainsi que : Madame Celia de Boisanger, Monsieur Bruno Graziani, Monsieur et Madame Alain Jouquey, Mademoiselle Carole Joyau, Madame Philippe Maréchaux, Madame Elisabeth Maréchaux-Laurentin.
Je tiens également à remercier mes restaurateurs, encadreurs pour leur efficacité.
Je souhaite enfin remercier Madame Caroline Jouquey-Graziani pour la conception et la mise en page du catalogue.
Antoine Laurentin

Introduction
Jean Dewasne choisit l’abstraction comme langage.
Il est le premier lauréat du Prix Kandinsky avec Jean Deyrolle en 1946, année de la création du salon des Réalités Nouvelles, vitrine de l’art concret et de l’abstraction géométrique dont il revendique l’héritage à la suite de Herbin qui le fait entrer au comité. Lors de ces années pionnières, il participe aux expositions de groupe autour des tendances de l’art abstrait à la galerie Denise René, dont il devient un des artistes « phares ». Au début des années cinquante il contribue à l’essor de l’abstraction en Scandinavie et en Belgique et bénéficie d’une forte audience au Danemark en analysant les problèmes de l’art abstrait dont il affirme sans ambiguïté qu’il s’agit d’« une éthique, un mode de vie qui s’adapte ». En 1949 avec son «Traité de la peinture plane» (publié en 1972) il pose les assises de l’art d’avant-garde dont son Atelier d’art abstrait fondé en 1950 avec Edgard Pillet, lieu d’enseignement et de réflexion sur l’art abstrait ne désemplit pas et devient le laboratoire qui suscite de vives réactions notamment le pamphlet de Charles Estienne « L’art abstrait est-il un académisme ? » auquel Léon Degand répond par un autre texte «L’épouvantail de l’académisme abstrait». Le décor est planté.

Jean DEWASNE Magic circus, circa 1972 laque sur panneau, signé et titré au dos/laque on panel, signed and titled on reverse 50 x 65 cm © Adagp, Paris 2018

Jean DEWASNE Magic circus, circa 1972
laque sur panneau, signé et titré au dos
laque on panel, signed and titled on reverse 50 x 65 cm
© Adagp, Paris 2018
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Huxley-Parlour Gallery
3-5 Swallow Street, London, W1B 4DE / gallery(at)huxleyparlour.com

This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia
in the work of Miles Aldridge and Todd Hido

15 November - 15 December 2018

A new exhibition, This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia in the Work of Miles Aldridge and Todd Hido will present twenty large-scale colour works, demonstrating how these two contemporary artists investigate the concept of suburbia.

Though works by Aldridge and Hido are visually dissimilar, both artists are recognisable for their distinctive cinematic colour palettes, lighting and compositions, and the suggestion of narrative possibilities beyond the edge of the Todd Hido, #2154-a, 1998 frame. Whereas Hido presents a shadowy, empty, exterior suburban world, Aldridge presents the viewer with brightly lit, garish interiors, focusing on the imagined lives of the women who inhabit them.

Hido’s works in the exhibition are from his ongoing Houses at Night series, depicting isolated suburban homes in America, photographed at night, replete with voyeuristic undertones and implied narrative. Hido’s work is concerned with themes of urban isolation and interior lives, lived separately from outward appearances. His compositions are often bereft of human presence, although a singular lit window or an empty car become signifiers of stories left untold.

Chromo Thriller #3, 2012 © Miles Aldridge courtesy Huxley-Parlour Gallery
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Jean-Claude MEYNARD
Chants Fractals
Vernissage jeudi 22 novembre 2018 | 18h - 21h
Exposition | 23 novembre - 12 janvier 2019
Galerie Lélia Mordoch
50 rue Mazarine, 75006, Paris. | Maps
+33(0)1 53 10 88 52   
lelia.mordoch.galerie(at)wanadoo.fr

www.leliamordoch.com
N'avez-vous jamais rêvé d'une œuvre totale, délice de tous les sens ?
À notre époque où l'ensemble des connaissances humaines est disponible d'un simple clic sur le net, Jean-Claude Meynard innove en nous offrant ses Chants Fractals. L'image se crée en musique en hommage à Mozart, Bach, Bartok et Debussy.
On peut voir sur le tableau s'inscrire en animal les notes qui forment les trois premières mesures des partitions. L'homme fractal est le motif de ces compositions picturales où il se métamorphose en perroquet, en coq, en grenouille... en papillon. De métamorphose en assemblage, d'algorithme en algorithme, l'homme devient animal et note de musique, écho de son livre « L'Animal fractal que je suis » paru aux éditions Connaissances et Savoirs que vous pourrez découvrir à l'occasion de cette exposition.

Jean-Claude MEYNARD, Duo fractal - Papageno Papagena, 2018 - Impression numérique quadri sur plexiglas -  65 x 50 cm
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VaRiéTé MoDerNe
BENJAMIN SEBBAN GALLERY
2b  rue Saint Georges
1050 Brussels, Belgium​
https://www.benjaminsebban.com/ 
​contact(at)benjaminsebban.com
Open Wed-Sat 11am-6pm
Tel +33 (0) 787 400 500 / +32 (0) 498 425 997

VERNISSAGE & COCKTAIL  Jeudi  25 Octobre 2018 , 18h-20h

La Galerie est fière d' organiser à l'occasion de ses 1 an en Belgique une grande exposition d'art Moderne .

Encore une fois nous nous surpassons afin d' offrir à nos collectionneurs une sélection d' oeuvres de très grande qualité sous le titre "Variété Moderne". Nous présenterons des artistes ayant fait l'histoire du 20 éme siècle; De Klimt à Sam Francis en passant par Fernand Leger, Marc Chagall, Alexander Calder, Giorgio De Chirico, Max Ernst, Alberto Giacometti, Marino Marini ou encore un fidele de la galerie Francis Picabia. Également, à cette occasion, nous exposerons une oeuvre spectaculaire d' un artiste Belge que nous aimons particulièrement, Henri Michaux, une encre du plus grand format qu'il ai réalisé... Et enfin, pour sublimer notre accrochage, Jean Dubuffet, une oeuvre très importante  de la serie des "Site".

...Rendez-vous le Jeudi 25 Octobre 2018 pour le Vernissage.

Marc Chagall (1887-1985) Bénédiction du couple 1980/82 

Marc Chagall (1887-1985)
"Bénédiction du couple" 1980/82

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L’artiste Claudine Drai, invitée de la Maison Guerlain
« L’âme du temps »
Exposition du 13 novembre 2018 au 6 janvier 2019
Maison Guerlain
68 avenue des Champs-Élysées, Paris 8e

Depuis déjà  douze années, la Maison Guerlain accueille dans sa célèbre maison des Champs-Elysées des expositions d'art contemporain. Après avoir présenté de nombreux artistes dont Niki de Saint Phalle, Sarah Moon ou encore Chiharu Shiota, la Maison Guerlain, qui célèbre cette année 190 ans d'histoire et de création sans jamais cesser d'être actuels, confie ses espaces à l'artiste Claudine Drai du 13 novembre 2018 au 6 janvier 2019.

« Avec le parfum, nous pénétrons le monde autrement que par le regard, par sa respiration », écrit Claudine Drai. Le parfum occupe depuis longtemps une place centrale dans l'oeuvre de l'artiste. En 1994, elle entreprend ses premières recherches sur les émotions et l'imaginaire du parfum, se consacre à l'écriture de textes et à l'intégration de l'olfaction dans ses créations qu'elle poursuit encore aujourd'hui. Peu à peu, Claudine Drai ressent que le parfum peut susciter des émotions proches de son oeuvre : « A travers le parfum, je sentais l'abîme, la structure de l'espace, la texture de la lumière, la façon dont le temps se rapprochait ou s'éloignait, et puis tous ces silences... » Lors de son exposition à la Galerie Jérôme de Noirmont en 2005 puis au Centre Pompidou en 2009, elle intègre des sensations de parfums comme matières de son univers, au même titre que le papier, la soie, la lumière et les mots. Elle écrit à ce sujet : « Il existe des émotions au fond de l'être qui ont besoin, pour apparaître, de trouver la matière qui leur ressemble, visible ou non-visible. Les parfums, la lumière et l'espace se vivent comme des émotions qui se dévoilent, comme une histoire sensible à côté de l'histoire du regard. »

Claudine Drai Sans titre, 2018.  Sculpture, papier de soie, 120 cm, 70 cm, 70 cm

Claudine Drai Sans titre, 2018.
Sculpture, papier de soie, 120 cm, 70 cm, 70 cm

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Galerie Eva vautier
2 rue vernier
06000 Nice France

Du mardi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

contact: galerie(at)eva-vautier.com

tel: 09.80.84.96.73
www.eva-vautier.com
Vernissage vendredi 19 octobre 2018 à partir de 18h
FIGURATION LIBRE

BEN
Jean-Charles Blais
Rémi Blanchard
François Boisrond
Robert Combas
Dix 10
Hervé Di Rosa
Philippe Hortala
Mission Totale
Catherine Viollet

Exposition du 20 octobre au 1er décembre 2018
Mouvement pictural du début des années 80, la « Figuration Libre » doit son nom à Ben après une exposition qu'il organisa à Nice en 1981.
Cette nouvelle génération de peintres témoigne avec enthousiasme et désinvolture d'une production non académique, provocante, vitale, énergique, pulsionnelle ... qui refuse la théorie, les manifestes et les normes.
Caractérisée par sa liberté, la peinture parle de la société, de la violence, de la sexualité et s'inspire de tout ce qui se rapporte à la culture populaire. C'est un art né dans la rue, dans l'environnement urbain et dans les clubs ; un art rock et punk.
« Libre de quoi ? / Libre de faire laid / Libre de faire sale / [...] / Libre de peindre sur n'importe quoi. » Ben, Figuration Libre, 1982.
Plusieurs figures marquantes comme Rémi Blanchard, François Boisrond, Hervé Di Rosa et Robert Combas ont contribué à sa médiatisation.

Ben Vautier, Le Tango Occitan, 1984

Ben Vautier, Le Tango Occitan, 1984

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Exposition TRIBAL de MARC DURAN
TEODORA GALERIE
25 rue de Penthièvre
75008 Paris
FRANCE
du mardi au samedi de 11h à 19h
+33 (0) 1 77 17 28 45
+33 (0) 6 07 08 86 51
http://www.teodora.fr/ 
TEODORA GALERIE est heureuse de vous convier au vernissage de l'exposition TRIBAL en présence de l'artiste Marc Duran, le jeudi 13 septembre à partir de 18h.
C'est en 2012 que la galerie Téodora a exposé pour la première fois Marc Duran, cet autodidacte passionné, guitariste rock dans l'Angleterre des années 90, auteur de pièces musicales, et même compositeur d'un opéra, qui a soudainement eu la révélation de la peinture comme d'une nécessité vitale. Marqué par ses voyages, ses rencontres, et sa passion pour la musique, ses œuvres sont nourries de son rapport au monde si singulier, le tout incarné dans un style vibrant.

L'exposition « TRIBAL » rend ouvertement hommage à un art « primitif » déjà en germe dans ses œuvres précédentes. La figure humaine reste le centre de sa réflexion, mais se réduit à son image la plus brute. Yeux, bouches, membres, et corps, tout n'est plus qu'un signe visuel. Les couleurs se mélangent et envahissent la toile, laissant notre regard naviguer entre les formes. Un rythme presque sauvage naît des gammes chromatiques vives et tranchées appliquées avec vigueur sur sa toile. Les couleurs primaires s'affrontent sans gradations ni nuances, orchestrées par le noir et le blanc.

Ces visions métaphoriques, et aussi mystiques, sont baignées d'un plus grand mystère lorsqu'on se confronte au détail de la toile. Les traits, les points et les hachures sont entrecoupées par ses paroles. Les phrases s'enchainent et se resserrent dans des espaces exigus. Ainsi, elles n'ont plus vocation à faire sens, mais deviennent un motif indéchiffrable renfermant la pensée secrète de l'artiste.

Exposition TRIBAL de MARC DURAN TEODORA GALERIE
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hdct portraitJeanne d’Hauteserre
Mairie du 8ème arrondissement, Conseillère de Paris

a le plaisir de vous inviter à l’exposition de

Michel de France
Dessins – Aquarelle – Pastels
et
Hermine de Clermont-Tonnerre
Dessins – Sculptures

Exposition ouverte au Public du Jeudi 18 au Vendredi 26 Octobre 2018
Salle des Expositions de la Mairie du 8ème

Du Lundi au Vendredi de 14 heures à 18 heures
Entrée libre – 3, rue de Lisbonne – 75008 Paris

princessedutonnerre(at)gmail.com / +33 (0)6 75 75 18 18

Exposition Hermine de Clermont-Tonnerre et Michel de France
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Pierre Alechinsky
Travaux de l'année 2018
dont un ensemble de 12 peintures pour imager Astrologie poétique de Léon-Paul Fargue
22 novembre 2018 – 19 janvier 2019 au 38 avenue Matignon
Vernissage jeudi 22 novembre à partir de 18h

Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com  / + 33 1 45 63 13 19  /  
www.galerie-lelong.com


L'année 2018 aura été une année riche en reconnaissance pour l'œuvre de Pierre Alechinsky. Elle a débuté, en janvier, par l'achèvement et l'entrée au Mobilier National de sa grande tapisserie Le Volturno, puis s'est poursuivie en octobre par la remise du Præmium Imperiale pour la peinture. Ce prix prestigieux, créé au Japon en 1989, souvent surnommé « le Nobel des Arts », rend hommage à la création contemporaine la plus exigeante et vient récompenser l'ensemble d'une œuvre.

Pierre Alechinsky Coup de foudre, 2018, encre de Chine  et acrylique sur papier marouflé, 165 x 217 cm

Pierre Alechinsky Coup de foudre, 2018, encre de Chine
et acrylique sur papier marouflé, 165 x 217 cm

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Marc Desgrandchamps
Latona
22 novembre 2018 – 19 janvier 2019
Vernissage jeudi 22 novembre à partir de 18h à la librairie

Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com  / + 33 1 45 63 13 19  /  
www.galerie-lelong.com 

Marc Desgrandchamps vient de créer trois nouvelles lithographies pour Lelong Editions sur les presses de l'atelier de Michael Woolworth à Paris. Le titre de ces lithographies, Latona, se trouve discrètement glissé dans chacune d'elles. Un choix, loin d'être anodin puisque derrière ce nom, se mêlent souvenirs, culture populaire et artistique ; ce même mélange de références éparses que l'on retrouve souvent dans ses compositions picturales.
 
Latona est un thème de jazz enregistré en 1965 par l'organiste Big John Patton et qu'affectionne l'artiste. Sur la pochette de l'album (Let'em roll) on observe une silhouette de femme, presqu'une ombre, à la posture exagérément cambrée. Image qui n'est pas sans évoquer les figures qui traversent régulièrement son œuvre. Mais ce titre renvoie aussi au mythe de Latone : déesse persécutée par Junon, obligée d'errer à travers le monde et de se cacher entre ciel et terre pour donner naissance à Diane et Apollon. Un mythe d'errance qui semble traverser nombre des œuvres de l'artiste.

 Marc Desgrandchamps Latona 1, 2 et 3, 2018,  lithographie, 35 ex, 70 x 50 cm.

Marc Desgrandchamps Latona 1, 2 et 3, 2018,
lithographie, 35 ex, 70 x 50 cm. 

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Etel Adnan
Parler aux fleurs
22 novembre 2018 – 19 janvier 2019
Vernissage jeudi 22 novembre à partir de 18h au Salon

Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com  / + 33 1 45 63 13 19  /  
www.galerie-lelong.com
Pour cette exposition, Etel Adnan a réalisé une douzaine de petits tableaux ronds, denses, vivants, à la touche souple et ample, très nouvelle, avec un seul sujet : des fleurs. Interrogée sur le pourquoi de ce thème, elle répond : « c'est venu ainsi ». La forme de ces fleurs rondes s'intègre facilement dans un cercle : un cercle dans un cercle. Pour compléter ce groupe de tondi, elle a ajouté quelques tableaux rectangulaires, en deux couleurs seulement, des sortes de dessins peints.
 
Pour accompagner l'exposition, la Galerie Lelong & Co. publie un petit livre qui associe aux peintures un choix de poèmes extraits du Cycle des tilleuls (2012).

Etel Adnan Jardins 3, 2018, huile sur toile, Ø 30 cm.

Etel Adnan Jardins 3, 2018, huile sur toile, Ø 30 cm.

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Fabienne Verdier
Ainsi la nuit
22 novembre 2018 – 19 janvier 2019
Vernissage jeudi 22 novembre à partir de 18h

Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran, 75008 Paris
38, avenue Matignon 75008 Paris
info(at)galerie-lelong.com  / + 33 1 45 63 13 19  /  
www.galerie-lelong.com
Pour sa première exposition de peintures à la Galerie Lelong & Co., Fabienne Verdier a choisi deux nouvelles séries de tableaux qu'elle présente ainsi :
 

« La première série Ainsi la nuit est inspirée du quatuor de Henri Dutilleux. J'avais travaillé en 2017 avec un jeune quatuor à la chapelle de la Visitation (Aix-en-Provence) que nous avions transformée en atelier laboratoire pendant plusieurs semaines. A l'écoute de cette pièce fascinante, les ondulations nocturnes, les pizzicati des cordes, ont déclenché dans mon esprit cette vision de scintillement, crépitement, glissando et lignes de contre-points. Cette série est le fruit de deux ans de travail au cours desquels les structures abstraites de la musique ont peu à peu nourri l'expérience picturale. La seconde série, Energie blanche, est une évocation des énergies cinétiques qui nous entourent. J'ai imaginé, sur des diptyques verticaux, un vagabondage dans la dynamique des fluides, les courants de l'air ou du vent, les ondes des océans, des fleuves. Turbulence et mouvements parfois tempétueux des forces de la nature. Une vision des manifestations atmosphériques de notre petite planète, et par là même, la prise de conscience de sa fragilité, de sa beauté unique dans notre galaxie ».

Fabienne Verdier Glissando, 2018, acrylique et technique mixte sur toile, 106 x 90 cm

Fabienne Verdier Glissando, 2018, acrylique et technique mixte sur toile, 106 x 90 cm

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Vernissage de l'exposition « La peinture de Jacqueline Pavlowsky»

le samedi 6 octobre à partir de 14:00
Galerie Hervé Courtaigne Moderne
53 Rue de Seine, 75006 Paris
Téléphone : 01 56 24 23 00
http://www.hervecourtaigne.com/ 


Jacqueline PAVLOWSKY (1921 - 1971)

Portrait de l'artiste

Née en 1921 à Vincennes de parents juifs russes et polonais émigrés en France, elle poursuit après guerre en parallèle ses études de chimie, tout en se consacrant à la peinture. Personnage entier, attachant, « Indépendante, provocante, festive, elle vit librement. Cheveu court, complet veston, cigarette, silhouette intimide. »

Jacqueline Pavlowsky Galerie Hervé Courtaigne
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Vernissage jeudi 11 octobre 2018 | 18h - 21h
Exposition | 12 octobre - 17 novembre 2018

Ne manquez pas la parution du livre Optical Graffiti
aux Éditions Lélia Mordoch

J'ai tout de suite aimé les oeuvres de L'Atlas pour la puissance de leur graphisme. Il n'est pas facile de trouver des artistes qui renouvèlent l'art géométrique. Du graffiti à l'art optique, L'Atlas refuse de se laisser enfermer dans un genre... il revendique un art sans frontière.

Il s'inspire des relevés topographiques des temples mais c'est la calligraphie, l'inscription du signe dans une forme structurée, qui l'amène à l'art cinétique.

La signature de L'Atlas est présente dans chacune de ses oeuvres même si parfois elle est bien cachée. Un labyrinthe dans lequel s'inscrit une signature voilà comment pourrait se définir la plupart de ses tableaux. Mais il faut aller plus loin dans l'univers des signes. Un tableau peut en cacher un autre. Jeux d'optique, phosphènes qui se révèlent à la lumière bleue, carré tournant il y a toujours dans ses oeuvres un mystère à décrypter. L'Atlas est un artiste dont l'érudition se révèle dans la jubilation de la création.
Il saisit l'esprit de la ville et y imprime sa marque en créant une archéologie contemporaine où le graphe sert de repère dans la jungle urbaine, où l'artiste déchiffre la ville de sa griffe. Le promeneur découvre des étoiles sur l'asphalte...et une boussole pour ne pas perdre le nord.
Au labyrinthe de la création contemporaine, cherchez L'Atlas et vous trouverez un grand artiste qui donne au Street Art une nouvelle dimension : Optical Graffiti.

Lélia Mordoch

L

L'ATLAS, Cascade #1, 2018 -
Laque et encre aérosol sur bois, 148 x 115 cm

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Jan Saudek, one of a kind, revolutionary, reckless.

He is one of the most important and renown Czech art photographers in the world.

Saudek has had over 400 solo exhibitions. His photographs are included to some of the world's most important art collections.

Born in Prague in 1983, his father was a Jew, so he and his family automatically became Nazi's target. Jan Saudek was still a child when his family suffered during the World War II. Little Jan together with his brother, was kept in Mischlinge, the concentration camp for children. Their father also was deported to the concentration camp. All of them survived the war.

The catastrophe of the war and the absence of a happy childhood are intensely shown in Saudek’s works. The artist often repeats his themes and styles, while he combines notions of eroticism and memories of a childhood, creating a surreal and dream-like result.

Saudek images are all about evocation, an evolution from child to adult, there are lots of nudity and semi-nudity in his work. And what's interesting is, he is not that type of photographer who tries to show you beauty, no, its opposite. In his images, he uses people who are overweight in absurd positions, old half nude ladies, young girls with cigarettes, midgets, and what interesting is that he loves posing himself nude as well!

Jan Saudek Photo courtesy of the Artist
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Les Russes à Paris 1925-1955
du 11 septembre - 3 novembre 2018
Vernissage le 11 septembre 2018 à partir de 18h
 
JEANNE BUCHER JAEGER SAINT-GERMAIN
53 rue de Seine
75006 Paris
T +33 1 42 72 60 42
Tuesday-Friday, 10am-6pm
Saturday, 10am-12:30am - 2:30pm-6pm
www.jeannebucherjaeger.com 


En écho à l’exposition dédiée à l’avant-garde russe à Vitebsk au Centre Pompidou et à l’occasion du Parcours des Mondes de la rentrée estivale, la galerie Jeanne Bucher Jaeger honore cet automne les artistes russes qu’elle a présentés en ses murs durant la période 1925-1955. 1925, année de création de la galerie Jeanne Bucher, 1955, disparition de Nicolas de Staël.
Cette exposition s’inscrit, dans le même quartier et au même moment, en dialogue avec l’exposition consacrée aux monochromes de Serge Charchoune par les galeries Le Minotaure et Alain Le Gaillard.

La plupart de ces artistes ont quitté leurs pays après la Révolution de 1917, transitant par l’Allemagne ou la Belgique, avant de s’installer en France à Paris, ville rêvée pour nombreux peintres russes de l’époque qui y voient le pays de la liberté et de la douceur de vivre. Car Paris fut bien cette « capitale des arts », creuset des avant-gardes qui se succédèrent depuis le Réalisme de Courbet jusqu’à la Figuration Narrative des années 70.

Nicolas de Staël  Eau de vie, 1948  Huile sur toile 101 x 81,3 cm

Nicolas de Staël
Eau de vie, 1948
Huile sur toile 101 x 81,3 cm

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Exposition à venir du 19 septembre au 21 décembre 2018

'TIERRA Y PAISAJE DE CUBA' -  Maikel Sotomayor
Galerie BEGRAMOFF
206 rue stevin - Bruxelles B-1000
www.begramoff.com 
begramoff(at)begramoff.com
 

La galerie BEGRAMOFF a le grand plaisir d'accueillir le jeune peintre cubain Maikel Sotomayor et d'organiser l'exposition 'Tierra y paisaje de Cuba - Terre et paysages de Cuba' avec certaines de ses œuvres. L'exposition se déroulera du 19 septembre au 21 décembre 2018 et sera accessible du lundi au vendredi de 10h à 14h 30 et sur RDV (0470 55 71 10).

La galerie BEGRAMOFF propose une série d'œuvres choisies de Maikel Sotomayer qui illustre plusieurs séries de peintures (Posado sobre la noche, Paisajes menguantes, Tortuga con playa y montaña, Camino del cuarto menguante, Atajos, Con Musashy en Viñales) réalisées ces dernières années.

Maikel Sotomayor,né à Cuba en 1989, a vécu à la campagne avant de faire ses études à l'école des Beaux-Arts à La Havane, la ville. Sa jeunesse à la campagne a profondément influencé sa peinture. Son inspiration vient en effet des paysages campagnards qui lui permettent de travailler sur les souvenirs et leur impact. Ayant quitté la campagne et vivant maintenant en ville, Maikel Sotomayor il réinterprète la campagne avec son expérience urbaine. Il considère 'Le Paysage' comme un lieu de découverte et de rencontre avec soi-même. Revoir ou représenter de tels espaces provoque une remise en question chez l'Homme aussi bien physique que mentale.
Maikel écrit: 'Un paysage qui se montre tranquille peut être complice. Comme un murmure'.

Maikel SOTOMAYOR - Acrilyque sur toile Olfato de nacer - 195 x 195cm - 2017

Maikel SOTOMAYOR - Acrilyque sur toile
Olfato de nacer - 195 x 195cm - 2017

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Dine's prints from the 1980s on are characterized by an increasing density and complexity of surface and layered depth. It is not merely a question of hand coloring but of nontraditional combinations of print media printed one over the other. One might refer to this phenomenon as "painting with printmaking." That is, not only do the prints take on a layered depth and usual richness of surface but the textures of different media are played off against each other, matte against glossy, for example. The resulting surfaces are extremely tactile in nature.

Clifford S. Ackley & Patrick Murphy, Jim Dine: Printmaker: Leaving My Tracks
Theme and Variation: A Dialogue on Fifty Years of Printmaking
Museum of Fine Arts Publishing, Boston, 2012, pages 10-11

Jim Dine (b. 1935)

Born in Cincinnati, Jim Dine studied at the University of Cincinnati and at the School of the Museum of Fine Arts in Boston, Massachusetts before receiving his Bachelor of Fine Arts degree from Ohio University in 1957. His reputation in the art world began to grow in 1959 when he, along with Claes Oldenburg and Allan Kaprow, opened a gallery in the Judson Memorial Church (Judson Gallery) in Greenwich Village in New York City and staged a series of theatrical events they called “Happenings.”

While others have often associated his work with the Pop Art movement of the mid-20th century, his fascination with popular imagery and everyday objects has always carried a more personal component. He has extensively explored particular themes in a variety of media- painting, sculpture, printmaking- throughout his career. These themes have acquired the status of personal iconography and he claims them as part of his vocabulary or his “glossary of terms.” Among this iconography are hearts, tools, bathrobes, the Venus de Milo and Pinocchio. They are commonly recognized symbols, figures and objects, which become metaphors for larger concepts, while also functioning as part of his on-going “self-portrait”. As an avid reader, writer and poet, he shares, “language plays a big role in my work and has a big place in my life.”

Dine, renowned for his wit and creativity has a restless, searching intellect that leads him to challenge himself constantly. Over four decades, Dine has produced more than three thousand paintings, sculptures, drawings, and prints, as well as performance works, stage and book designs, poetry, and even music. His art has been the subject of numerous individual and group shows and is in the permanent collections of museums around the world.

Leslie Sacks Gallery
Bergamot
2525 Michigan Avenue, Suite B6
 Santa Monica, California 90404
 T  310 264 0640  |  F  310 264 0740

gallery(at)lesliesacks.com

http://www.lesliesacks.com/

Jim Dine Hand Painting on the Mandala, 1986 Engraving, drypoint and hand coloring 49 1/2 x 40 1/8 inches Edition of 60  Signed and numbered DIX013A
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Jan Fabre Folklore Sexuel Belge (2017-2018) Mer du Nord Sexuelle Belge (2018)
17 mai – 21 juillet 2018
TEMPLON Paris – Grenier Saint Lazare
28 rue du Grenier Saint-Lazare
75003 Paris - France
Tel: + 33 (0)1 85 76 55 55
https://www.templon.com/new/current.php?la=fr

Pour l’ouverture de son nouvel espace parisien, la Galerie Templon donne carte blanche à Jan Fabre. Fidèle à son engagement auprès des artistes, la galerie inaugure un chapitre de son histoire en invitant le grand créateur pluridisciplinaire à investir ses nouveaux lieux en toute liberté.

L’artiste belge a conçu spécialement pour les 250 m2 d’exposition la rue du Grenier-Saint-Lazare un ensemble inédit d’œuvres de différents media – dessins, sculptures – dressant un portrait complexe, espiègle et subversif de sa Belgique natale.

Depuis 30 ans, Jan Fabre s’est imposé internationalement en tant qu’artiste visuel, homme de théâtre et auteur parmi les plus innovants de sa génération. La Galerie Templon, qui le représente depuis 2000 et a contribué à la reconnaissance de sa pratique plastique, est heureuse de confier ses clés à cet artiste complet qui a su repousser les limites des champs de la connaissance et de la création, un « guerrier de la beauté et chevalier du désespoir ».

 

Jan Fabre Sexy Orgue de Barbarie Belge, 2017 Bois, pigment, polm&egrave;re, m&eacute;tal, papier, &eacute;l&eacute;ments &eacute;lectroniques 146 x 145,2 x 42,1 cm 57 3/4 x 57 1/8 x 16 5/8 in.

Jan Fabre Sexy Orgue de Barbarie Belge, 2017
Bois, pigment, polmère, métal, papier, éléments électroniques
146 x 145,2 x 42,1 cm
57 3/4 x 57 1/8 x 16 5/8 in.

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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
patrick reynolds 03h
 

 Patrick Reynolds
Directeur de publication

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