Anna Weyant Gagosian GalleryAnna Weyant Biography

Born in 1995 in Calgary, Alberta, Canada, she is one of the most talented artists of her generation - Thanks to Larry Gagosian, great talent discoverer she is taking an important place among the great creators of our time.

Lives and works in New York, NY.    -   https://gagosian.com/

About Anna Weyant

The hapless subjects of Anna Weyant’s indelible paintings and drawings are recurrently tested by everyday circumstances, weathering what the artist has described as “low-stakes trauma.” In these precisely rendered scenes, figures—most often young and female—find themselves embroiled in tragicomic narratives with an ironic twinge, offering a dreamlike insight into the capacity of popular culture and social convention to manufacture and distort gestures, rituals, and signifiers of femininity. But far from presenting her protagonists as merely symbolic, Weyant remains sensitive to their human idiosyncrasies and contradictions, picturing characters who are endearing, mysterious, and wholly themselves. In her crystalline still-life compositions, meanwhile, everyday objects adopt an uncanny, portentous air.

Weyant was born in Calgary, Canada, in 1995. After earning a BFA in painting from the Rhode Island School of Design, she relocated to New York, then studied painting at the China Academy of Art in Hangzhou. Moving back to New York, she worked as a studio assistant while pursuing her own practice. Among her first exhibited works is a sequence of darkly cinematic canvases depicting a dollhouse—modeled after one that she owned as a child—and its young female inhabitants. A later series deconstructs the appearance of American suburbia in Lifetime’s made-for-television movies, casting it as a surreal realm in which violence and disaster lurk just beneath the surface. In her still lifes, Weyant depicts fruit, flowers, and other items in a similarly unsettling light; Lily (2021), for example, juxtaposes the titular bloom with a revolver bound in gold ribbon.

In these and other works, Weyant employs a somber, muted palette of deep greens, dusty pinks, and deep black. She also draws on art historical and present-day influences, from seventeenth-century Dutch masters such as Frans Hals and Judith Leyster to twentieth-century mavericks like Balthus to contemporary painters Jennifer Packer and Ellen Berkenblit. As revealed in her contributions to group exhibitions including and I will wear you in my heart of heart at FLAG Art Foundation, New York (2021); Artists Inspired by Music: Interscope Reimagined at the Los Angeles County Museum of Art (2022); and Women of Now: Dialogues of Memory, Place & Identity at the Green Family Art Foundation, Dallas (2022), Weyant displays a deep understanding and appreciation of her work’s roots and parallels while eliciting an immediate and emotional response.

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Gugli 61x88 cm. Sweet Song acrylique sur toileLAURENT GUGLI est né en 1959
Il a vécu et travaillé à Paris dans des années 80 aux années 2000
Tout laisse à supposer que Laurent GUGLI  doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau.

Tout a-t-il déjà été peint dans l’esprit du Pop Art ?  Laurent Gugli ne partage nullement cet avis.  Les références à ces grands artistes des années soixante semblent imprégner ses tableaux. Jésus Superstar, illustré par Andy Warhol en  reste le point de départ. 
    
Utilisant une technique facile, dans un style « vite fait bien fait », l’inspiration de l’artiste semble tourner autour du S.E.X.E. Car pour lui tout acte de création s’apparente à un acte sexuel : la création (l’origine) du monde, l’art africain, notre propre naissance… Tout laisse à supposer que Laurent Gugli doit avoir des boules de Geisha à la place du cerveau. « I paint with my sex » avait-il écrit sur une de ses toiles, exposant à l’époque dans un fast-food. Opérant à la limite du bon-goût, peignant de sulfureuses compositions, Laurent Gugli répète son obsessionnel : « L’Amour, c’est pas glamour, c’est H.A.R.D (dur) ».

 Le style Laurent Gugli est similaire à l’écriture lissée des artistes Pop. S’il ne renie pas leur influence sur son travail, il ne cherche cependant pas à dénoncer notre société de
consommation. Son passé de directeur artistique, doublé d’une curiosité effrénée pour la nouveauté et pour ce qui vient d’ailleurs l’ont irrémédiablement poussé à s’intéresser aux nouvelles icônes de notre société : Mickey, Bugsbunny ou encore Dragon Ball…, des personnages à la fois naïfs, mais aussi dotés pour certains d’une intelligence supérieure et de pouvoirs magiques, afin d’accomplir un destin plus mystique. L’artiste joue de cette iconographie supramédiatique (logos, personnages, typographies) et de son renouvellement pour créer « de la Dope pour illettrés ».
       
Mais si l’artiste s’inspire de cet univers régressif et infantile, parfois à la limite du vulgaire, qui envahit de plus en plus la planète, son art cherche avant tout à parler de notre intimité, de notre rapport ambigu à l’amour, mélange de romantisme naïf et de perversion. En «  honnête voyeur », c’est ce paradoxe intrinsèque de la nature humaine que nous raconte l’artiste à travers son œuvre. Un Pop Art introverti en quelque sorte.
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Culture Art & Vision X Lapostroff - Studio Kallico
Pour ce nouvel épisode de Culture Art & Vision X Lapostroff, nous vous emmenons à la rencontre de Lionel Sourisseau, plasticien peintre au style singulier. ?? ?? ??

Amoureux de couleurs chaudes et de poésie, Lionel Sourisseau a trouvé sa voie en passant de la peinture traditionnelle à la peinture acrylique. En posant un regard coloré sur le monde, ses œuvres étincelantes et bigarrées suscitent la curiosité et stimulent l'imaginaire.

Plus d'informations
Lapostroff (Espace de création artistique, artisanal et associatif de la Ville de Malakoff & Plateau Urbain : https://www.lapostroff.fr)

Réalisation : Sylvestre Bary
Musique : Benk Digga

Un projet Culture Art & Vision - 2020 - https://www.culture-av.fr

Isabel Margarita Haeussler 61 INCENDIO 2020  Téc mixta sobre tela 90x90cm    Isabel Margarita Haeussler´s pictorial work

The pictorial work that Isabel Haeussler has developed during the last thirty years started from figuration to slowly approach abstraction. Considering that at first her work focused on the observation of her environment, it is not surprising that current images evoke spatialities.  An atmospheric effect is very visible in them, as if they had some kind of relationship with the landscape.

Her use of language appears in the articulation of contrasts: there are antagonisms between smooth and rough, fast and slow, transparent and opaque, color and monochrome, light and shadow. This richness is shown by a gesture that is not hidden. The insistence of her hand, the trajectory of her gestures is marked by the imprint of her brush.

Pablo Ferrer

Profesor y director Magister Artes Visuales

Facultad de Artes

Universidad de Chile

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Roger LersyRoger Lersy, né en 1920, est peintre du XXe siècle français, lithographe et compositeur de musique classique, il a étudié à l'École des Arts Appliqués, Paris et au Conservatoire de Paris. Il a tenu sa première exposition à Paris en 1946. Pendant les années suivantes de son art a également été exposé à Londres, Genève, Los Angeles, Houston et New York. Il a remporté des prix comme le Prix des Amateurs d'Art (1953) et le Prix de la Ville de Marseille (1955). L'artiste a également illustré un certain nombre de livres d'art avec ses graphismes originaux, tels que, Bestiaire (1968) et multiformes (1977). Le travail de Lersy peut être divisée en deux périodes de l'expérimentation artistique. Avant 1960, l'artiste concentre surtout sur ​​les formes de l'art figuratif, en particulier la nature morte et du paysage. Après son travail décalées à des formes de l'expression abstraite. Il a passé de longues périodes à New York entre 1961 et 1968.

BIOGRAPHIE

Né le 2 avril 1920 décédé en 2004 xxe siècle. Français.

Peintre d'intérieurs, natures mortes, paysages, sculpteur, graveur, peintre de cartons de tapisseries. Polymorphe.

Son père étant décorateur, c'est naturellement qu'il entra à l’École des Arts Appliqués. Il eut ensuite une activité de décorateur, mais, parallèlement, il avait commencé à peindre et menait également des études musicales poussées, auxquelles il renonça en 1954, sauf pour son plaisir personnel. Il effectua un séjour aux États Unis, de 1961 à 1968.

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Oscar Katcharov

 Oscar KATCHAROV (né en 1924) : Huile sur toile dimensions 130 x 125 cm  signée en bas à droite et contresigné au dos et datée 1972, intitulé Moscou Trinité. Collection privée K . N. Paris

Soviet Literature" 1990
Irina Chepik

THE ARTIST'S SOLFEGGIO, OR TEN COLOURS OF THE RAINBOW

Oskar Kacharov's studio is in the centre of Moscow - at the down-town end of Gorky Street (now Tverskaya st.) No lush studio, though, rather modest and badly in need of renovation. But the district is surely prestigeous - look through the window and you're looking directly at the big clock on the central Post Office, and down below - the bustle in Gorky Street. The clock is ticking off time into eternity, the bustle and noise are distracting. But not for Kacharov - nothing can distract him. He's found of the incessantly milling crowds and permanent chaos of the capital. His studio is constantly filled with friends, pupils, fellow-artists, musicians, architects, theatre people.

Rezo Gabriadze, a talented playwright, artist and sculptor, working in film, drama and puppet theatre, once wrote to him, "Dear Oskar, I know few artists as dedicated as you are. That must be painfully hard. What I like about you as a person and a painter is your sense of measure, your nobility and artistry. Thank you for your warm tones and for your cold tones and for their correlation."

The words "painfully hard" are not merely lip service. Kacharov was never spoilt by fortune's favours. He is bubbling with the energy of resistance. He rejects attempts to place him, his views and his painting among the crop of discoveries permitted in the recent years by glasnost. he has never before craved success regardless of the cost involved and so has never been mentioned in the press for some 40 years.

Oskar Kacharov, the son of a doctor, was born in 1924, in Kiev. He remembers his father who was killed in the Second World War with tenderness and gratitude. His mother was a highly cultured woman who encouraged his artistic interests, and herself had great knowledge and understanding of art.

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 PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David.PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David. Important artiste du XXème siècle découvert par le grand marchand Emmanuel David découvreur de Bernard Buffet. Cette oeuvre est une des plus importantes de l'artiste, très représentative du mouvement surréaliste et de la puissance du travail de Priking dont Emmanuel David disait de lui "C'est un poids lourd dans l'art comme Bernard Buffet"
Franz Priking (né Pricking) est un artiste peintre et lithographe né le 7 août 1929 à Mülheim (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 10 juin 19791 à Oppède (Vaucluse)

Biographie

La sensibilité picturale de Franz Priking est éveillée dès son enfance par l'éducation d'un père ingénieur en métallurgie (mort en 1947) passionné de Renaissance italienne et d'art baroque.

Franz Priking aborde la peinture au terme d'études de philosophie, s'orientant tout d'abord vers une abstraction lyrique « révélatrice d'une sensibilité en quête d'elle-même ». Les séjours qu'il fait ensuite au Bauhaus de Weimar (1948) et à l'Académie des arts de Berlin (où il est élève de Max Pechstein entre 1948 et 1953 et où Karl Hofer fait l'éloge de ses dessins) lui révèlent, avec l'expressionnisme allemand, une forme d'art plus conforme à son tempérament. C'est durant cette période qu'à Berlin, par l'intermédiaire du peintre Hans Tombrock, Priking se rapproche de Bertold Brecht, vivant dix mois dans la proximité du dramaturge.

En 1950, Franz Priking quitte l'Allemagne pour Paris, où il reste peu de temps, gagnant la Provence et s'arrêtant à Villeneuve-les-Avignon. Lors de sa première exposition française au Musée Réattu d'Arles, en 1952, il rencontre Pablo Picasso et va travailler pendant sept mois sous les conseils du maître à Vallauris. « J'étais profondément passionné par Picasso, par son principe de structure et d'organisation du tableau, évoque Franz Priking. Le thème m'importait beaucoup moins que le concept rythmique nouveau qu'il m'apprenait. Et surtout, j'abandonnais à ce moment la couleur vive que j'avais retenue de la période expressionniste, l'opposition des couleurs actives employées presque pures, et j'ai commencé à travailler la couleur de façon qu'elle devienne rationnelle... Les teintes sont devenues beaucoup plus terrestres, plus proches de la terre. »

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Miklós Gusztáv dans son atelier, Paris , 1931

La vente de la collection Jacques Doucet en 1972 a permis de redécouvrir l'Art déco aux  collectionneurs puis progressivement au grand public.

C’est à partir de ce moment que le sculpteur Gustave Miklos, figure emblématique de ce style, vénéré dans les années 1920-1930 et tombé dans l’oubli après la Deuxième Guerre mondiale, retrouve la place qu’il mérite sur la scène artistique internationale. Néanmoins, alors que ses œuvres sont devenues de plus en plus recherchées dans le monde, il est resté pratiquement inconnu jusqu’au début du 21ème siècle dans son pays natal, la Hongrie.

Bien que Miklos ait définitivement quitté Budapest en 1909, il a toujours porté la Hongrie dans son cœur. Beaucoup de faits témoignent de son attachement à ses origines hongroises. Toutefois ce sentiment, comme dans le cas de Joseph Csaky, n’était pas réciproque. Quelques éléments complétant l’étude biographique très élaborée de Christiane Patkai ( 1 ) permettent de démontrer cette triste réalité.

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Carlo Guarienti Autoportrait 1998

Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000.

Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans.

Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. 

Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2)

Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle.

Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde.

Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse  et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. 

A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne.

(2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias :  En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié.

Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa

(3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

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Ce texte expose la philosophie de la peinture et de la vie selon Michel Patrix
Ces images sont tirées du livre écrit par sa veuve "Il n'y a de jugement que dernier : le quotidien d'une femme de peintre", Annie Guevel, Editions Hubert Julia - 1984,
L'original se trouve dans le livre de bord de l'Artiste

Blaise Patrix
les ateliers pARTage
46, rue du fort, B1060 Bruxelles
gsm:+32 (0)4 78 56 31 33
http://www.blaisepatrix.com
patrix lettre1b
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Pierre JUTAND Baigneuses huile sur toile signée en bas à droite 115 x 145 cm Ancienne Collection Emmanuel David (Etiquette au dos)

Pierre JUTAND Baigneuses huile sur toile signée en bas à droite 115 x 145 cm Ancienne Collection Emmanuel David (Etiquette au dos) Collection Patrick Reynolds

Après une enfance vécue à Enghien-les-Bains, Pierre Jutand est élève de l'École Boulle à Paris. Il entre en 1955 à l'École nationale supérieure des arts décoratifs où il est élève de Jules Cavaillès avant de fréquenter l'atelier de Marcel Gromaire, puis, en 1956, d'obtenir deux bourses d'études, l'une au château de Collioure, l'autre aux Pays-Bas. En 1957, il poursuit ses études chez Maurice Brianchon à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il travaille ensuite la tapisserie avec Jean Lurçat, séjournant à plusieurs reprises auprès de ce dernier au château de Saint-Céré (Lot). Pierre Jutand se souvient : Lurçat ne peignait plus à l'époque mais faisait de la tapisserie, des grands cartons avec lesquels il est devenu célèbre. Il avait tellement de commandes qu'il prenait des élèves pour l'aider sur des périodes de trois à quatre mois. Appelé sous les drapeaux en 1958, Pierre Jutand effectue son service militaire en Algérie.

Alors qu'il est installé dans la rue de Lesdiguières à Paris, les premières expositions de Pierre Jutand au Salon d'automne lui valent d'être remarqué par la galerie Morantin-Nouvion où se produit sa première exposition personnelle à Paris en 1962. Peintre paysagiste, Jutand peint sur le motif, souvent avec le peintre Michel Pandel (1929-1978) - la disparition de cet ami dans un accident de deltaplane sera une grande épreuve affective - qui expose dans la même galerie.

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Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération.

Son pseudonyme
Ce pseudonyme a été choisi par l'artiste, il signifie en anglais, "Ravin", ce qui représente pour lui une cassure entre ce qu'il faisait avant et ce qu'il fait aujourd'hui sur toile. C'est aussi parce qu'en argot, il signifie "cool, top ou encore sympa". C’est également parce qu’en France c'est une chaîne de télévision pour enfants, Gulli (orthographe différente mais même prononciation). À cela s'ajoute le fait que Gully était le nom d'un personnage de BD de Makyo et Alain Dodier, édité chez Dupuis, qui l'amusait, un petit bonhomme d'une autre époque qui découvre la vie. Ces différentes idées d'un esprit "COOL", d'enfants devant un cadre (TV ou tableau), de petits personnages drôles d'une autre époque et de cassure pour un changement forment un ensemble qui définit parfaitement son travail et ses œuvres. Ce pseudo colle parfaitement à son art et à ses œuvres car c'est elles qu'il souhaite mettre en avant.

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm 

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Cinq questions à Kenjiro Okazaki par Sabine Vazieux
- Quand est née votre vocation d'artiste et qu'est-ce qui l'a déclenchée ?
Si je pouvais renaître dans ce monde, ce serait pour être artiste. Je me demande par quelle chance j'ai vécu aussi longtemps. J'ai pris conscience de ce qu"être en vie" peut signifier lorsque j'ai approfondi mes connaissances de l'œuvre de Brunelleschi, Massacchio, Caravaggio, Poussin, Blake, Shitao, Cezanne et Morikazu Kumagai. Leurs œuvres ont la particularité d'être, à la fois, hors du temps et ancrées dans le monde.

- Comment est née votre passion pour l'art renaissance ?
Ma mère était inventeur. Il a donc été normal que je m'intéresse aux artistes et aux penseurs de la Renaissance. Brunelleschi a eu une grande influence sur ma pensée et mon travail. J'ai même écrit un livre sur lui.

- Une époque, un artiste ou un courant qui vous a particulièrement marqué.
C'est l'instabilité du monde qui me marque le plus en tant qu'artiste; que ce soit Tchernobyl, Fukushima ou l'épidémie actuelle...
Le sentiment que c'est un hazard que je sois en vie aujourd'hui exacerbe ma sensibilité artistique. C'est comme sentir le temps qu'il fait tous les jours en sachant que cette sensation peut prendre fin du jour au lendemain.

- Qu'est-ce qui vous ressource ou vous inspire... (musique, littérature, architecture, nature, un lieu ....)
Tout ce qui est dans le monde.

- Une couleur fétiche ?
En japonais, le mot "couleur" = ? iro signifie différence.
Les couleurs vives imprègnent d'abord tout votre champ de vision, mais si vous continuez à regarder, cette impression se transforme en une profondeur qu'il vous est alors possible regarder à l'infini. J'aime aussi les couleurs des feuillages d'automne, qui nous donnent l'impression que la matière se fond dans la lumière, et dans l'air.

Kenjiro Okazaki, acrylique sur toile, 160 x 130 x 7cm, 2017 Kenjiro Okazaki, acrylique sur toile, 160 x 130 x 7cm, 2017
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lagasse 6483441hArtiste renommé, Karl Lagasse s’est fait connaître en 2009 grâce à ses sculptures One Dollar. La même année, Artprice le classait parmi les dix meilleurs sculpteurs du monde de moins de 30 ans. En 2012, la publication new-yorkaise Farameh le citait parmi les cinquante meilleurs artistes contemporains qui tiraient leur inspiration des icônes américaines traditionnelles dans son ouvrage FOR WHICH IT STANDS: Americana in Contemporary Art. Plus récemment, lors de l’Art Paris Art Fair 2016, le président de la république française a personnellement félicité Karl pour le succès de son One Dollar de bronze de 2 mètres exposé au Grand Palais.

Karl a commencé son parcours artistique par des collages, à l’âge de 7 ans. Cette année-là, sa rencontre avec le sculpteur français César Baldaccini l’a poussé à poursuivre dans cette voie. Plus tard, il s’est aventuré dans le métro parisien, le tag et le graffiti devenant son mode d’expression de prédilection. Malgré tout, les collages restaient sa vraie passion. C’est l’artiste Yvaral Vasarely qui lui a suggéré d’intégrer ses tags à ses collages. En 2003, Karl préparait sa première exposition à Paris. Sa première exposition personnelle présentant ses Buildings s’est tenue en 2006, à la galerie Isy Brachot, à Bruxelles. Deux ans plus tard, Karl était de retour à Paris à l’Espace Pierre Cardin pour sa première exposition personnelle de peintures et de sculptures comportant des éléments vidéo et photographiques.

lagasse 6483441 4h


Par-dessus tout, Karl aime dévoiler ses nouvelles oeuvres lors d’expositions internationales : en 2011, au salon Art Monaco, il était représenté par la galerie Bel Air Fine Art, avec sa création Cryptogram One ; en 2012, il a présenté des One Dollar sur le thème « In God We Trust » lors d’une exposition personnelle à la galerie Artco France ; en 2016, son exposition personnelle à la galerie Atrium, à Marbella (Espagne), a été inaugurée par le maire de la ville qui a parlé de ses oeuvres à la presse internationale.

En 2010, Karl a été choisi pour représenter la ville de Deauville (Normandie) à l’occasion du championnat du monde équestre Horsemania, à Lexington (États-Unis), pour lequel il a réalisé une sculpture représentant un cheval en l’honneur de cette manifestation. De retour à Deauville, en 2012, Karl a offert à la ville Cryptogram One, bronze porteur d’un message de paix et d’amour, qui a été installé à l’entrée de la ville et inauguré par le maire, Philippe Augier. La même année, c’est en collaboration avec Corbis qu’il a réalisé une sculpture monumentale pour le soixante-cinquième festival de Cannes, en utilisant des photographies datant de 1945 à 2011 pour réaliser cette oeuvre qui a été exposée à l’hôtel Carlton, où les artistes présents au festival pouvaient la signer. C’est ce qu’ont fait notamment Alexandra Lamy, Gad Elmaleh, Bérénice Bejo, Marie Gilain, Michael Youn, José Garcia, Michel Hazanavicius, Nadine Labaki, Cuba Gooding Jr., Tim Roth, Matthew McConaughey et Zac Efron.

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Nous vous proposons de (re)découvrir la biographie de l'artiste d'origine coréenne Hur Kyung-Ae.
Hur Kyung-Ae est née en 1977 à Gwangju, en Corée du Sud. Depuis son plus jeune âge, elle utilise l'art et la couleur pour exprimer ses sentiments. Elle obtient plusieurs diplômes d'arts visuels en Corée, puis son attirance pour la culture et la langue française l'amène à poursuivre sa formation à Paris, où elle s'installe en janvier 2003.
Pour en savoir plus sur Hur Kyung-Ae qui expose dans les galeries de Françoise Livinec, cliquez ici

Françoise LIVINEC
Galerie Penthièvre 24, rue Penthièvre 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Galerie Matignon 29-33 av Matignon 75008 Paris
+33 (0)1 40 07 58 09

Ecole des filles 25, rue du Pouly 29690 Huelgoat
+33 (0)2 98 99 75 41

www.francoiselivinec.com

Hur Kyung-Ae Sans titre, 2018, Acrylique sur toile, 162 x 130 cm, Signé et daté au dos, FOP1118BP2
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Margo Drucker passed away peacefully on July 2, 2001.
Margo was 86 years old. Margo was born on November 14, 1914 in Berlin, Germany.
Margo left Germany for France in 1934, where she studied photography, then moved to Rome to join her father who had left to Germany because of her anti-Hitler activities. Margo remained in Rome until 1938, when Missouri and Hitler began to round up German expatriates. Margo fled to Aix-en Provence in southern France, where she lived with a group of painters on a chicken farm. Margo was arrested by the German puppet government of Vichy and incarcerated for deportation to Poland, in Guers, an internment camp around Marseilles. Margo remained in the camp for six months, and escaped the day before the scheduled deportation to Poland. In 1941, she received permission to immigrate to America, and arranged for passage on a ship leaving Lisbon to New York. Margo crossed the Spanish border 24 hours before it closed. Margo did not arrive in Lisbon until after the ship was scheduled to depart, but mercifully found the ship was delayed due to mechanical problem. The trip from Lisbon to New York took 6 weeks, and she arrived in New York City with $10.00 in her pocket.
While in New York she met and married Armand Drucker, a German immigrant, and in 1950 had a daughter, Doris Hannah Drucker. In mid 1950, Margo and Doris rejoined Armand in Paris, where they remained until 1960. While in Paris Margo became a well-known photographer, specializing in photographing the leading European painters and other artists of that decade. Many of her photographs were published on the artists' art book jackets.
In 1960 Margo and Doris returned to New York, and Margo remained in Nyack, New York until 1975 when she moved to Albuquerque to be close to her daughter and her family. While in New Mexico, Margo had a number of photographic exhibits in local galleries and religious institutions. Margo leaves behind an extensive portfolio of photographs, which chronicles an era of visual arts in European art, beautiful landscapes of Corsica and France, and many portraits of friends and loved ones taken over her long life.
Margo is survived by her daughter, Doris Drucker Duhigg, her son-in-law, John Duhigg, her grandchildren, Charles, Daniel and Katy Duhigg, all of Albuquerque, New Mexico. Margo is further survived by an abundance of step-relatives, all of whom brought great joy and meaning to her life.

 

Margo Friters-Drucker Photo de Vasarely -Collection Privée B. Fabre photo argentique d'époque dimensions 19,7 x 14 cm avec le cachet de la phtotographe au dos 

Margo Friters-Drucker Photo de Vasarely
photo argentique d'époque dimensions 19,7 x 14 cm
avec le cachet de la photographe au dos
Collection Privée B. Fabre

Etablies en prévision de l’exposition rétrospective 1941-1973 intitulée "La liberté de peindre" qui aura lieu du 27 Mars au 26 Avril 2020  à Mers-les-bains, les notes qui suivent mêlent considérations historiques et confidences privées.

Elles vous familiariseront avec cet artiste dont la vivacité d’esprit, la culture étendue, la perpétuelle inquiétude, l’humour dévorant, la générosité de cœur, mais aussi les aspects les plus sombres de son tempérament, ont fortement impressionné ses amis et  proches.

  • « Pour des artistes tels que Michel Patrix, l'art est une aventure. C'est aussi une expérience vivante. Son activité est désintéressée. Elle se situe sciemment en marge des postulats de l'École de Paris. Elle traduit une volonté de choix qui s'écarte de la norme et une vocation qui échappe totalement à l'emprise de la mode. C'est une activité personnelle et individuelle qui côtoie l'anarchie. Elle n'est concevable que dans un pays libre qui se targue d'ignorer les contraintes esthétiques. Comme la plupart des peintres de sa génération, Michel Patrix subit (ou a subi) la puissante attraction du cubisme, mais il a adopté devant les découvertes de ses prédécesseurs une attitude nouvelle et indisciplinée. » - Waldemar George

Difficile en effet d’évoquer cette personnalité complexe, férue de philosophie, d’anthropologie, d’archéologie, de musique, d’histoire et de poésie.

Michel Patrix disait avoir été marqué par le fait de porter la version masculine du prénom de sa soeur ainée Micheline décédée en bas âge d’une méningite. Peut être est-ce dans le défi que sa naissance a représenté pour ses parents qu’il faut chercher les tendances héroïques de celui que ses collègues de la jeune peinture Parisienne des années 50 surnommait ‘l’increvable”?.  

Exposition Michel Patrix Mers Les Bains
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Le Musée Privé rencontre Christo par le-musee-prive

A l'occasion d'une exposition d'oeuvres préparatoires de l'artiste Christo dans la galerie Guy Pieters qui se trouvait à l'époque avenue Matignon à Paris, Patrick Reynolds, Directeur du Magazine Le Musée Privé, et Sébastien Lecca, plasticien et performer, ont eu l'opportunité de poser quelques questions à l'un des artistes les plus monumentaux et influents de notre époque.
Compte-rendu en images...

Une interview réalisée et préparée par André-Charles Idier

Remerciements à Christo, Guy Pieters et Isabelle Lelievre.

Guy Pieters Gallery
Albertplein 15
8300 Knokke-Heist
050/61.28.00

Guy Pieters Gallery Zeedijk
Zeedijk 753
8300 Knokke-Heist
050/62.33.80

Guy Pieters Gallery Offices
Edgard Gevaertdreef 10
9830 Sint-Martens-Latem
09/282.82.84


www.guypietersgallery.com

Christo Javacheff - photo de Patrick H. Reynolds

Christo Javacheff - photo de Patrick H. Reynolds

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Oleg GOUCOFF par Lydia HARAMBOURG ©

Historienne de l’art
Correspondant de l’Académie des Beaux-Arts,
Institut de France

Comment passe t-on de la sculpture à la peinture ?

Il semble que pour Oleg Goudcoff, les deux activités aient été consubstantielles de son engagement d’homme et d’artiste sans autre transcendance que celle d’un dépassement de soi inlassablement reconduit. Inébranlable et incorruptible, il quête l’indévoilable mystère de la création. L’expressionisme douloureux renfermé dans toute matière organique ou minérale se heurte à l’immatérialisme, tel que kandinsky le rêvait. L’enjeu existentiel d’Oleg Goudcoff se départit de tout automatisme esthétisé et passe par le risque permanent d’échouer, pire de chuter sans jamais renoncer à conquérir l’impossible, tel Sisyphe.
Voilà que l’œuvre nous apparaît aujourd’hui dans sa vérité. Ce moment rare qui est donné aux historiens de l’art, aux amateurs, nous saisit par le prodige d’une découverte qui nous conduit au seuil d’une révélation intacte.

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm

Oleg Goudcoff huile sur toile 146 x 114 cm - sans titre

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FIGURATION CONCEPTUELLE ET SYMBOLIQUE

Né le 13 octobre 1961 Stéphane Fradet-Mounier utilise principalement le métal et le bronze, et en complément la peinture. Son travail enferme une symbolique conceptuelle certaine à découvrir en côtoyant l'oeuvre. Son oeuvre nous interpelle sur le devenir humain, les échelles de couleur orange, symbole du progrès de l'homme qui cherche à s'élever, à aller toujours plus haut, et son contraire la rouille du métal symbole du viellissement et du temps qui passe, mais aussi tu temps qui élève l'homme par la connaissance. L'artiste nous fait réfléchir sur la dualité du monde qui avance en permanence entre le yin et le yang. A nous de découvrir la voie ouverte par l'artiste.

EXPOSITIONS
2010 Galerie la Rotonde Paris 18
     Montaz Paris 16
     JOAOGallery Paris 07 village suisse
     Bogo Gallery Pusan Corée du Sud
     Recycl'art, Esteponia/Marbella, Madrid
     Montmartre Gallery Pusan Corée du sud
     Galerie LE MUSEE PRIVE Paris

Stéphane Fradet-Mounier (1961) sculpture en métal Equilibre dimensions H 89 cm – L 73,5 cm – P 8 cm signée sur la base
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Francis Bacon est un peintre anglais né le 28 octobre 1909 à Dublin et mort le 28 avril 1992 à Madrid.

Son écriture reconnaissable fait de lui un des plus grands créateurs du XXème siècle, son oeuvre mélange la violence, la cruauté, la tragédie humaine.

L’œuvre de Francis Bacon se déploie en grands triptyques mettant en scène sa vie, ses amis, son admiration pour Diego Vélasquez, Vincent van Gogh ou Pablo Picasso, ou par des portraits torturés, comme pliés dans la texture de la toile, de ses amis Michel Leiris, Mick Jagger, etc...

Nous remercions le Musée Guggenheim de Bilbao pour cette biographie élaboré dans le cadre de l'exposition organisée au Guggenheim Bilbao en collaboration avec le Grimaldi Forum Monaco du 30 septembre 2016 au 8 janvier 2017.

Décennie 1910

Francis Bacon est né à Dublin le 28 octobre 1909, deuxième des cinq enfants de parents anglais installés en Irlande mais sans ascendance irlandaise.

La guerre d’Indépendance (1919–1921) et la guerre civile (1922–23) créent un climat de violence dans les zones rurales et les propriétaires terriens protestants sont durement touchés.

Francis Bacon Étude pour autoportrait (Study for Self-Portrait), 1976 Huile et pastel sur toile 198 x 147,5 cm Art Gallery of New South Wales, acquisition 1978 © The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés DACS/VEGAP, Bilbao, 2016 Photo : © Jenni Carter, Viscopy 

Francis Bacon
Étude pour autoportrait (Study for Self-Portrait), 1976
Huile et pastel sur toile 198 x 147,5 cm
Art Gallery of New South Wales, acquisition 1978
© The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés
DACS/VEGAP, Bilbao, 2016
Photo : © Jenni Carter, Viscop

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Lolochka est une des artistes majeurs du groupe Art Cloche fondé en 1981 véritable Bateau Lavoir des Temps Post-Modernes dont on commence à mesurer, avec le recul du temps, la véritable révolution artistique. Ces artistes venus de tous les pays ont joué un rôle essentiel dans l'histoire de l'art du XXème siècle, il nous est apparu important de les citer au début de la Biographie de LOLOCHKA afin de comprendre l'importance de ce mouvement : Beuys - Raynaud - Debord- Brelingard - Lolochka - Camargo - Smirnoff- Till - Daub - Rodier - Pawlowski - Rodrigues - Saban - Henri Schurder - Schlenther - Triton - Bob Shigeo - Vorobiov - Starck - Von Euge - Milovskaya - Yankel Pilar- Yane- Barbanti - Shigéo - Smimoff-Till - Hector Leuck - Zbona - Daub - Schlenter

Lolochka Nativité huile sur toile de 1989 dimensions 116 x 89 cm
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Alexandre Sacha Putov est un peintre expressionniste de l'Art-Cloche (né le 9 mars 1940 à Kamensk en Russie et mort en France le 18 novembre 2008).

Diplômé en architecture en 1969 à Moscou, il se consacre à la peinture et à la sculpture ainsi qu'à la gravure ; il expose à Moscou en 1973, puis exilé de l'ancienne URSS du fait de sa confession juive orthodoxe, et son refus de correspondre à l'art officiel, il s'installe à Haïfa en Israël où il est naturalisé. Marié, il donne naissance à un fils en Israël (David). Sa période israélienne est reconnaissable de par le style graphique employé et certaines réminiscences des paysages d’Haïfa ou de la culture orientale

À partir de 1986, il poursuit son œuvre en France et arrive au squat du mouvement Art-Cloche rue d'Arcueil à Paris, il y fréquente d'autres artistes squatteurs et certaines stars collectionneurs et artistes comme Serge Gainsbourg ou Ginzburg et Coluche ou Colucci dans Les Restos du cœur car il arrive sans le sou. Un marchand s'intéresse à ce groupe et met des artistes en salle de vente à Drouot dont le commissaire priseur était Cornette de Saint-Cyr. Ses œuvres sont en général des compositions expressionnistes aux couleurs ocre ou aux tons très expressifs, paysages urbains décalés, mais aussi maternités graphiques aux couleurs acidulées à partir de la naissance de ses enfants, d'où ressortent une inspiration de l'iconographie russe tant connue et adulée dans toute la Russie.

Au squat il fréquente et se lie avec Ody Saban artiste reconnue et ils effectuent ensemble à deux mains des gravures. Puis, en 1987, il rencontre Sylvie Gottraux avec laquelle il donne naissance à ses deux enfants, Louise en 1993, et Vassili en 1997.Dès lors son travail devient d'une façon plus générale plus aérien et plus stylisé et plus positif. Jean-Charles Riz, un grand collectionneur éclairé, se charge de sa promotion, cède parfois des œuvres et devient un marchand malgré lui, il le fait connaître et reconnaître comme un grand peintre notamment grâce à l'avènement d'internet et de son site Artpulsion en l'incorporant parmi les autres artistes de sa collection dont notamment le célèbre artiste d'Art brut Jaber.

Alexandre Sacha Putov huile sur toile 82 x66 cm signée en bas à droite et datée 91
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Bernard LOCCA (1926–1997) huile sur papier 65 x 50 cm signée en bas à droite et datée 70, intitulée "Masque humain". Bernard LOCCA (1926–1997) huile sur papier 65 x 50 cm signée en bas à droite et datée 70, intitulée "Masque humain".
Collection Privée Sceaux

Bernard LOCCA (1926–1997)

About the artist:

The painter Bernard Locca was born in Saint -Brieuc in 1926. Montmartre portraitist Son of Italian immigrants, after going to the Fine Arts, he made his classes in Montmartre in fifty years when he opened his first shop. Man of the people , there gladly bite the kids in Paris , the daubers , the costermongers . He became over the years a recognized artist and especially a renowned portraitist . He met Bernard DIMEY , Marcel Ayme and Gen PAUL who become close friends as well as FIP , BREL or Maurice Chevalier . Then handed over brush constantly at work , his signature is valuable. Enlightened collectors appreciate . It performs custom portraits of Simone Signoret , Mime Marceau , Valery Giscard d'Estaing . And Charles Aznavour , Auguste Le Breton , Jean YANNE or his good friend Christian BERNADAC become loyal fans. Exhibitions in the United STATES The President of the United States, Lyndon B. JOHNSON, acquired one of his finest works of the moment at which he made ​​the New York Times. His paintings are then exposed between Paris , New York and Chicago. Its customers to name the movie producer Frank Ross , the actor James Stewart , Henry Ford II , and many others ... But in parallel , homesick the taps . Illustrations of the newscast Back in Paris , he became artistic adviser TF1. He collaborated with his friend Roger Gicquel in the illustration of news. From 1971 to 1976 he sketched a stroke the faces that make the news . Brittany Despite of this success, Bernard Locca , which simply considers " a good worker in the work of art " remains committed to his beloved Britain. It is a modest and friendly man, a loyal friend , and he did not rat a chance to find his buddies thirty years been Binic or even in St Brieuc . His hometown btw will acquire a portrait of the writer Louis Guilloux with whom he has forged links with a real mutual respect. A formidable cartoonist "We often share the same artistic emotions," says the novelist Auguste Le Breton who knows since the sixties. " his portraits were executed hot exellents ! was a perfectly dreadful cartoonist." Illustrations He produced illustrations for " Ballad of Reading Gaol " of Oscard WILDE, " Mary- Anne " by Daphne Du Maurier Albin Michel . Most recently he participated in the illustration full of Hervé Bazin with Jean CARZOU works , Jean JANSEM , Leonor FINI BRAYER Yves Alain BONNEFOIT etc ... Modestly, he said: " I ​​have no other pretensions to be a witness painter that I love, moved by life, and hopefully beyond fashion I 'd just leave a small track . so that we can , perhaps , follow my trail. " Bernard Locca died Oct. 9, 1997.

patrix1954 100x81g
Michel Patrix huile sur toile de 1954 dimensions 100 x 81
ancienne Collection Emmanuel David
Collection Patrick Reynolds
Comme nous l'a indiqué Blaise Patrix ce tableau est noté dans le catalogue de la main de mon père sous le titre : "le guéridon aux pieds galbés" 40 F ref 239 avec en description :
table à ouvrage à gauche feuillage mimosas-verre.pommes poires - (Hteur) chaise à droite avec torchon violet."
 

J'ai découvert il y plus de 25 ans, Michel Patrix qui est un des artistes les plus importants dans l'histoire de l'art des années 40-50  grâce à Emmanuel David auquel je rendrai hommage sur ce site en publiant un essai de biographie. Michel Patrix est né le 25 mai 1917 à Cabourg dans le Calvados et décédé le 4 mai 1973 à Gonneville-sur-Scie en Seine-Maritime. Après avoir étudié à Castelsarrazin et obtenu son baccalauréat, il se fixa à Bordeaux, où il exerça divers « petits métiers ». Il a été mobilisé dans l’Armée française de 1937 à 1941, et après avoir été démobilisé, il est « monté » à Paris afin d’exercer sa passion pour la peinture et d’y consacrer tout son temps.

Il senti le besoin de maîtriser parfaitement la technique picturale et fréquenta avec assiduité l’Académie de l’Atelier André Lhote, auprès duquel il découvrit sa propre écriture imprégnée de l’influence cubiste alors prégnante sur l’Ecole de Paris.

Il rencontra, ainsi dès 1943, les jeunes artistes du groupe de l’Échelle dont il ne se séparera plus, y prenant d'ailleurs aussitôt une position dominante, écoutant avec eux les conseils amicaux d'Othon Friesz.:

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Le peintre-graveur d'origine argentine Hector Saunier est né à Buenos Aires en 1936. Il va vivre ses 25 premières années d'existence sous les régimes dictatoriaux de son pays. Il fait des études d'architecture, tout en faisant différents « petits boulots » qui lui permettront d'économiser pour faire le grand voyage qu'il a en tête. La grande traversée aura lieu en 1961. Hector Saunier s'installe à Paris. En 1966, le hasard lui fait rencontrer Stanley William Hayter il décide d'étudier la gravure au sein de l’Atelier 17. Saunier apprend son métier principalement auprès de Hayter, qui  reconnaitra rapidement son talent. Il devient rapidement un maître de la couleur et de la lumière, mettant toutes sa richesse créative au service de l'impression en taille-douce.
Hector Saunier devient assistant à l'Atelier, travaillant en étroite collaboration avec Hayter pendant vingt ans. En 1978, il devient Directeur Associé de l'Atelier 17, le prenant en charge pendant les absences de Hayter.

Hector Saunier Portrait - Photo Patrick Reynolds
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Bertrand Mogniat Duclos sanquine Collection Serge HamonPeintre de l'Ecole de PARIS

Né à SEDAN dans les Ardennes le 24 Août 1903, il a passé ses premières années à Claix où sa famille possédait une très belle demeure, décédé à PARIS en 1987.

Son atelier se trouvait à Montparnasse au 72 rue Notre Dame des Champs PARIS VIème.

Selon la classification retenue dans le livre "LES COMTEMPORAINS" par René HUYGHE ( Ecrivain, Académicien, conservateur du Musée du Louvre, Conservateur du Musée de Washington) en 1949 aux Editions Pierre TISNE, l’œuvre de MOGNIAT DUCLOS s'inscrit au point de rencontre de l'expressionnisme du début du siècle avec la nouvelle génération LE FAUCONNIER, GROMAIRE et LA PATELLIERE et du retour au Réel illustré par: BOUCHE, DUNOYER DE SEGONZAC, BOUSSAINGAULT, WAROQUIER, DUFRESNE CERIA, COUBINE, MOREAU et FOUJITA. et de la Nouvelle Subjectivité où l'on retrouve LA PATELLIERE, GROMAIRE, LE FAUCONNIER avec GOERG, CHAGALL, LURCAT.

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Formé très jeune à la calligraphie, Lassaâd Metoui, s’inspire tout autant de la peinture occidentale (de Matisse, Paul Klee à Soulages) que de l’art d’Extrême-Orient, notamment japonais. Il fait évoluer son art de plasticien vers une modernité qui transcende les cultures. Son talent, à la fois enraciné dans une tradition d’exigence esthétique et morale est innovant, son impact mondial, représenté aujourd’hui à l’Institut du Monde Arabe, en est la preuve et en fait un artiste majeur dans cette discipline.

ARTISTE PLASTICIEN CALLIGRAPHE PHILOSOPHE DES FORMES

2006- Londres : Exposition et Performances au British Museum avec le plus grand calame et pinceau de 80 cm de largeur
- Milan : Exposition au musée Castello Sforzesco

2007- Shanghai : Performance dans le cadre de la Nuit Blanche une toile de 190 m2 avec le plus grand pinceau du monde
- Pays de Galles : Exposition au Musée National

2008- Dubaï : Exposition World into Art

2009- Sao Polo : Performance à l’Université des Arts Amhembi Merumbi, technique du lavis et de l’encre de Chine

Lassaâd Metoui

Lassaâd Metoui 

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«Antoni Tapies (1923-2012), et la Galerie Lelong : une longue collaboration ». Monsieur Lelong et Antonio Tàpies Photo de Antoni Tàpies Copyright Galerie Lelong  Photo :  Fabrice Gibert Courtesy Galerie Lelong
Galerie Lelong
13 rue de Téhéran, 75008 Paris
Tel +33 1 45 63 13 19
http://www.galerie-lelong.com
C’est grâce à Jacques Dupin, qui avait écrit sur son art dès 1963, qu’Antoni Tàpies expose, à l’automne 1967 - puis sans discontinuer - dans les salles de la galerie au 13 rue de Téhéran.

Avec Tàpies et sa femme Teresa, ce fut une longue histoire de 45 années de collaboration et de fidélité réciproque, jalonnée d’une quarantaine d’expositions personnelles dans les Galeries Lelong de Paris, Zürich et New York.

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Les oubliés de l'histoire
A l'aube des années 80 une poignée d'artistes fauchés décidèrent de conquérir Paris afin de réaliser leur grand rêve .. que Paris redevienne la capitale de l'art.
Comme dans toute grande idée il y a toujours quelque chose qui cloche ils prirent le nom d'ART- CLOCHE et voici leur histoire.

Le soir est triste et froid -
La lune solitaire donne comme à regret ses rayons à la terre:
Le vent de la ville jette un cri déchirant -
Le flot de l'art semble une voix qui pleure -
Et la cloche des musées fait vibrer d'exposition en exposition -
Dans le ciel nuageux son glas de fin de règne - C'est le ur Novembre -
Au fond de l'atelier on entend chaque artiste affûter ses pinceaux.
C'est sur cette terre de désolation qu'à l'aube des années 80 une poignée d'artistes fauchés décidèrent de conquérir Paris -Armés de leurs boîtes de couleurs ils montèrent à l'assaut de la capitale endormie:
Cet art nomade de l'urgence - du quotidien - de la place publique -de la vie de tous les jours.
Où le bien et le mal se retrouvent et s'affrontent :
Où l'amour et la haine se rencontrent et s'accouplent :
Où la joie et la peine s'expriment et communient :
Où le beau et le laid s'aiment et s'unissent. Car     .
Tant qu’y'a d'la CLOCHE - y'a d'la vie Tant qu’y'a d'l’ART-CLOCHE - y'a d'l'espoir
Descendant de leurs lointaines montagnes - Animés de leur amour de l'art - ils arrivèrent de partout.
Pékin - Moscou - Shanghai - Minsk - Venise - Meknès - Montréal- Rome - Berlin - New-York - Porto - Bordeaux - Bourgogne -

Ils s'appelaient- Pawlowski - Starck - Schurder - Lolochka - Saban - Milovskaya - Yankel - Pilar- Yane- Barbanti - Shigéo - Leuck –  Smirnoff -Till- Zbona - D'autres beaucoup d'autres vinrent les rejoindre.

Cette avant-garde sauvage des années de détresse apporta un souffle salutaire et salvateur à l’art: formolé de ce siècle déclinant -

Henri Schurder
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Peintre britannique née en 1949, à  CORDOBA en ARGENTINE, Lia de Fontenelle, Princesse Frédéric de Broglie  peint depuis l’âge de 4 ans, peintre néo-figuratif et conceptuel, elle participe aux grands évènements de notre temps depuis la chute du mur de Berlin.

Elle partage on temps entre Londres et New-York.

Créateur à l'identité forte ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections privées internationales.

Lia de Fontenelle 
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J'ai connu Jean Ekiert par un hiver rigoureux dans les années 80. Un jeune marchand de couleurs et de toiles m'avait dit "j'ai rencontré rue de Tourlaque un artiste au talent fabuleux qui vit dans un atelier qui n'est même pas chauffé". Je me rendis dans son atelier par -2 degré, quel ne fût pas mon émerveillement en voyant cette oeuvre de grande qualité, l'artiste me vendit alors une cinquantaine d'oeuvres, avec cet argent il chauffa son atelier, améliora sa vie de tous les jours, et retrouva la joie de vivre, je le faisais connaître des amateurs autour de moi dont Bruno Jaubert qui travaillait alors dans l'Etude de Catherine Charbonneaux et le fit passer en vente aux enchères, et ainsi l'artiste fût de nouveau sollicité par les collectionneurs et les critiques d'art, ce qui créa une solide amitié entre l'artiste et moi. Cet artiste au talent rare était aussi un homme d'exception dont l'âme était aussi belle et signifiante que l'oeuvre comme aurait pu l'écrire l'Académicien René Huyghe auteur de "L'art et l'âme" paru chez Flammarion en 1968.

Patrick Reynolds Expert pour l'artiste

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Né le 11 mars 1925 à Saint-CLoud (Hauts-de-Seine). Claude Marechal huile sur toile 27 x 22 cm de 1959
Claude Maréchal est élevé dans la maison dans laquelle il a vécu une grande partie de sa vie. Une partie de son enfance se passe dans son jardin.
Il fait ses études à Saint-Cloud, au lycée, tout en marquant un grand intérêt pour le dessin.
Les vacances, passées chaque année en Bretagne, vont déterminer un attachement profond pour cette région
En 1946, abandonne ses études de droit pour se consacrer définitivement à la peinture.
Après un voyage fait aux Etats-Unis en octobre/novembre 1982, décide de s'installer à New York en 1983.

Cet artiste de grand talent soutenu par la Galerie Dubourg dans les années 60 avait exposé en 1955 à la Galerie Charpentier et Galerie Simone Heller.

Pour tout renseignement contacter Laurent Maréchal voir le site consacré à Claude Maréchal

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Edgar Stoebel portrait de l'artiste par Patrick Reynolds vers 1983

 

 

 

 

 

 

 

Edgar Stoëbel ( de son vrai nom Teboul Ichoua René ) est né à Frendah  près d’Oran en Algérie le 21 décembre 1909 décédé à Paris en décembre 2001 -  Stoëbel étant son nom d’artiste.

Très jeune il a été attiré par la musique et les arts graphiques, ces deux formes d’art ont été tout au long de sa vie étroitement liées et ont donné à son art cette dimension musicaliste et rythmée.

« Au fond c’est grâce à mon père que je suis devenu peintre, il a vécu intérieurement ses rêves, à Noël je trouvais dans la cheminée une boite de pastels, je me rappelle que vers l’âge de 10 ans je faisais des dessins et des copies de dessins, un jour j’ai fait un petit dessin représentant une femme nue, et ma mère curieuse de voir ce que je faisais s’est approchée de moi et quand elle a vu mon dessin elle a été choquée que je puisse faire un tel dessin à mon jeune âge et elle m’a tapé. La femme aura toujours été pour moi une source d’inspiration, elle est toujours présente dans mes œuvres. »

Stoebel Pianiste de JazzEdgar Stoëbel Le Pianiste de Jazz Figura-synthèse

« Mon père aimait la musique, il voulait constituer avec ses enfants un orchestre, il voulait que moi je fasse du violon, mon frère aîné du piano et un autre devait se consacrer au violoncelle. Je suis né avec la musique qui a bouleversé ma vie et l’art graphique. »

A Oran il crée un petit conservatoire avec 17 musiciens, une association de musiciens, et dirige un orchestre en tant que chef d’orchestre, mais il sent très vite qu’il ne progressera pas s’il ne part pas à PARIS.
Afin de travailler la musique il arrive à PARIS en 1931 et travaille avec le professeur  Léon Eugène MOREAU Grand Prix de Rome qui lui apprend l’harmonie, le contrepoint, la fugue et le piano jusqu’en 1939 déclaration de la guerre, mobilisé, il rejoint son corps d’infanterie où il est réformé temporairement au Conseil de Réforme.

A la suite de cela et de la montée du nazisme il repart en Algérie en 1940, où il  peindra et dessinera, puis dirigera un orchestre jusqu’en 1942.

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Heriberto CUADRADO COGOLLO was born in Cartagena de Indias (Colombia) on September 29th – 1945.

1957-1961 Studies at the Cartagena de Indias Academy of Fine Arts.

1960-1963 – He realizes many portraits during this period and becomes a member of the group  « Los 15 ».

1964 – He is awarded a grant for Europe.

1964-1965 – Takes residence in Madrid (Spain). Follows as an auditor the art classes at the San Fernando School.

1966 – Moves to Paris (France).

1970 – While collaborating with the French editor Georges Visat, he makes friends with the famous surrealist painter
Roberto Matta who suggests that he chooses his mother’s name – COGOLLO – to sign his paintings.
During this same period he is befriended by the poet José Pierre who later on, in 1973, will write the preface of his first catalogue.

1973 – His first individual exhibition The World of a Nohor is put on by the Parisian art gallery Suzanne Visat. Two important encounters mark this event, the first being the
start of a long friendly collaboration with two more poets Ted Joans and Joyce Mansour. The second being the meeting with the French publisher/collector Daniel Filipacchi.

1975 – In parallel to his painter activities, he begins his long and successful illustrator career, under his father’s name – CUADRADO – collaborating mainly with Lui and Playboy, both monthly magazines published by Filipacchi.

Hériberto Cogollo (né en 1945) huile sur toile dimensions 162 x 130 cm signée en bas à droite et datée IX 73 Au dos étiquette Galerie EDITIONS GEORGES VISAT 13, rue du Dragon PARIS 6ème. Fourni le Catalogue de l’exposition du 4 mai au 6 juin 1973 : Cogollo Le monde d’un Nohor Galerie Suzanne VISAT Hériberto Cogollo (né en 1945) huile sur toile dimensions 162 x 130 cm signée en bas à droite et datée IX 73 Au dos étiquette Galerie EDITIONS GEORGES VISAT 13, rue du Dragon PARIS 6ème.
Fourni le Catalogue de l’exposition du 4 mai au 6 juin 1973 : Cogollo Le monde d’un Nohor Galerie Suzanne VISAT
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Eliane Rosso (Française 1928 - 1994)

Eliane Rosso est une artiste peintre, graveur, illustratrice et lithographe française née en 1928 à Paris.
Rosso fait ses études à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Marquée par la querelle entre l’abstraction et le réalisme qui fait rage dans l’immédiat après-guerre, elle commence à produire une œuvre qui intègre les principes du cubisme tout en gardant les références au sujet et à la figuration, dans la lignée d’un Jacques Villon.
En 1954, elle remporte le Prix de la Casa Velasquez, et fait partie bientôt des jeunes artistes femmes les plus remarquées par la critique.
Elle remporte le Prix du Dôme en 1958 et en 1959 est sélectionnée par le jury pour participer à la première Biennale de Paris, au Musée d’Art moderne de la ville de Paris. Peu à peu, elle se tourne vers l’abstraction et y déploie une palette aux coloris très chauds. Elle  crée un univers de formes réfléchies et structurées,  aux contours arrondis, qui allie puissance des contrastes colorés et profondeur formelle. Elle expose régulièrement au Salon des Artistes indépendants.
Elle a participé à de nombreux salons et expositions notamment  à  l’ Académie Gérard Mourgue  l’ Hotel Hilton, la Fondation Taylor, les Salons Biennale de Paris.
Elle est présente dans des collections françaises et internationales.

MUSEES : ses œuvres sont présentes au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris et au Musée de Saint-Etienne et au Musée de Conches (Eure)

PRIX
1954 - Casa Velasquez
1958 - Prix du Dôme
1959 - Première Biennale de Paris. –

BIBLIOGRAPHIE
Éliane Rosso Les Cahiers D'Art-Documents -
Numéro 210 - 1964 Cailler, Pierre
Edité par Éditions Pierre Cailler, Genève (1964)
Biographie de peintre Éliane Rosso, le contenu comprend la signature de l'artiste, préface de Robert Vrinat, chronologie, bibliographie, collections des musées, l'histoire de l'exposition, commentaires de la presse et autres.

Eliane Rosso 162x130 - Vente d'art contemporain

Eliane Rosso Huile sur toile 162 x 130 cm

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Salvatore Gallo was born in 1928 in Vittoria in Sicily He studied in Turin with Carlo Carra from 1946-49. He then went to study in Mexico with the Mexican artist David Siqueiros fom 1955 -1957.
Gallo moved to New York USA in 1958 where he had his first major show at the Chiser Gallery. And began a collaboration with his cousin Frank Gallo Professor of Art at Boston University. Upon, completing several major commissions together. They had a major exhibition of work in Tel Aviv, Israel. In 1964 he left the States to move to Paris.
In 1965 he held his first major show at "' L’Academie Dufaux"' Paris. At the same time he took part in the Major exhibition “Art Fantastique” at the Langlois Gallery in Paris.
He received major recognition when he exhibited his sculptures At the Italian Embassy in Paris and at the musee d”Art Moderne. In 1969 he participated in the exhibition "Since Rodin" where he was presented with the Medalle de bronze.
In 1970 he was honoured further in recognition of his work with the Medaille d’argent a la Biennale Internationale de Juvisy.
Then in 1972 he won the Medaille d’ora la Biennale Internationale de Juvisy, culminating with the honour Eme Grand Prix de Juan-les Pins. He started working at his new studio at La Maison des Artistes in Nogent sur Marne Paris
Awards and commissions from 1975–1996 Medaille d’or au 14 eme salon International de Paris Sud de Juvisy. 1975 Participated in the 50th anniversary of the group of de Grear at the Chateau de Montvillargenne.
It was in this year that Salvatore Gallo and his cousin Frank Gallo worked on a number of projects in the states including monuments in Dallas, Texas, as well as several sculptures for the Play Boy Club of America

Salvatore Gallo Sculptor 1928-1996

Salvatore Gallo oil on canvas 97 x 130 cm

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Je remercie particulièrement Annie Cuillerat diplômée en histoire de l'art qui a écrit cette biographie de son frère, personne ne pouvait mieux qu'elle, faire la synthèse de cette oeuvre particulièrement créative que les collectionneurs avertis connaissent, et nous ouvrir les portes de la compréhension de la spiritualité de Jean Cuillerat.

Jean Cuillerat s'inscrit dans la mouvance de la nouvelle Ecole de Paris, rallié au mouvement de l'abstraction lyrique et poétique, il a développé une expression personnelle en quête permanente de recherche spirituelle et transcendantale qu'il puisait inlassablement aux sources de la création de l'univers, des religions, de la philosophie, du symbolisme et de l'art.

Patrick Reynolds

cuillerat 1965
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Artiste peintre né le 20 juin 1957 au Venezuela , résidant en France depuis 1973, expositions individuelles et collectives dans plussieurs pays: Venezuela, France, Suisse, Italie, Puerto Rico, Belgique,USA,Espagne,Allemagne,Yougoslavie. actuellement vie et travaille à Redon Bretagne.

ALVARO MEJIAS nacio en Valencia, Venezuela, el 20 de junio de 1957. sus primeros pasos en la pintura los realiza en el "taller libre de arte " de El Tigre(Anzoategui). En 1973 viaja a Francia donde hace estudios en la Escuela superior de Bellas artes de Paris.vive y trabaja en Paris hasta 1992 .actualmente reside en la region de la Bretaña   (oeste de Francia).

Avec quelle patience, douceur et simplicité les oiseaux construisent leurs nids… une vraie œuvre d’art. Combien de musiciens et compositeurs ont essayé de traduire en symphonie leurs chants. Quelle merveille la toile d’araignée, les ailes des papillons, les plumages multicolores des oiseaux, les coloris et formes des fleurs… et quoi dire du monde fantastique des océans.

L’art respire dans tout notre univers, on est de simples copieurs de la nature et on a la hardiesse de croire qu’on est des auteurs. On a perdu l’instinct d’observation, l’admiration, sentir, apprécier… être plus proche de l’instinct animal. La femme comme image créatrice, sensuelle, fragile, battante, muse incommensurable de l’artiste. Quel poète n’a pas abandonné son âme pour un regard, un baiser, une simple caresse… devenu ainsi chanson, poème , histoire d’amour.

Alvaro MEJIAS N°17 huile sur toile 92x73 "ingenuidad"

 

Alvaro MEJIAS N°17 huile sur toile 92x73 "ingenuidad"

 
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Les artistes Rafael Solbes, Juan Toledo et Manolo Valdés créent à Valence, en 1965, le groupe Equipo Crónica et présentent pour la première fois, la même année, un ensemble d'œuvres collectives au XVIe Salon de la jeune peinture à Paris. Juan Toledo quitte rapidement le groupe, qui ne sera plus constitué que par Manolo Valdés et Rafael Solbes jusqu'en 1981, date de la mort de ce dernier. Fondé sur la base d'un réalisme pictural dialectique, Equipo Crónica entreprend une critique des images de la culture contemporaine. Usant d'un langage proche de celui des affiches de propagande, le groupe provoque la rencontre des arts majeurs (chefs-d'œuvre de l'art) et mineurs (B.D., imagerie populaire). Il dresse parallèlement le procès du franquisme et s'inscrit, comme le peintre espagnol Arroyo, à l'intérieur de la contestation de la dictature. Le traitement que Solbes et Valdés font subir aux images évoque les peintures de quelques-uns des représentants français de la Figuration narrative, tels Aillaud et Recalcati, qu'ils rencontrent à Paris en 1965.

EQUIPO CRONICA SERIGRAPHIE SERIE EL BILLAR

Sérigraphie Collection Privée S. R. O Madrid (Espagne)

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Les expertises sont assurées par Marie-Laure de BERROETA ROQUET  au  09 52 17 22 19 e-mail : dmlroquet(at)yahoo.fr

Une rétrospective du peintre s'est tenue à la Chapelle du Carmel exposition muséale sous la conduite de Thierry Saumier conservateur et en accord avec la famille du peintre.

Tous renseignements peuvent être demandés aussi auprès de la famille du peintre sur leur site de l'artiste :  http://www.pierredeberroeta.org 

Actuellement une rétrospective du peintre se tient à la Chapelle du Carmel exposition muséale sous la conduite de Thierry Saumier conservateur et en accord avec la famille du peintre.

Tous renseignements peuvent être demandés aussi auprès de la famille du peintre sur leur site habituel.      

Une formidable aventure esthétique « Considérons d’un œil critique la peinture moderne actuelle. La technique s’épuise. Matisse engendre inlassablement ses odalisques sur riches tapis. Picasso applique sa maîtrise à cent femmes assises, Braque à cent natures mortes, Lhote à cent paysage, Villon aligne ses prismes étincelants. Les jeunes peintres ne font pas un centimètre en avant. Pignon évolue dans le cénacle des femmes assises, Gischia s’y aventure, Fougeron couche les siennes. Chacun s’évertue à tourner et retourner dans sa main un métier qui n’a plus besoin d’autre chose que d’un sujet neuf, propre à utiliser sa richesse (…) »  

Pierre de Berroeta Huile sur toile 100 x 81 de 1968

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Claude Maréchal (1925-2009), Les Vibrations de la Couleur
27 septembre 2012 – 23 décembre 2012
Exposition rétrospective Musée des Avelines
Musée d’art et d’Histoire de Saint-Cloud
60 rue Gounot – 92210 Saint-Cloud

01 46 02 67 18

www.musee-saintcloud.fr

Laurent Maréchal fils de l'artiste a créé le site consacré à son père Claude MARECHAL


Du mer. au ven. de 12h à 18h et du sam. au dim de 14h à 18h

Cet automne, du 27 septembre au 23 décembre, le musée des Avelines présente une grande rétrospective consacrée à l’oeuvre subtile et colorée de Claude Maréchal, artiste natif de Saint-Cloud et célèbre pour sa mosaïque monumentale de la gare RER Saint-Michel-Notre-Dame.

Image

Claude Maréchal Le calme en mer huile s/toile 1971- 114 x 146 cm
Collection particulière © Patrick Reynolds / Le Musée Privé
Exposition rétrospective Musée des Avelines Musée d’art et d’Histoire de Saint-Cloud Claude Maréchal (1925-2009), Les Vibrations de la Couleur
27 septembre 2012 – 23 décembre 2012
Reproduit au Catalogue du Musée et du Conseil général

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Musées : Museo de arte Contemporaneo. Universidad de Chile. Santiago.
(Austria, Vienna 1923)
Artista, de origen austriaco, perteneciente al Grupo Forma y Espacio.
Sus primeros estudios de arte los realizó entre 1945 y 1950 en la Escuela de Artes Plásticas de Bucarest, Rumania. MAC Museo de Arte Contemporáneo. Universidad de Chile, Santiago

Posteriormente realizó estudios de Postgrado en el taller del profesor de la Escuela de Bellas Artes de Jerusalén, Israel, Jacobo Eisenscheer.
Desde 1953 a 1955, Herdan realizó viajes de estudios a Grecia, Italia, Francia, trabajando en diversos talleres de artes plásticas.

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Eliana Minillo
Artiste visuel
née en 1961 à São Paulo Brésil


Atelier- Rua Nova Cidade,354 -Vila Olímpia- São Paulo/SP Brasil 04548-000
Tel - 00 55 11 3842 4650 /00 55 11 8962 5306 /00 55 11 3044 6351

Web Page : www.artisho.com/Eliana-Minillo

Formation:

1980/85-Arts Plastiques/ Fondation Armando Alvares Penteado (FAAP)
1984/85-Moniteur en gravure / FAAP
1985-Stage de licence en Art
83/85-Assistante /Institut de recherche FAP/ FAAP
1992-Cours de Modelage et de stylisme au Senac/ SP

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Une odeur venue d'ailleurs.

En franchissant le seuil de l'atelier de Jean-François Guzranyi, une odeur vous invite vers un ailleurs.... partout des références : ethnologique comme ce magnifique masque africain et,  une mémoire d'un passé familial présent par ses objets divers : pendule, vieux bocaux, murs recouverts de souvenirs... Tout autour de l'artiste, des toiles renversées, soigneusement rangées contre les murs. Les fenêtres occultées n'offrent aucune évasion seules, les œuvres en cours, ouvrent l'unique perspective.

Jean-François Guzranyi

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50ème anniversaire de la disparition de Jean Cocteau 1963 - 2013

En 1963, Jean Cocteau rejoignait l’éternité en laissant derrière lui une œuvre immense, protéiforme et intemporelle. Cinquante ans plus tard, la Ville de Menton, « ville Cocteau » puisqu’elle abrite la plus grande collection publique au monde à lui être consacrée, lui rend hommage tout au long de l’année 2013. Des expositions, des spectacles et des visites perpétueront le souvenir toujours actuel du « Prince des poètes », résonnant tel un écho à sa promesse prophétique : à Menton, et plus que jamais, Jean Cocteau reste avec nous.
Lucien Clergue, très lié au poète Jean Cocteau qu’il rencontre en 1956, participe de multiples façons à la Célébration qui lui est consacrée cette année. Les photographies du tournage du Testament d’Orphée associées à des documents, des dessins et des lettres témoignent de ce moment intense de l'histoire de l'art.

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Biographie Jeanloup SieffJeanloup Sieff (1933-2000) est l’un des plus grands photographes de mode et portraitiste français de la seconde moitié du XXe siècle. Il est donc étrange que, sur le grand nombre de publications consacrées à son oeuvre, aucune n’ait été consacrée jusqu’ici à ses photographies de mode. Cette constatation nous a conduites à une exploration de ses archives. La présente monographie offre - dans un choix de plus de 140 clichés - une vision exhaustive et approfondie de la carrière de Jeanloup Sieff comme photographe de mode.

Cette sélection de photographies exceptionnelles embrasse son travail du début des années soixante à la fin des années quatre-vingt-dix, reflétant le style incomparable du photographe - mélange unique d’élégance et de fantaisie, de romantisme et de mélancolie. On y verra nombre de ses clichés iconiques, mais aussi beaucoup d’oeuvres rares ou jamais encore publiées. Chaque décennie est introduite par des grands noms du milieu de la mode : Philippe Garner, Franca Sozzani, Patrick Mauriès, Olivier Zahm.
SIEFF FASHION de Jeanloup Sieff, Barbara Rix-Sieff Sonia Sieff et Ira Stehmann.

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Istanbul Blues, 2012 Acier inoxydable peint en blanc 650 x 355 x 490 cm 1264 kg ©Jaume Plensa courtesy Galerie Lelong ParisDepuis quelques années, la sculpture de Jaume Plensa a pris une nouvelle dimension. Ses créations monumentales peuplent désormais les places des villes du monde entier. Témoins silencieux de l'activité urbaine, ces personnages sont constitués d'éléments de langage universels : lettres de tous alphabets, chiffres ou notes de musique.

Istanbul Blues est montrée pour la première fois sur la Place Vendôme, nouvel écrin prestigieux du parcours Hors les Murs de la Fiac 2012, en collaboration avec le Comité Vendôme. Achevée en août 2012, le personnage-silhouette haut de 6,5 mètres est fait de notes de musique d'acier peintes en blanc. Il dialoguera avec deux autres sculptures très représentatives du travail de l’artiste : Yorkshire Soul, 2011, homme de lettres d’acier juché sur une imposante pierre, et Irma’s White Head, 2008, tête monumentale en dentelle de lettres blanches.

Jaume Plensa est né en 1955 à Barcelone, où il vit et travaille. Il est représenté en exclusivité par la Galerie Lelong à Paris et New York.
Ses sculptures sont visibles en permanence sur la Place Masséna à Nice, sur la jetée à Antibes, au Millenium Park de Chicago ou encore sur le campus du MIT (Massachusetts Institute of Technology) aux Etats-Unis.

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Marie L PhotographeCHATEAU D’OMBRE ET DE CHAIR

Marie L, « Porte 8 », editions United Dead Artists, Paris,  non paginé, 2012


S'inscrivant dans un travail long de 20 années et constitué d'images (autoportraits, « autocorps ») et d'écrits intimes, « Porte 8 » marque un moment important de l’œuvre d’une artiste qui à la médiatisation nominale préfère l’anonymat.  L’ensemble du livre est constitué de 11 séries. Chacune est prise en quelques minutes, presque « à la sauvette ». Le « studio photos » est le local poubelles de l’immeuble où vit l’artiste.

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Leroy Camille

 

Camille Leroy, né en 1905 à Paris et mort en 1995 à Roquebrune-Cap-Martin, est un peintre français.
Il s'exerce dès l'âge de onze ans à la miniature sur bois et à l'aquarelle. Il étudie à l'École Nationale des Arts Décoratifs de Paris, puis à l'École Nationale des Beaux Arts de 1920 à 1927 (élève de Cormon, Flameng, Lucien Simon).
Il reçoit le Prix du Conseil Général, le Grand Prix artistique de la ville d'Alger et la médaille d'Or hors concours de la Société des Peintres Orientalistes.

Il passe son service militaire en Algérie en 1925. Il reçoit le Prix Abd El Tif en 1937. Il se fixe alors définitivement à Alger.
Il est nommé professeur à l'École des Beaux Arts d'Alger en 1940.

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ROGER CAPRON TABLE BASSE 19551922 
Naissance le 4 septembre à Vincennes.
 
1938 - 1943  
Elève à l'école des Arts Appliqués à l'Art et à l'Industrie de Paris.
 
1945  
Professeur dans cette même école.
 
1946  
Arrivée à Vallauris, en compagnie de Robert Picault.
 
1947  
Jean Derval les rejoint. Création avec Robert Picault de l'atelier de céramiques "Callis". Les oeuvres de cette période sont souvent des pièces assez lourdes (vases, pots à tabac...) avec des éléments rapportés en fort relief (cordage, oiseaux...)

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Laurent JIMENEZ-BALAGUER

 

 

Laurent JIMENEZ-BALAGUER

Né à Barcelone le 14 Janvier 1928 - décédé à Boulogne (92) le 16 avril 2015. Son oeuvre de grande qualité qui figure notamment au Museu d´Art Contemporani de Barcelona - MACBA, Barcelone s'inscrit dans la tradition de la peinture abstraite Catalane du XXème siècle dont les principaux représentants sont Millares, Lucio Muñoz, Tàpies, Tharrats, Ponç, Cuixart, Miro.

 

 

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Josette Cayol est née en 1926, le sculpteur César, qui était son camarade aux Beaux Arts de Paris l'avait affectueusement surnommée «sa belle marseillaise». 
Les créations de josette Cayol nous livrent toujours les trésors de son imaginaire sans combat distinctif ou discriminant entre figuration et abstraction. Comme nous l’aurait dit Jean BAZAINE, l’art est abstrait par essence, l’acte même est une abstraction…

Nous présentons ici quelques oeuvres figuratives post-impressionnistes empreintes d'une infinie tendresse et qui nous rappellent le bonheur des années 70-80 marquées par la douceur de vivre, à travers les voyages de l'artiste : paysages des bords de Seine et de notre sud, des plages de Normandie ou de Bretagne, vastitudes des terres africaines ou ficus géant éclatant des ruines gréco-romaines ont été distillés par cet esprit vif, gai et au regard à la fois aigu et plein de tendresse. Tout y sera stylisé pour nous en offrir la quintessence.

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Ilana Raviv

 

Ilana RAVIV (1945) is represented in numerous Museums and Galleries in America and all over the world. Exhibition Saint Petersburgh State Russian Museum  from octobrer 31st  2007 untill  january 14th  2008,  Exhibition in the Moscow Museum Of Modern Art from december 24th 2008 untill january 18th 2009.

Direct link to :

EXHIBITION ILANA RAVIV MOSCOW MUSEUM OF MODERN ART :

 and http://www.mmoma.ru/en/

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Je remercie particulièrement Annie Cuillerat diplômée en histoire de l'art qui a écrit cette biographie de son frère, personne ne pouvait mieux qu'elle, faire la synthèse de cette oeuvre particulièrement créative que les collectionneurs avertis connaissent, et nous ouvrir les portes de la compréhension de la spiritualité de Jean Cuillerat.

Jean Cuillerat s'inscrit dans la mouvance de la nouvelle Ecole de Paris, rallié au mouvement de l'abstraction lyrique et poétique, il a développé une expression personnelle en quête permanente de recherche spirituelle et transcendantale qu'il puisait inlassablement aux sources de la création de l'univers, des religions, de la philosophie, du symbolisme et de l'art.

Patrick Reynolds

cuillerat 1965

 

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Alix Rossignol Collection LE MUSEE PRIVE

Née le 29 janvier 1936 à Leipzig (Allemagne) d'une famille d'artistes.
Nationalité américaine.
Études secondaires - Baccalauréat.
Etude de la sculpture avec le Maitre italien Ennio PETENELLO avec qui elle travailla 4 années. Dés lors le public et les critiques l'adoptèrent.
Son œuvre fut présentée à Paris New York, Milan et en Allemagne par les galeries Findlay 2 avenue Matignon Paris 8ème, New York, Palm Beach , les galeries Sassi et Revel.
Travaillant l'ombre et la lumière, le plein et le vide, en artiste accomplie, Alix Rossignol, nous entraîne à travers son abstraction dans un monde élégant et sensuel, qui ne peut renier la prédominance de l'esprit dans son harmonie.
L'épure, puisqu'il s'agit de cela, fonctionne et atteint son plein épanouissement nous redonnant à lire la forme humaine élancée et classique.
Alix Rossignol crée des couples, des trios, des conversations ou la nature de l'humain prend toute sa densité émotionnelle.

 

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Louis Caillaud D Angers 

Caillaud d'Angers est un artiste coloriste qui s'est intéressé aux nombreuses tendances artistiques qu'il a traversées. Son oeuvre importante laissera une empreinte dans la lignée des grands artistes de notre époque : Picasso, Chagall, Braque ou Matisse. En effet son oeuvre a su synthétiser les diverses tendances de l'art moderne, figuration, abstraction et cubisme en créant une oeuvre figurative faite de signes contenus dans un ensemble géométrique.

 

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Max OTTONI Photo de Charles Trenet

Né le 15 août 1918 à Paris, de parents franco-brésiliens, Max Ottoni a été un photographe renommée internationale, qui au cours de sa vie professionnelle a côtoyé les gens les plus célèbres des années cinquante et soixante : stars du cinéma, vedettes du spectacle et hommes politiques.
Le photographe a réalisé de splendides portraits de : Charles Trenet dont nous présentons le tirage d’époque, de Sacha Guitry, de Boris Vian, de Henry Salvador, de Lucienne Delille, de Gérard Philippe, du Général de Gaulle, de Juan Péron, de Paul Claudel, de Juliette Gréco, de Marcel Cerdan, de Dalida, de Brigitte Bardot, de Michèle Morgan, et Maurice Chevalier qu’il affectionnait particulièrement…
Max Ottoni grand spécialiste des reportages de voyage a apporté des témoignages intéressants sur les cultures des pays dans lesquels il a effectué des reportages et sur le Paris des années cinquante et soixante, comme l’avait fait son confrère le célèbre photographe Brassaï.

 

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Exposition Joe Downing Galerie Pascal LainéJoe Downing est un peintre franco-américain né le 15 novembre 1925 à Tompkinsville dans le Kentucky (USA), il est décédé le 29 décembre 2007 à Ménerbes dans le Vaucluse.
Il participe à la Seconde Guerre mondiale en Europe. Il fait des études à l'Art Institute de Chicago. Il s'installe en France en 1950. Il vit et travaille à Ménerbes jusqu'à son décès.
Joe Downing fut l’un des artistes défendus par la galerie Arnaud à Paris. Dans l'ambiance de Saint-Germain-des-Prés, peintres, galeristes, collectionneurs, critiques forment « un village » affirme Joe Downing qui, au fil des années, met en place, sur ses toiles, un incroyable puzzle dans lequel le plaisir du coloriste s’exprime sans retenue. Attiré par les supports inaccoutumés, il peint sur des vieilles portes, des fenêtres, puis des cuirs.

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Georges YoldjoglouGeorges Yoldjoglou d'origine grecque, est né à Paris le 25 juin 1933. Peintre de La Marine il a notamment créé le motif symbolique du porte-avions Charles de Gaulle

Biographie
1952 Concours d'entrée Arts Décoratifs
1956 à 1990 Créateur publicitaire et artistique au groupe "TOTAL"
1955 à 1992 Créateur d'affiches, de timbres, lauréat de Concours d'Etat de pièces de monnaies
1993 Grand Prix de la plus belle pièce de monnaie (Best Crown coin of the year winner) Baltimore U.S.A.
1996 Illustrations Livre d'Art "Belles Saisons" de Colette avec lithographies originales couleurs. Editions Pierre de Tartas
1996 Lauréat du Concours d'Etat du motif symbolique du porte-avions Charles de Gaulle

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Franz Beer 1962 dimensions 30 x 23 cm Collection Privée Serge HamonPeintre abstrait, né à Vienne (Autriche) en 1929, Franz Beer suivit les études artistiques (architecture, peinture, restauration et gravure) de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne de 1944 à 1950 et obtint son diplôme en 1950. de 1950 à 1966 il voyagea à travers l’Europe et visita l’Autriche, l’Allemagne, l’Italie, la Suisse et la France.
Arrivé à Paris en 1958, il fit partie de l’équipe de la galerie Bing à Paris de 1959 à 1965 avec laquelle il avait un contrat d'exclusivité.
De 1966 à 1968, il vécut aux Etats-Unis où il enseigna en 1966 au Massachusetts College of Fine Arts, Boston, Massachusetts USA puis en 1966-1967 à la Brown University, Providence, Rhode Island, USA et à la Harvard University. Cambridge, Massachusetts, USA l’année suivante et à la University of North Carolina, Greensboro Caroline du Nord en 1974.
A son retour en europe dans les année 75 jusqu'en 1991 il fut nommé professeur émérite à la Fachhochschule für Gestaltung, à Schwäbisch Gmünd, en Allemagne. Depuis 1992 vit la plupart de l’année à Venise.

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G.C. Chavanne gouache

Biographie de Georges Claude CHAVANNE (1912-1990)

Georges Claude Chavanne fut un affichiste connu et reconnu du milieu du 20ème siècle, néanmoins le plus intéressant de son œuvre réside en sa face cachée qu'il n'a que rarement dévoilée : ses recherches personnelles ont donné de fabuleuses gouaches sur papier, dont la fluidité, la couleur, la sonorité, l'unité des tons, la gestualité nous font découvrir l'immense talent de cet artiste qui n'a rien à envier aux plus grands créateurs de ce siècle disparu.

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Joseph Duncan né en 1920 
Peintre et sculpteur né à Londres le 16 décembre 1920 de parents irlandais, Duncan étudie à la Slade School of London de 1944 à 1949 et enseigne subséquemment à la Guildford School of Art mais, se rendant compte de la difficulté, voir de l'impossibilité de concilier enseignement et création picturale, il décide de quitter l'Angleterre et de s'installer à Paris, en 1951.
Après avoir vécu à Vence dans le Midi de 1952 à 1954, puis s'installa en Italie où il eu sa première exposition importante à Milan, dans la galerie Schettini. Il vécut ensuite en Sardaigne pendant 18 mois, puis à Marino Laziale, dans les montagnes près de Rome jusqu'en 1957, où il décida de rentrer à Paris et de s'installer dans le Marais.

Joseph Duncan huile 60 x 91 cm de 1960  Collection Privée Serge Hamon

Joseph Duncan huile 60 x 91 cm de 1960
Collection Privée Serge Hamon

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Elke Daemmrich 2011, Foto Ulrike FassbenderNée le 19 juillet 1964 à Dresde, Allemagne.

De 1990 à 1994 membre du groupe d'artistes "Leipziger Blauer Reiter",
autours de Manfred Martin der Ältere.

En 1993 elle gagne une bourse de la fondation "Kulturfonds" Berlin, pour son projet "La lumière du sud", séjour de 6 mois dans la Provence, à Lacoste.

En 1994 elle s'installe en France et achete une maison médievale à Tournecoupe,à coté de Toulouse où elle vit et travaille aujourd'hui.

Depuis 2003, elle mene à nouveau de projets d'exposition en Allemagne et travaille d'abord dans un atelier près de Cologne et actuellement dans sa ville natale de Dresde.

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 André Maigret huile sur toile 65 x 50 cmNé le 18 novembre 1941 à Bône (Algérie)
 
 1962 Admission à l'atelier Chapelain-Midy à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts  de Paris.
 1966 Lauréat du prix de la Casa Velasquez à Madrid (1966-1968).
 1967 Logiste du prix de Rome.
 1968 Exposition des pensionnaires de la Casa Velasquez au Musée de la Comtesse de  Caen, Institut de France, Paris.
 1969 Diplôme Nationale des Beaux-Arts de Paris.
 1974 Prix de l'UNESCO à l'Exposition Internationale de Monaco.
 1974 Prix Antral.
      Médaille d'Or au Salon des Artistes Français dans la section « Hommage à Magritte ».
 1975 Prix Gemmail à la galerie Drouant , Faubourg Saint Honoré, Paris.

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Me, Myself and I, 2011 Photograhie, Impression numérique noir et blanc et pastel sec Archival Prints 67 x 105 cm, 1/5 + E/A Courtesy Lucie DUVAL GALERIE ISABELLE GOUNODINSERTS ET PASSE par Jean-Paul gavard-Perret

Fidèle au ready-made mais en le complexifiant, Sophie Duval aime détourner les objets et les mots de leur fonction première pour mettre de manière ironique en évidence les contradictions de notre langage et de l’art lui-même. Dans sa nouvelle exposition parisienne des mots se collent en surimpression sur la photographie. C’est un autre moyen de lui mettre un « gant » - ojet totémique de l’artiste québecoise.Le mot devient le "pré-texte" tout autant que la postface, il est aussi le découpage et le démembrement de l’image qui laisse la main ou le gant au langage. Car on peut se demander qui dans cette confrontation qui de l’image et du langage est l’un ou l’autre.

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EXPOSITION EDUARDO CHILLIDA FONDATION MAEGHT

La Fondation Maeght a organisé, du 26 juin au 13 novembre 2011, une rétrospective d’Eduardo Chillida (1924-2002). Ce « sculpteur devenu forgeron » (Gaston Bachelard), est célèbre pour ses sculptures monumentales autant que pour ses collages graphiques et poétiques. Cette exposition, qui prend source dans l’étroite relation que l’artiste espagnol a entretenue avec Aimé Maeght, présente près de140 œuvres : 80 sculptures et 60 œuvres sur papier. A cet artiste qui écrivait « je n’ai jamais cherché la beauté. Mais quand on fait les choses comme il faut les faire, la beauté peut leur arriver », la Fondation Maeght rend un hommage admiratif, riche de la longue amitié qui unit les familles Chillida et Maeght.

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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

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Directeur de publication

 

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