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Marc Desgrandchamps Galerie Lelong & Co. |
Marc Desgrandchamps Latona 1, 2 et 3, 2018, |
Marc Desgrandchamps Galerie Lelong & Co
Art Latino-Américain
Marc Riboud Galerie Acturus
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Marc RIBOUD |
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| Marc RIBOUD, DALI à Cadaquès, 1963 Courtesy Galerie ARCTURUS |
Quel a été le moteur de ce jeune homme timide au départ, devenu un homme libre et un infatigable voyageur, parcourant le monde en prenant son temps, emportant avec lui sa joie de vivre, sa curiosité et son fameux « instinct de l’instant » ?
Au-delà de la diversité des sujets, parfois liés à l’actualité mais toujours dictés par son désir de « voir de près ce dont tout le monde parle de loin », Marc Riboud est allé à la rencontre des hommes un peu partout dans le monde.
Marcel BOVIS Maison de La Photographie Robert Doisneau
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MARCEL BOVIS commissaires d’exposition DU MERCREDI AU VENDREDI 13H30 / 18H30 SAMEDI ET DIMANCHE 13H30 / 19H00 tél : +33 (0) 1 55 01 04 86 |
 Graffiti et chaussures blanches, La Rochelle, 1938 |
L’exposition et le catalogue qui l’accompagne présentent un ensemble d’images réalisées à partir des négatifs originaux de Marcel Bovis conservés par la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine. Le photographe fit en effet don à l’Etat le 31 janvier 1991 de l’ensemble de ses archives.
MARK TOBEY Galerie Jeanne Bucher Jaeger Paris
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| Mark TOBEY World, 1960, tempera on paper, 12.5 x 17 cm Courtesy Jeanne Bucher Jaeger, Paris ©Jean-Louis Losi |
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MARK TOBEY october 16, 2020 - January 16, 2021 Opening Thursday, October 15, 6 pm - 8.30 pm Events during the exhibition : Saturday, November 14, 6 pm : The Bach Project East meets West with Raphaëlle Moreau, violin and Madjid Khaladj, Iranian Percussion Thursday, December 10, 6.30 pm Screening of the film Mark Tobey by Robert Gardner (1952) (19 min) Thomas Schlesser: Tobey by the way Patrick Chemla, violinist: John Cage, 4:33 I have discovered many a universe on paving stones and tree barks. I know very little about what is generally called "abstract" painting. Pure abstraction would mean a type of paiting completely unrelated to life, wich is unacceptable to me. I have sought to make my painting "whole" but to attain this I have used a whirling mass. I take up no definite position. Letter from Mark Tobey (February 1, 1955), exhibition catalogue, Musée des Arts décoratifs, 1961 |
Markus Lüpertz & A.R. Penck Galerie Lelong
Markus Lüpertz & A. R. Penck
GALERIE LELONG
13, rue de Téhéran
75008 Paris
Tél. 33 1 45 63 13 19
http://www.galerie-lelong.com
Peintures et sculptures des années 80
3 avril – 17 mai 2014
Vernissage jeudi 3 avril à partir de 18h
Protagonistes majeurs de ce qu’on a qualifié de « nouvel expressionisme allemand », Lüpertz et Penck, peintres et sculpteurs, amis de longue date, ont été dans les années 60-70 à la recherche d’une figuration en réaction contre l’abstraction alors dominante. Lüpertz s’est tourné vers une relecture de la
peinture d’histoire et des grands thèmes mythologiques ; Penck, lui, s’est inspiré du graffiti, de peintures rupestres, de l’Art brut, développant un langage pictural composé de signes délibérément simples et universels (l’homme, la croix, la flèche).
Masters Urban & Street Art Galerie Laurent Strouk
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Les artistes d'Urban et de Street Art quittent la rue pour s'exposer à la Galerie Laurent Strouk du 1er juin au 15 juillet 2016. GALERIE LAURENT STROUK |
RAMMELLZEE - Tower of Panzerism - Spray marker on canvas |
Maurice Esteve Galerie Applicat Prazan
À l’occasion de sa participation au
Salon du Dessin au Palais de la Bourse du 10 au 15 avril 2013
puis à la galerie Rive gauche du 20 avril au 11 mai 2013
Applicat-Prazan
présente Maurice Estève
Immense coloriste, homme d’une extrême rigueur et sincérité, Maurice Estève s’imposa rapidement parmi les meilleurs représentants de la seconde Ecole de Paris et exerça une influence considérable sur les artistes de sa génération.
Sa vocation très précoce, son tempérament volontaire et farouche, et son sens aigu de la liberté font de lui un artiste singulier et attachant. A 9 ans, il franchit, seul, les portes du musée du Louvre. Révélation : « Je voyais désormais la nature à travers les tableaux. » A 11 ans, il se met à peindre : commence dès lors sa quête, quête de peinture et d’absolu, qu’il mènera sans faillir au cours de sa longue vie.
Melkart Gallery présente Francesca Di Bonito
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VERNISSAGE le jeudi 27 octobre à 19h Melkart Gallery melkartgallery(at)gmail.com du mardi au samedi de 14h à 19h Les photographies de Francesca Di Bonito possèdent un pouvoir de séduction évident. Elles ont cette capacité de happer le regard au premier abord, que l’on pourrait expliquer par la surprise, cette faculté de montrer une image jamais encore vue, d’une beauté ou d’une laideur inédites. Sous-tendues par un discours très fort qui appartient au champ de la politique, de la sociologie ou bien à celui de la fantasmagorie, les photographies de Francesca Di Bonito portent un champ narratif invisible qui n’est certainement pas indifférent à l’attrait exercé. Mais il y a quelque chose en plus de tout ceci, quelque chose qui n’a rien à voir avec la qualité technique, avec la surprise et l’originalité, ou avec la trame narrative et idéologique. Une chose qui doit retenir notre attention, parce qu’elle est au centre des enjeux de la photographie, et des métamorphoses que les technologies contemporaines, numériques notamment, lui ont imprimées. |
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Michael Scott Galerie Laurent Strouk
| Michael SCOTT 23 avril/ 23 mai 2015 Vernissage le jeudi 23 avril en présence de l'artiste GALERIE LAURENT STROUK 2 avenue Matignon 75008 PARIS - FRANCE +33 (0) 1 40 46 89 06 www.laurentstrouk.com galerie[at]laurentstrouk.com Michael Scott est un artiste américain né en 1958. Il vit et travaille à New York. Associé au début des années 90, avec ses amis Steven Parrino, Matthew McCaslin, Cady Noland, ou Olivier Mosset, à ce qu'on a appelé la « nouvelle abstraction » et proche de courants comme le « Neo-Geo » (Peter Halley, Jeff Koons, John Armleder...), Michael Scott est l'auteur d'une œuvre protéiforme, dont l'exposition à la Galerie Laurent Strouk propose un aperçu assez complet, des premières peintures de cercles des années 80 aux tableaux les plus récents, en passant par ses incursions dans la figuration. L'exposition inclut notamment plusieurs pièces majeures représentatives de ses peintures systématiques de lignes noires et blanches du début des années 90 (du type de celle que l'on a pu voir à l'exposition « Dynamo » au Grand Palais en 2013) - des peintures dont l'effet optique est si intense qu'elles en deviennent difficiles à regarder. Michael Scott a lui-même décrit ces peintures comme de « l'Op Art sous acide ». Sont également présentés à la galerie des travaux plus récents, dans lesquels l'explosion des couleurs poursuit cette recherche d'un effet optique maximal. |
 Michael Scott ATHTTSTW # 5, 2010 |
Miguel MACAYA Ivan FRANCO Galerie ARCTURUS
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Miguel MACAYA - Ivan FRANCO, Galerie ARCTURUS Depuis ses débuts en 1999, la Galerie ARCTURUS a défendu la scène contemporaine espagnole en faisant connaitre des artistes tels que Miguel MACAYA, Regina GIMENEZ, Alejandro QUINCOCES ; plus récemment elle a organisé la première exposition personnelle en dehors d’Espagne de Lidia MASLLORENS, exposée depuis à Singapour, aux Etats-Unis et en Europe, Nous proposons en février 2017 un face à face entre un artiste bien connu de la galerie, Miguel MACAYA, et un nouvel artiste émergent Ivan FRANCO FRAGA. |
Ivan Franco crayon sur papier 100 x 100 cm |
Miles Aldridge exhibition Huxley-Parlour Gallery
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Huxley-Parlour Gallery This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia 15 November - 15 December 2018 A new exhibition, This Side of Paradise: Narrative, Cinema and Suburbia in the Work of Miles Aldridge and Todd Hido will present twenty large-scale colour works, demonstrating how these two contemporary artists investigate the concept of suburbia. Though works by Aldridge and Hido are visually dissimilar, both artists are recognisable for their distinctive cinematic colour palettes, lighting and compositions, and the suggestion of narrative possibilities beyond the edge of the Todd Hido, #2154-a, 1998 frame. Whereas Hido presents a shadowy, empty, exterior suburban world, Aldridge presents the viewer with brightly lit, garish interiors, focusing on the imagined lives of the women who inhabit them. Hido’s works in the exhibition are from his ongoing Houses at Night series, depicting isolated suburban homes in America, photographed at night, replete with voyeuristic undertones and implied narrative. Hido’s work is concerned with themes of urban isolation and interior lives, lived separately from outward appearances. His compositions are often bereft of human presence, although a singular lit window or an empty car become signifiers of stories left untold. |
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Ming Dynasty The Barakat Gallery Beverly Hills CA
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Bodhisattvas are enlightened beings who have put off entering paradise in order to help others attain enlightenment. There are many different Bodhisattvas, but the most famous in China is Avalokitesvara, known in Chinese as Guanyin. Early depictions of Bodhisattva Avalokitesvara displayed male characteristics, but this tradition subsequently became less rigid. By the end of the Yuan Dynasty (AD 1367/8), most Guanyin sculptures depicted the beings as young women, often bearing a vase of holy water to cleanse the souls of those they were bound to protect. According to legend, Guanyin was born on the nineteenth of the second lunar month, achieved enlightenment on the nineteenth of the sixth lunar month and achieved nirvana on the nineteenth of the ninth lunar month. It is said that s/he is the top Bodhisattva beside Shakyamuni Buddha, and an assistant Bodhisattva beside Amitabha Buddha in the Western World of Ultimate Bliss. It is believed that any sentient being who recites his/her name during a disaster would be heard and saved, which can explain why his/her importance to Chinese Buddhism. "Guanyin" literally means "observing the sounds", which refers to the belief that the Guanyin would observe all the sounds in the world, particularly listening for requests from worshippers. The current example is female, and stands 39" tall on an incorporated base. The pose is somewhat langurous, with the weight shifted onto the right leg while the left is slightly bent. The left hand hangs by the side, holding some implement or piece of drapery. The right hand is raised, and appears to be an object of contemplation by Guanyin. The head is carved in a mood of reflective serenity, and is inclined slightly to the right. The sculpture is topped with a tall, ornate crown of generally floral aspect, with plume-like eminences arranged in vertically-oriented bunches. The underlying hair has been gathered up underneath the crown, leaving a halo of hair around its perimeter. A loose tunic-like garment (dhoti) envelops the lower half of the body, and further drapery (scarves) is casually wrapped over the shoulders. The complexity of the drapery and the care with which it has been carved is stunning - the individual folds and creases are all cleanly and deftly rendered, and contrast with the smooth texture of the skin. The figure additionally wears two bracelets on the left wrist, as well as a necklace and pendant arrangement in the chest area. This is a superb and important sculpture that would grace any collection of Eastern art. For more information on this example click the image above. To browse additional |
Ming Dynasty Lacquered Wood Sculpture of Guanyin The Barakat Gallery, 421 North Rodeo Drive, |
MIRO GRAPHIC BENJAMIN SEBBAN GALLERY
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BENJAMIN SEBBAN GALLERY MIRO GRAPHIC- Du 4 septembre au 3 octobre 2020 -VERNISSAGE JEUDI 3 SEPTEMBRE DE 16H À 19H30- Pour cette rentrée 2020, la galerie présentera une série de lithographies et gravures de Joan Miro, monstre sacré du XXeme siècle, surréaliste de la première heure, son œuvre évolue vers l’abstraction au fil des années et des recherches. Miro nous laisse une œuvre complexe et son corpus comprend des milliers de peintures,dessins,sculptures mais aussi un travail remarquable gravé et lithographié, véritable pan de son œuvre à part entière. La collection que nous exposerons provient de la collection personnelle de Maurice Lefbvre-Foinet , illustre marchand de couleurs mais surtout grand collectionneur des artistes avec qui il était ami,Giacometti,Matisse,Miro... il accumula des centaines d’œuvres, aujourd’hui dispersées dans les plus grandes collections et musées. La galerie sera exceptionnellement ouverte le Dimanche 6 septembre de 11h00 a 18h00. Venez nous rendre visite .. |
Miss tic Flashback GALERIE LÉLIA MORDOCH PARIS
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Miss tic Flashback GALERIE LÉLIA MORDOCH | PARIS Trente ans, ce n’est pas rien. Plutôt qu’une rétrospective, Miss Tic a choisi d’opérer un flashback et de revenir sur les moments phares de ses trente ans de création avec de nouvelles oeuvres et un ouvrage qui parait chez Critères éditions. Pour cette quatrième exposition personnelle à la Galerie Lélia Mordoch, Miss Tic revisite son répertoire en effectuant de nouvelles associations entre ses aphorismes parmi les plus emblématiques, et ses fameuses figures féminines, dont certaines inédites. Introduisant plus largement la couleur, elle habille ses femmes d’une nouvelle collection automne/hiver au parfum d’anniversaire. |
Et l'amour mon amour, 2015, |
Miss Tic Galerie Lélia Mordoch
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Alerte à la bombe Urban Art Fair Paris 2017 La galerie Lélia Mordoch présente Dédicaces du livre de Miss Tic le samedi 22 avril de 15h à 16h30 |
Alerte à la bombe © Miss Tic/ADAGP Courtesy Galerie Lélia Mordoch |
MONIQUE FRYDMAN GALERIE DUTKO
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| L' Autre Rive 12, 2022 - 2023 Pigments, liant et pastels sur toile de coton 187 x 183 cm © Virginie Bonnefon |
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La Galerie Dutko a le plaisir de présenter jusqu'au 21 octobre 2023 une exposition d'œuvres de l'artiste française Monique Frydman. Pour sa quatrième exposition personnelle avec la galerie, nous présenterons sa dernière série de peintures intitulée « L'Autre Rive », créée entre 2022 et 2023. « Je voudrais quelque chose comme l'Orée du monde pour mes tableaux ». Ces mots, ce sont ceux de Monique Frydman datant du 2 décembre 1988, retrouvés dans ses carnets d'atelier à l'occasion de leur parution aux éditons de l'Atelier Contemporain en 2019. Artiste majeure de la peinture abstraite, Monique Frydman a souvent évoqué le temps de la peinture et du tableau dans son œuvre. Quand commence une œuvre ? A l'Orée, comme quelque chose qui est en train de naître, de se dilater, à mi-chemin entre le désir et la maitrise. Il est toujours question du temps de peindre, et du temps de la peinture dans l'œuvre de Monique Frydman. Cette question, qui se posait déjà à l'artiste en 1988, est toujours d'actualité dans sa pratique. |
Murielle Vanhove Galerie Barrou Planquart
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Cette artiste énergique et enthousiaste a tourné un court métrage rien que pour vous! Si vous aimez l'Art, si vous aimez la musique, si vous aimez sourire, si vous souhaitez découvrir Murielle Vanhove comme vous ne vous attendiez pas à la voir, alors cliquez sur la vidéo! Profitez de votre voyage entre humour et pigments! Virginie Barrou Planquart : https://www.galeriebarrouplanquart.com/ Née à Paris en 1963, Murielle Vanhove a toujours été fascinée par la dynamique des villes et des déplacements urbains. Adolescente, elle s'intéressait déjà aux gens qui allaient et venaient dans la brasserie de ses parents. Cachée derrière ses carnets de croquis, elle esquissait l'énergie précipitée de la foule. Elle obtint son diplôme en 1987, après avoir reçu une formation complète en peinture, dessin et photographie à Penninghen, avec une maîtrise en direction artistique qui l'a d'abord amenée à travailler dans une agence de publicité. Très vite, le désir de renouer avec le «mouvement» et le sujet s'est fait sentir. Après dix ans de design graphique, elle décide d'abandonner l'écran au profit du pinceau. Ses portraits et scènes de la vie quotidienne sont aujourd'hui collectionnés à Paris, New York, Londres, Bruxelles, Bâle et Hong Kong. |
Murielle Vanhove Let's Go!,116x89 cm |
Niki De Saint Phalle Galerie Guy Pieters
15 décembre au 28 janvier 2012
GALERIE GUY PIETERS
2, Avenue Matignon 75008 Paris – FRANCE
Tel. +33 (0)1 42 89 26 83 Fax. +33 (0)1 42 89 27 03
www.guypietersgallery.com
paris[at]guypietersgallery.com
Tout l’univers vibrant et coloré de Niki de Saint Phalle est présenté du 15 décembre 2011 au 28 janvier 2012, à la Galerie Guy Pieters à Paris. Rarement une telle collection d’œuvres de Niki de Saint Phalle de tous formats s’offre ainsi aux collectionneurs.
Niki de Saint Phalle (1930-2002) est une artiste franco-américaine, née en France décédée aux Etats-Unis où sa famille est partie à la suite du krach boursier de 1929.
Norbert Bisky Galerie Templon
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| NORBERT BISKY - DATES Mar 14-May 23, 2020 Desmadre Berlin 14 MARS - 9 MAI, 2020 Galerie Templon 28, rue Grenier Saint-Lazare Paris https://www.templon.com/ On his first return to Paris since 2014, German painter Norbert Bisky plunges us into the heart of his native capital city: the wild Desmadre Berlin of the inter-war period, a world of hedonism and anarchy whose traces are still to be found on the capital's walls today. In this new series, Bisky has chosen to swap the pastel blue of his skies for darker hues and the luminous smiles of his models for more serious expressions. His baroque scenes feature bronzed models who bring to mind the communist propaganda which marked the artist's youth in GDR. Alongside them are the night birds, hipsters and outsiders who populate the streets of Berlin Friedrichshain every evening, drifting among the post-industrial facades that characterise the district, a favourite haunt of the city's denizens of the night. |
Ody Saban Galerie Hervé Courtaigne
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"L'Odyssée d'Ody" SABAN croise les œuvres "From bad to worse" de François JAUVION . Ody SABAN est une artiste née en 1953 à Istanbul. Elle vit et travaille en France depuis 1977. Issue d'une famille juive séfarade et initiée à la peinture par son beau-père musulman , peintre miniaturiste , elle est élevée par des religieuses catholiques françaises et italiennes. Ody Saban a étudié à l'université de Haïfa en Israël avant de s'installer à Paris où elle a fréquenté l'Ecole des Beaux-Arts jusqu'à 1980. Elle a longtemps séjourné aux Etats-Unis avant de revenir définitivement en France. Son art s'apparente à l'Art Brut/Art Singulier mais aussi au Surréalisme (Roberto Matta, Remedio Varo...) tout en pratiquant de multiples expressions plastiques : la peinture, le dessin, la sculpture mais aussi la poésie, l'écriture, les performances... Elle s'implique dans divers mouvements de femmes. Elle a joué un rôle important dans le Mouvement Art Cloche en 1984. |
Ody SABAN "5712 Assemblée de femmes : Les constructrices d'un sourire aérien" 2011 aquarelle et encre de Chine sur papier 116 x 148 cm |
Olivier Esturgie Galerie Nivet-Carzon
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Visible impermanence by Olivier Esturgie Opening 11.01.17 > 18.00 h Galerie Nivet-Carzon Une peinture qui parle de peinture. Une peinture est peut-être une peinture dès que l'on a l'intention qu'elle en soit une. Elle l'est en tout cas (bonne ou médiocre / finie ou pas encore) dès la première intervention sur son support. C'est la raison pour laquelle il est finalement inutile de surjouer son état de peinture et elle n'a plus besoin de se représenter comme telle. Les dernières oeuvres d’Olivier Esturgie en traits horizontaux sont au départ esquissées au ruban de masquage puis reprises au pinceau en d'innombrables retouches, où chaque élimination de détail (susceptible de retenir et de ralentir le regard) est une petite victoire. Un travail de peinture où la couleur et la valeur tout comme le format, sont déterminants. Adapter le mode RVB, rouge vert bleu, des LED microscopiques de nos écrans, a permis une utilisation particulière de la couleur. |
Olivier Esturgie Galerie Nivet-Carzon |
OMBRE & LUMIÈRE de ROGER SCHALL GALERIE DUREV
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OMBRE & LUMIÈRE de ROGER SCHALL le lundi 6 novembre de 18h à 22h à la Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème Pour recevoir votre invitation, merci de cliquer ici ou sur les images, j'aurai le plaisir de vous accueillir avec Cécile Schall, à très bientôt... Eric Boudry, fondateur de la galerie ARGENTIC "Cher(e)s ami(e)s de la galerie ARGENTIC, j'ai une grande nouvelle à partager avec vous qui avez découvert et aimé le travail de mon grand-père Roger Schall : je lance SCHALL Collection et vous invite à plonger dans l'univers de ce photographe qui a marqué l'histoire. Avec mon fils Lucas, nous commencons avec cette première exposition de photographies inédites que je suis ravie de vous présenter et qui, j'en suis sûre, vous plaira." Cécile Schall L'exposition est ouverte du samedi 4 au dimanche 12 novembre 2023, de 10h à 20h tous les jours. Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème |
OPERA GALLERY AMERICAN ICONS
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AMERICAN ICONS PREFACE Opera Gallery Paris est heureuse de présenter sa première exposition de 2018 consacrée aux icônes de l’art américain. « American Icons » est l’occasion de mettre en lumière l’effervescence de l’après-guerre qui caractérise l’avant-garde et définit « l’American Dream ». Nombreux sont les artistes d’Europe, d’Asie et d’ailleurs, à migrer aux États-Unis, dans une volonté d’émancipation culturelle et de galvanisation créatrice et humaine. Artistes d’origine ou d’adoption américaine, aujourd’hui acclamés et reconnus par le grand public et les institutions, tous ont bénéficié de l’expérience du Nouveau Monde. Dans un idéal de découverte de l’autre et de soi, de Donald Judd à Keith Haring en passant par Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou George Condo, tous ont marqué l’histoire de l’art et le marché de l’art contemporain à travers leurs créations inédites inscrites dans une société vouée à l’hégémonie. À la manière d’un voyage entre New York et Paris, cette exposition est l’occasion pour nous de revenir sur les artistes qui font partie de l’histoire d’Opera Gallery depuis plus de vingt ans. À travers cette sélection d’oeuvres, cet événement invite à redécouvrir les principaux instigateurs d’un territoire d’expérimentation, ces artistes visionnaires d’un monde en pleine reconstruction, au travers de créations emblématiques ou plus intimes ; études, dessins ou thématiques étonnantes. Nous sommes heureux de partager avec vous cette parenthèse représentative des prémices et fondements de l’art contemporain que nous avons hérités. Gilles Dyan |
Robert Indiana |
Opera Gallery at La Biennale Paris 2019
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Pablo Atchugarrry, Georg Baselitz, Lita Cabellut, Alexander Calder, Marc Chagall, Niki de Saint Phalle, Andy Denzler, Jean Dubuffet, Sam Francis, Simon Hantaï, Keith Haring, Hans Hartung, Fernand Léger, Georges Mathieu, A.R. Penck, Pablo Picasso, Marc Sijan, Pierre Soulages, Frank Stella, Manolo Valdés, Tom Wesselmann.
Grand Palais - Avenue Winston Churchill - 75008 Paris 13-17 September 2019 OPERA GALLERY |
Opera Gallery Dubai Pierre Dunoyer Object of Thought : Tableaux 1986 - 2008
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Opera Gallery Dubai proudly presents Pierre Dunoyer’s 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008,' a landmark exhibition showcasing the artist's work for the first time at the gallery. Renowned for his intellectual and philosophical approach to abstraction, Dunoyer’s art delves into the essence of painting as an object of thought, using form and colour as tools for conceptual exploration. This exhibition offers a rare chance for audiences in Dubai to experience a distinct body of work that has left a significant mark on contemporary art. Spanning more than two decades of artistic production, the exhibition highlights several key periods of Dunoyer’s career. It traces his evolving approach to abstraction, composition, and the materiality of paint, reflecting his ongoing enquiry into the role of painting in modern art. Throughout his career, Dunoyer has sought purity in form and explored the power of painting to convey thought without relying on representational imagery. The selected works reveal subtle yet significant transformations in his technique and conceptual focus over time. Curated to capture these transitions, the exhibition features 19 paintings that represent pivotal moments in Dunoyer’s artistic journey. Visitors will witness the progression from his early, structured compositions with muted palettes to his later works, which embrace more liberated forms and vibrant colours. 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008' offers a deep exploration of Dunoyer’s evolution, immersing viewers in the complex relationship between thought and visual expression that defines his work. |
Opera Gallery London Three Days in Dakar Panel discussion with Ron Arad
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On January 24, 2024, Opera Gallery London presented “Three Days in Dakar: A Dialogue with Ron Arad” moderated by Opera Gallery CEO Isabelle de La Bruyère featuring Ron Arad in conversation with Simon de Pury & Rolf Sachs. The panelists discussed Arad’s collaboration with Senegalese artisans–from metal workers to weavers–in Dakar, and how this journey impacted Arad’s creative practice and led him to create reworked versions of iconic pieces (such as his well-known 'The Big Easy’ armchair) using raw materials sourced in Dakar. Arad’s presentation also features a large-scale bookshelf piece titled ‘America Made in Africa’, ‘Salam Sofa’ and ‘Don’t Ya Tell Henri’ – all handcrafted using the metal from oil drums. Opera Gallery opened their new gallery in the heart of London's historic Mayfair neighbourhood, at 65-66 New Bond Street on November 23, 2023. Ron Arad (British, b. Israel 1951) is acclaimed for his aesthetic and conceptual explorations of form, structure, and technology through the diverse nature of his work’s materiality and categorizations, from industrial design to sculpture to mixed media installations and beyond. The first major retrospective of his work titled ‘No Discipline,’ debuted in 2008 at the Pompidou Centre in Paris followed by the Museum of Modern Art in New York in 2009. In 2013 he was elected to the Royal Academy of Arts in London. OPERA GALLERY 65 - 66 New Bond Street - London W1S 1RW +44 (0)20 7491 2999 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. |
Opera Gallery Madrid Saura Pintar como querer
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14 September - 06 November 2023 Opera Gallery Madrid presents the exhibition Saura, Pintar como querer in collaboration with the Succession Antonio Saura and La Fondation Archives Antonio Saura from 14 September to 6 November 2023. On 22 July, we commemorated the 25th anniversary of the passing of the esteemed artist, Antonio Saura. In honour of this significant milestone, Opera Gallery is proud to pay homage to one of Spain's most prominent artistic figures of the 20th century. The exhibition Saura, Pintar como querer meticulously curates a collection of his works, boasting over 50 pieces on paper and approximately a dozen captivating canvases. Within this remarkable assembly, we explore some of his renowned series, including "Auto-da-fé", "Heads", "Crucifixions", "Ladies", "Nudeslandscapes", "Crowds", "Shrouds", and "Goya's Dog". To further illuminate his creative journey, we proudly showcase 19 of his most iconic posters alongside these exquisite artworks. Saura, Pintar como querer offers a comprehensive exploration of the diverse subjects that Antonio Saura passionately embraced throughout his career, catapulting him to national and international acclaim. This exhibition provides a unique opportunity to delve into the profound intellectual, emotional, and aesthetic underpinnings that shaped the vision of the El Paso group's founder—a collective that not only laid the groundwork but also conceptualized the post-war avant-garde movement in Spain. |
Opera Gallery Paris présente Jean Dubuffet
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OPERA GALLERY PARIS Transatlantic Figurations of the 80s
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62 rue du Faubourg Saint-Honoré 15 October - 14 November 2024 Opera Gallery is pleased to present 'Transatlantic: Figurations of the 80s', a group exhibition curated by Pascale Le Thorel, running from 15 October to 14 November 2024. Offering a comprehensive exploration of 1980s figurative art on both sides of the Atlantic, this exhibition captures the dynamic and multifaceted spirit of this transformative period in art history. The 'Transatlantic: Figurations of the 80s' exhibition offers a panorama of the artistic creation on both sides of the pond. Though distinct in their origins and expressions, the various movements shared a common desire to break away from the elitist avant-gardes of the previous two decades, reintegrating popular imagery and exploring new forms of expression. Two essential components of the art of that period emerged: mass media culture as a source of inspiration—with comics, animated series, video games, magazines and advertising—and urban culture with artists' squats, fences, the subway and clubs. Those two cultures were common to that entire generation of artists Hervé Di Rosa, Robert Combas and François Boisrond were France's leading figures of figuration libre. Characterised by a profusion of bright colours and deliberately naive brushstrokes, their work took a joyful and sometimes provocative approach to art. Alongside Roberto Cabot and Catherine Viollet at the same time as Luciano Castelli and Saint Clair Cemin they formed an underground, theory-free community. With his torn-up posters salvaged from the street, Jean Charles Blais considered the medium to be of particular importance. His work explored themes from everyday life and the absurd with poetry and emotion. |
Opera Gallery presents Chu Teh-Chun and Georges Mathieu
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Opera Gallery is delighted to present Chu Teh-Chun in Hong Kong Explore the symphonic dialogue between both artists through our online viewing rooms. |
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| Chu Teh-Chun, Apaisement du réel, 2005, oil on canvas, 73 x 100 cm I 28.7 x 39.4 in Opera Gallery Hong Kong |
CHU TEH-CHUN |
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Chu Teh-Chun (1920 - 2014) is widely considered one of the most significant Chinese artists. He started his career in Hangzhou, China in the 1930s and eventually moved to Paris in 1955. Throughout the 20th century, his abstract paintings were exhibited all over the world, charming critics and art lovers with his ingenious blend of Chinese and French cultural elements and symbols. Gracefully pushing back the limits of the real and the unreal, his paintings, which are vibrant and full of movement, have a profound sense of depth, poetry and musicality. Although his work demonstrates the stylistic freedom of mid-century movements such as art informel and abstract expressionism, Chu always retained the rigorous technical brushwork he learned as a student in mainland China. "I came to Paris in the spring of 1955 to find the answer to a profound aspiration. I had to discover my own way, through my knowledge and practice of Western painting" |
Optical Graffiti Galerie Lélia Mordoch
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Vernissage jeudi 11 octobre 2018 | 18h - 21h J'ai tout de suite aimé les oeuvres de L'Atlas pour la puissance de leur graphisme. Il n'est pas facile de trouver des artistes qui renouvèlent l'art géométrique. Du graffiti à l'art optique, L'Atlas refuse de se laisser enfermer dans un genre... il revendique un art sans frontière. Il s'inspire des relevés topographiques des temples mais c'est la calligraphie, l'inscription du signe dans une forme structurée, qui l'amène à l'art cinétique. La signature de L'Atlas est présente dans chacune de ses oeuvres même si parfois elle est bien cachée. Un labyrinthe dans lequel s'inscrit une signature voilà comment pourrait se définir la plupart de ses tableaux. Mais il faut aller plus loin dans l'univers des signes. Un tableau peut en cacher un autre. Jeux d'optique, phosphènes qui se révèlent à la lumière bleue, carré tournant il y a toujours dans ses oeuvres un mystère à décrypter. L'Atlas est un artiste dont l'érudition se révèle dans la jubilation de la création. Lélia Mordoch |
L'ATLAS, Cascade #1, 2018 - |
ORLAN GALERIE EVA VAUTIER
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Vernissage le samedi 20 novembre à 18h, en présence de l'artiste. du 24 novembre 2021 au 15 janvier 2022. La galerie Eva Vautier a le plaisir de présenter l'artiste ORLAN avec la série, Les femmes qui pleurent sont en colère, commencée en 2019. ORLAN, avec ses oeuvres engagées et politiques, interroge sur le statut de la femme dans la société contemporaine. Elle n'est pas assujettie à un matériau, à une technologie ou à une pratique artistique. Elle utilise la sculpture, la photo- graphie, la performance, la vidéo, la 3D, les jeux vidéo, la réalité augmentée, l'intelligence artificielle et la robotique (elle a créé un robot à son image qui parle avec sa voix) ainsi que les techniques scientifiques et médicales comme la chirurgie et les biotechnologies... pour interroger les phé- nomènes de société de notre époque). Parmi ses oeuvres majeures, on compte le Baiser de l'artiste, qu'elle présente à la FIAC, en 1977 ou encore L'Origine de la guerre en 1989, reprenant L'Origine du monde de Gustave Courbet. Dans les années 1990, elle démarre une série d'opérations-chirurgicales-performances qu'elle met en scène. À partir de 1998, elle crée les premières Self-Hybridations, utilisant les technologies numériques pour mixer son por- trait avec celui de Précolombiennes, d'Amérindiennes, d'Africaines, ou encore des masques de l'Opéra de Pékin et des Self-Hybridations sur commande telle que celle d'Agatha Ruiz de la Prada. Les œuvres de la série Les femmes qui pleurent sont en colère sont inspirées des portraits de Picasso peignant sa compagne de l'époque, Dora Maar, en train de pleurer. Dans cette série, ORLAN hybride des fragments de son visage aux portraits de Dora Maar. |
Orlan Galerie Helene Lamarque Miami
Galerie Hélène Lamarque
125 NW 23rd Street, Miami FL 33127
www.galeriehelenelamarque.com
miami[at]galeriehelenelamarque.com or call (305) 582-6067.
ORLAN: New Sculpture and New Photography, an exhibition by the French feminist artist ORLAN. The show will feature a new computer made sculpture, Shifting Dress Code, and a series of new three-dimensional photographs entitled Shifting Folds.
The exhibition will be on view from November 29, 2011, through January 20, 2012.
A public opening reception will be held December 3, 2011, from 7-9 pm.
ORLAN : RENVERSEMENT DES GENITIFS texte par Jean-Paul Gavard-Perret
OUVERTURE AMELIE MAISON D'ART NEW-YORK
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C'est avec une immense joie que nous vous annonçons l'ouverture de notre galerie à Soho, à New York. Nous vous invitons dès a présent à venir nous rendre visite ! With immense joy, we announce the opening of our gallery in Soho, New York. |
Ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel Mai 2023
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Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d'une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d'un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d'un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d'une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L'ouverture de l'ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. |
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Déjà ouverte à l'heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l'équilibre alimentaire de chacun, promesse d'une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s'installer durablement à Paris s'inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. |
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Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu'elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l'international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d'un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. |
Initialement créée en Côte d'Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l'art et qui s'engage aux côtés d'artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s'affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent.Ouverture Galerie Arnaud Bard Honfleur
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| Chers Amis, chers collectionneurs,
J'espère que vous avez passé un bel été. Pour notre part, nous avons profité de ce temps estival pour réimaginer notre activité et avons le plaisir de vous annoncer notre installation permanente à Honfleur. Issu d'une famille d'artistes Normands comme beaucoup d'entre vous le savent, j'ai eu l'envie de revenir dans cette région, plus particulièrement sur la côte fleurie. L'aventure continue de plus belle...après des années formidables passées à Boulogne, chaleureusement entourés par nos artistes qui nous ont donné le meilleur d'eux-mêmes par leur création et par leur talent. Mais également par la ville qui nous a reconnus en nous offrant une belle visibilité. Et surtout, surtout à vous mes chers collectionneurs qui nous avez suivis, soutenus et acquis les œuvres de nos artistes que nous défendons, je vous remercie tout particulièrement.Sans vous, la galerie n'aurait pu avoir la résonance qu'elle a aujourd'hui et elle est belle, brillante et chaleureuse. Nous quittons donc le 92 avenue Jean-Baptiste Clément à Boulogne pour le 46 rue du Dauphin à Honfleur pour continuer ce pour quoi nous sommes faits, défendre nos artistes et partager avec vous nos découvertes. La passion est intacte. |
Over the Influence Presents Sooyoung Chung's Solo Show
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OTI GALLERY : ASIA NOW : THE ARTIST | SOOYOUNG CHUNG : |
Paris Gallery Weekend 2023
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Paris Gallery Weekend 2023 Ouverts à tous.tes, gratuits et libres d’accès, les événements organisés à l’occasion du Gallery Weekend seront répartis dans de nombreux quartiers. Le Marais, Matignon, Belleville, Saint-Germain-des-Prés, ou encore Romainville serviront ainsi de décor à des promenades inédites et des découvertes pour tous les goûts. |
Pascal Robaglia, une deuxième galerie
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C'est en 2015 que Pascal Robaglia inaugure sa nouvelle galerie, la galerie Gilbert Bard, avec le concours st le soutien du peintre Gully (né en 1977). Inventeur du concept de "galerie à la maison", dans une belle demeure du Vésinet, Pascal Robaglia a mis en oeuvre son savoir-faire pour promouvoir le peintre Gully et participer à son extraordinaire réussite. Gully est le peintre de l'appropriationisme à la suite de quoi, il s'est attaqué à tous ceux qu'il considère comme les monstres sacrés du milieu de l'art. Aujourd'hui, Gully raconte dans des décors à l'architecture somptueuse, des histoires d'enfants émerveillés par l'art et plus particulièrement par les tableaux de ses maîtres, dans des petites histoires que l'on pourrait voir comme des cases de BD’s, sans dialogue, permettant ainsi au spectateur de pouvoir se raconter le tableau. Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération. |
Photo de Pascal Robaglia pendant |
Pascal Vanhoecke Sexe Et Convenances III
Cet Automne, Pascal Vanhoecke présente dans sa galerie parisienne l'exposition :
Sexe et Convenances III « Dyke or dead : regards de femmes sur les femmes ».
Du 18 octobre au 3 décembre 2011, vernissage le 18 octobre.
GALERIE PASCAL VANHOECKE : 21 rue des Filles du Calvaire - 75003 Paris
Tél : + 33 (0)6 84 07 57 00 / Tél : +33 (0)1 40 27 09 27
Annexe : 14 bis rue du Docteur Gosselin - 94 230 Cachan - France
Tél : + 33(0)1 49 86 59 24
pascal[at]galeriepascalvanhoecke.com
www.galeriepascalvanhoecke.com
Paul Delvaux Galerie Guy Pieters
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Paul Delvaux Femme et Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm |
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PAUL DELVAUX EARLY WATERCOLOURS AND DRAWINGS FROM A PRIVATE COLLECTION Linda and Guy Pieters are pleased to invite you to the private view of the exhibition on Saturday 30 March from 4 PM until 6 PM exhibition from 31 March until 13 May 2024 The Office at Guy Pieters Gallery : https://www.guypietersgallery.com/en/home Zeedijk - Het Zoute 755 – 8300 Knokke-Heist Open every day from 11 AM until 6 PM Closed on Tuesday and Wednesday +32 50 80 00 15 - knokke'at)guypietersgallery.com |
Peter Klasen Galerie Eva Doublet
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La Galerie Eva Doublet présente Peter KLASEN est le pionnier de La Nouvelle Figuration, renouveau de l’image dans la peinture. |
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Peter Klasen Galerie Patrice Peltier
PETER KLASEN du 21/03/2015 - 21/04/2015
Galerie Patrice Peltier
35, Rue Guénégaud - 75006 Paris
Site Internet
galerie.patrice.peltier[at]gmail.com
Quelques mois après l’exposition de la Ferrari dans la galerie de Patrice Peltier au Mans, Peter Klasen investit cette fois l’espace parisien du galeriste. L’exposition rassemble non seulement la mythique Ferrari « customisée » par l’artiste mais aussi une série de tableaux mis à disposition par la galerie Mécanica.
« Ma peinture est profondément liée à l’environnement urbain dans lequel je vis. Elle se comprend comme un refus, voire une dénonciation d’un monde de plus en plus envahissant d’objets et d’images qui conditionnent fondamentalement notre vie quotidienne.»
C’est ainsi que cet artiste majeur de la Figuration Narrative décrit son travail et fait de cette vision de notre société son axe artistique principal. Tout au long de sa carrière, Peter Klasen aborde des thèmes nouveaux, toujours dans cette technique d’opposition entre corps et objet, entre Être et Avoir. Les malaises de notre société que Peter Klasen dénonce sont un fil conducteur.
PETER LINDBERGH EXPOSE A DEAUVILLE
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PLANCHE(S) CONTACT # 8 :
Vingt-deux photographies présentées dans une installation monumentale témoigneront lors du Festival Planche(s) Contact de cette rencontre forte entre un Peter Lindbergh est l’un des photographes contemporains les plus marquants de notre époque. Visionnaire, il bouscule les codes de la photographie de mode post-moderne en intronisant dans ses compositions une nouvelle image de la femme, moderne et affranchie des codes de beauté anciens, où peu d’importance est portée au vêtement. Peter Lindbergh réalise des images intemporelles, entre approche humaniste et idéalisation de la femme. Convaincu que l’intérêt d’un sujet réside ailleurs que dans son âge, il bouscule les normes de la photographie de mode à une époque où l’on a l’habitude d’exagérément retoucher les images. Il explique que « la responsabilité des photographes, aujourd’hui, doit être de libérer les femmes et, en somme, tout le monde, de la hantise de la jeunesse et de la perfection ». Depuis la fin des années 1970, Lindbergh travaille pour de prestigieuses marques et magazines, notamment les éditions américaines, italiennes et allemandes du Vogue, l’édition américaine du Harper’s Bazaar ainsi que les magazines, Rolling Stone, Vanity Fair, Wall Street Journal Magazine, Visionaire, Interview et W. |
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Peter Lindbergh Gagosian Gallery Athens
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Gagosian Gallery Athens 4 Février au 3 avril 2016 Lindbergh’s now-iconic photographs of women derive inspiration from early narrative cinema and street photography, in their fleeting observations and compositional elegance. His Eastern European heritage can be traced in the stark and guileless realism that frames the feminine beauty of his subjects. |
Peter Lindbergh Gagosian Gallery Athens |
Photographic Surrealism 1920-1950 UBU GALLERY NEW-YORK
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Les Mystères de la chambre noire: Photographic Surrealism 1920-1950 June 5 — July 28, 2017 Ubu Gallery is pleased to announce an exhibition of photographic images by thirty-three avant-garde artists who experimented with surrealist methods. Utilizing techniques including photomontage, multiple exposures, combined negatives, brülage, photograms and the disarming juxtaposition of disparate images, the artists created unsettling realities. The artists embraced photography as a new medium in the 20th century in part because of the credibility of photography; the idea that the camera does not lie, lent itself to challenging our assumptions about reality. |
Denise Bellon, Mannequin par André Masson Exposition Internationale du Surréalisme, Paris, January 17-February 24, 1938, Vintage gelatin silver print, 9 3/4 x 9 3/8 inches (24.8 x 23.8 cm), Stamped on verso |
PICASSO LA FORCE DU TRAIT GALERIE AB AGNES AITTOUARES
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Galerie AB - Agnès Aittouares 14 rue de la Grange Batelière, 75009 Paris 5 rue Jacques Callot, 75006 Paris Ouverte du lundi au samedi de 10h à 18h30 +33(0)6 14 42 96 83 | +33(0)1 45 23 41 16 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - https://www.galerie-ab.com/ À l'occasion de l'ouverture de son nouvel espace à Saint-Germain-des-Prés et de la célébration du cinquantenaire de la disparition de Pablo Picasso, la Galerie AB - Agnès Aittouares vous propose une exposition d'une vingtaine de dessins réalisés entre 1942 et 1971. L'exposition « PICASSO. La force du trait » est accompagnée d'un catalogue. To celebrate the opening of our new space in Saint-Germain-des-Prés and the 50th anniversary of Pablo Picasso's passing, Galerie AB - Agnès Aittouares is delighted to present an exhibition showcasing Pablo Picasso's drawings created from 1942 to 1971. Join us for the "PICASSO. La force du trait" exhibition, which is accompanied by a comprehensive catalog. « Dans le travail de Picasso, la recherche de la formule définitive a pour résultat l'instantanéité et le besoin de la révélation immédiate. Quand Picasso s'applique, ce n'est pas à reproduire, mais à produire. Il veut convaincre dans l'instant par un seul trait, par un seul mot criant l'évidence. Il veut vaincre par la violence toute douceur et par la douceur toute violence. Toute œuvre commencée est fatalement pour lui une œuvre achevée. » Paul Éluard, Picasso. Dessins, 1952 |
Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan GALERIE HAUSER & WIRTH
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Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan 3 February – 28 February 2020 Opening reception: Sunday 2 February 2020 2 – 5 pm Opening at Vieux Chalet in Gstaad on the 2 February 2020, ‘Picasso Through the Lens of David Douglas Duncan’ gives a remarkable insight into the work and life of Picasso. Ceramics and paintings by the artist are presented in tandem with vintage photographs taken by the legendary photographer David Douglas Duncan during a period of unprecedented access to the artist’s studio. The works on view, created concurrently with the photographs, can be encountered as an ‘intervention’ throughout the domestic spaces of the chalet. The photographs, some of which have never been exhibited before, give an intimate portrait of the artist at work and at home. The project has been organised in close collaboration with the artist’s son, Claude Picasso, and James Koch, Partner at Hauser & Wirth. David Douglas Duncan was a renowned war photographer, photojournalist, and a self-described nomad. He was among the most influential photographers of the last century, capturing World War II, the Vietnam War, and photo essays for Life magazine which enabled him to roam the world. The resulting images filled more than 25 books, including eight on Picasso. Duncan’s first encounter with Picasso happened in February 1956 when he infamously rang the doorbell of La Californie, Picasso’s home in Cannes. The artist’s wife, Jacqueline, led him upstairs and he met Picasso in his bathtub, who allowed Duncan to photograph him. From that starting point, the photographer developed a lasting friendship with Picasso over the course of 17 years during which time he captured an astounding visual archive of the artist’s life at La Californie. |
David Douglas Duncan |
Pierre Alechinsky Galerie Lelong
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Pierre Alechinsky Vernissage jeudi 27 novembre à partir de 18h |
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| Nord perdu, spectaculaire tableau outremer hanté de figures animales et cerné de lumineuses remarques marginales en noir et blanc, rayonne sur l’ensemble de l’exposition. | Pierre Alechinsky Nord perdu, 2014, Peinture acrylique avec marginalia sur papier de Chine marouflé sur toile, 256 x 365 cm Courtesy Galerie Lelong |
Il est accompagné de deux suites de peintures verticales organisées chacune autour d’une sorte de « hublot » gravé. Cette fois-ci, l’artiste n’a pas tenu la couleur à distance comme dans sa précédente exposition ; les rouges, les bleus, les jaunes, les verts sont les invités de la fête, avec une souplesse et une liberté confondantes.
Didier Semin, dans son texte pour le catalogue, s’émerveille de cette dimension humaine préservée dans tout le travail d’Alechinsky.
Pierre Alechinsky Galerie Lelong & Co
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Pierre Alechinsky Galerie Lelong & Co.
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Pierre Alechinsky Coup de foudre, 2018, encre de Chine |
PIERRE SOULAGES OPERA GALLERY
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PIERRE SOULAGES "One day I was painting, black had invaded the entire surface of the canvas, without shapes, without contrasts, without transparencies. We are deeply saddened to announce the passing of the artist Pierre Soulages. He was 102 years old, and leaves an immense legacy. Our condolences to his wife, Colette, who accompanied him for so many years. One of the greatest painters of our time, but mostly a soul in search of the absolute, through his relentless work on the depth and luminosity of the color black. This passion had seized him, as a child, in front of the prehistoric steles of the Museum of Rodez, where he was born. Or even, in Conques, the 11th century abbey, as a child, where years later he would create incredible stained glass windows (1992 - 1994). It was at that moment that the certainty of art and his vocation to paint had come to him. The architecture of the abbey of Sainte-Foy impressed him, just like a vision. Painting, engraving, lithography, he declined on all mediums his obsession with black, digging deep in what had marked his childhood. "The things that were fraternal to me, the earth, the old wood, the stones, the wet iron, all these rough things certainly marked me. I have always preferred them to pure and lifeless materials." Light and darkness, rough and smooth, matte and shiny: Soulages was the painter of contrast, which found its incarnation in abstraction and his Outrenoir - beyond black, to light. - Gilles Dyan, Opera Gallery Founder and Chairman |
Popovy Sisters JM Art Management Los Angeles
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Popovy Sisters september 01- 2017 These women are dripping in talent, and overflowing with creativity. They are totally driven by a passion that burns deep inside both of their hearts and souls. The Popovy Sisters, and their intricate, stunning, one of a kind, Ball Joint Dolls. Twin Sisters, Ekaterina and Elena Popovy, also known as Katya and Lena, are professional artists and fashion designers from Perm Russia. They both graduated from Ural State Academy of Architecture and Arts in Yekaterinburg Russia. They decided to start making dolls in 2004. It was around this time that a lot of doll collectors started asking themselves, “What if one day these creations could become posable”? In 2012 it finally happened, the sisters introduced the first pictures of their “SISTERS” articulated doll line to the Russian audience. With these dolls they participated in exhibitions in Japan and Germany. The dolls became an instant hit, and sold out immediately! Now there’s a waiting list for those collectors who dream of owning one of these unbelievable creations. Showroom add: 3409 W Temple Street |
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Présences Galerie Jeanne Bucher Jaeger St Germain
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Présences Magdalena Abakanowicz - Fermín Aguayo - Gérard Barthélemy - Miguel Branco - Dado - Eugène Dodeigne - Jean Dubuffet - Gérard Fromanger - Louis Le Brocquy - Antonio Segui - Arpád Szenes - Maria Helena Vieira da Silva |
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Présentation de Bijoux AnuschB galerie BEGRAMOFF
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Dans le cadre de l'exposition 'Au-delà des frontières...' AnuschB, née le 5 Oct 1971, est une artiste belge qui vit entre Bruxelles et Murano. Elle a retrouvé à Venise la lagune de son enfance Africaine : comme une évidence, le cercle de la vie... AnuschB, born in 1971, is a Belgian artist who lives between Brussels and Murano. She found in Venice the lagoon of her childhood in Africa: the circle of Life … |
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Programme de la Galerie A&R Fleury
Galerie A&R Fleury Prochains RDV Exposition Alicia Penalba Foire Art Paris 2021 |
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Prolongation du POP UP JENK au Metropole Shopping Monte-Carlo
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Le POP UP JENK exclusif au Metropole Shopping Monte-Carlo est prolongé jusqu'au 17 février 2024. Vous pourrez y découvrir des sculptures Wrapping Bonbon spécial Saint-Valentin en plus des œuvres déjà exposées depuis début décembre. The exclusive JENK POP UP at the Metropole Shopping Monte-Carlo is extended until February 17, 2024. You will be able to discover special Valentine's Day Wrapping Candy sculptures in addition to the works already exhibited since the beginning of December. |
PRUNE NOURRY GALERIE MAGDA DANYSZ
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PRUNE NOURRY - SOLO SHOW VERNISSAGE EN PRÉSENCE DE L'ARTISTE GALERIE MAGDA DANYSZ Après de 4 mois de travaux, la Galerie Magda Danysz offre son espace repensé de 500 m² qui s'étend sur trois niveaux, à Prune Nourry pour un solo show. Artiste consacrée en France comme à l'étranger ces dernières années, Prune Nourry, à seulement 31 ans, incarne la relève de la scène artistique française. |
Prune Nourry Imbalance Courtesy Galerie Magda Danysz |
Rancinan Wonderful World
Galerie Valérie Bach
rue Faider 6
1060 Brussels
Belgium
t +32 (0)2 502 78 24
m +32 (0)486 296 839
anne[at]galerievaleriebach.com / valerie[at]galerievaleriebach.com
open from thursday to saturday 11.00 - 13.00 / 14.00 - 19.00
wednesday on appointment
Dans le cadre des Brussels Art Days, la galerie valérie Bach a le plaisir de vous inviter le vendredi 7 septembre au vernissage de l'exposition de gérard Rancinan « Wonderful World », en présence de l'artiste. Nous avions, il y a deux ans, montré le premier volet de sa « Trilogie des Modernes », intitulé « Métamorphoses, un regard éveillé sur les grandes mutations de notre humanité » dans lequel, suivant le fil de l'histoire de l'art, le photographe accompagné de l'auteur Caroline Gaudriault, s'emparait de thèmes universels pour raconter son époque et ses grands bouleversements.
Raoul UBAC LAURENTIN GaLLery Bruxelles
LAURENTIN GaLLery
Bruxelles
Raoul UBAC
sculptures & dessins
vernissage le jeudi 12 novembre 2015
Exposition >> 13 novembre 2015 // 9 mars 2016
Rue Ernest Allard, 43 I 1000 Bruxelles I Belgique
Tél. : +32 (0)2 540 87 11 I contact(at)laurentingallery.be
http://www.galerie-laurentin.com/
La Laurentin gallery présentera à partir du 12 novembre sa plus importante exposition de l’année :
Un hommage à Raoul Ubac, sculpteur et dessinateur originaire des Ardennes Belges, figure majeure de la création du xx° siècle.
Après plusieurs années de travail, la galerie est en mesure de montrer un ensemble significatif de sculptures, de gouaches et de dessins, soit environ 55 pièces.
Il n’y a pas eu d’exposition de cette ampleur en galerie depuis la disparition de l’artiste.
Un panorama en 25 sculptures allant de 1950 à 1970 permettra d’avoir une vision très complète de son travail.
De plus, la sélection d’oeuvres sur papier fera découvrir des pastels inédits de la période CoBrA, mouvement dont Ubac fut un membre actif dès sa fondation en 1947.
Raoul Ubac naît en 1910, dans la petite ville de Malmédy, située à la frontière de la France. Il a goût pour les voyages et commence
à visiter une partie de l’Europe par une randonnée à pied. C’est uniquement lors de son deuxième séjour à Paris, en 1928 qu’il noue son premier contact avec les surréalistes. Il commence sa formation par la fréquentation des ateliers de Montparnasse, délaissant alors les lettres pour la peinture.
Il quitte Paris pour Cologne en 1932 où il étudie à l’Ecole des Arts Appliqués et qui le rapproche notamment des « artistes progressifs».
Image : Raoul Ubac Torse Courtesy Laurentin Gallery
RAYK GOETZE GALERIE CHARRON - PARIS
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RAYK GOETZE GALERIE CHARRON - PARIS La Galerie Charron, fondée en 2007 située rue Volta au cœur du Marais, se singularise dans le paysage artistique parisien par un fervent engagement à la création d'un pont artistique entre la France et l'Allemagne. Du 1er juin au 7 juillet 2017 la Galerie Charron invite Rayk Goetze, peintre allemand issu de la Nouvelle Ecole de Leipzig au travers d'une exposition intitulée Barbaric Splendour. L'oeuvre de Rayk Goetze porte sur l'appropriation d'un nouveau langage visuel dans un cadre historique et questionne ainsi l'identité d'une peinture contemporaine tout en dévoilant ses inspirations aux grands Maîtres de la Renaissance, du Maniérisme et du Baroque. En partenariat avec les Jeudis Arty, vernissage le 1er juin de 18h à 22h |
©Rayk Goetze, Traumfrau, Huile et acrylique sur toile 2017 |
Richard Serra Exposition Galerie Lelong
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Richard Serra Double Rift Richard Serra (né en 1939) est une figure centrale de la sculpture contemporaine. Son travail, qui se trouve dans de nombreuses collections publiques et privées internationales, consiste essentiellement en oeuvres monumentales en acier corten qui jouent sur les notions d’équilibre et de masse. L’artiste a toujours développé, en parallèle à ses sculptures, une importante oeuvre sur papier, toujours en noir, composée de dessins et d’estampes. Les éditions sont réalisées sur les presses de Gemini G.E.L. à Los Angeles. Richard Serra (born in 1939) is a central figure of contemporary sculpture. His work, which can be found in many public and private collections around the world, mainly consists of monumental works made from Corten steel that play with the concepts of balance and mass. Alongside his sculptures, the artist has always developed a substantial body of work on paper, essentially black, made up of drawings and etchings. The prints are produced on the presses of Gemini G.E.L in Los Angeles. |
Richard Serra Double Rift IV, 2016. 12 exemplaires. |
Richard Serra Galerie Lelong & Co
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Richard Serra Nouvelles Estampes 12 March – 24 July 2020 Galerie Lelong & Co. Richard Serra (San Francisco, 1939) is one of the great contemporary sculptors, whose determination to build a substantial, rigorous (always black) and innovative body of engraved work is particularly remarkable. Having explored the resources of lithography then screen-printing in the 1970s and 1980s, for the last 30 years he has focused on etchings in small, medium and then especially in very large format. The essence of Serra's work as a sculptor is to transmit to the viewer a sensation of unstable equilibrium between a weight and its proportions. By constantly inventing, with his Californian printers, new procedures, new inks or mixtures and new methods of printing, he has brilliantly succeeded in transposing this research in the two dimensions of etching. In Spring 2018, Galerie Lelong & Co. presented the immense and imposing Rift works. This new exhibition will present the recently completed Right Angle from 2019, among others. |
Etching and paintstick, 46 x 38 cm |
Robert Motherwell Leslie Sacks Fine Art Los Angeles
ROBERT MOTHERWELL
Elegies, Gestures and Opens
Continuing through April 21, 2012
LESLIE SACKS FINE ART
Brentwood
11640 San Vicente Blvd.
Los Angeles, CA 90049
United States
www.lesliesacks.com
lesliesacksfineart[at]gmail.com
Rosenberg & Co Léon Tutundjian
Rosenberg & CoArt Concret Reliefs | Léon Tutundjian September 28 – December 22, 2023 |
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| Léon Tutundjian, installation view |
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Tutundjian's emphasis on material is evident in the Tachisme techniques he explored in his early works on paper. This dedication, however, is most apparent in the wood and steel reliefs he created during the early stages of the Art Concret movement. Through these three-dimensional constructions, Tutundjian utilized a series of steel cylinders and bars to form cantilever compositions that exemplified a severe set of aesthetic ideals—later summarized by the Art Concret movements foundational text. Image : Léon Tutundjian, Sans titre, 1929. Relief on a two-leveled panel. |
Rosenberg & Co Variations Jacques Villon and The Puteaux Group
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One of the most influential art styles of the early twentieth century, Cubism first emerged in 1907. The method abandoned the artistic replication of perspective from a single view point, instead creating images with geometric shapes and interlocking planes. Organized in part by French artist Jacques Villon (1875–1963), The Puteaux Group and their 1912 exhibition La Section d'Or were responsible for expanding knowledge of this early abstract method, cementing the group as crucial for the Cubist movement's influence and legacy. |
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Jacques Villon in his studio © Alexander Liberman Photography Archive, 1925-1998, Getty Research Institute, Accession no. 2000.R.19. |
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Né Jacques Duchamp, Villon changed his last name when he began submitting his art to various magazines in the 1890s. In 1895, he enrolled in the École des Beaux-Arts and frequented the Atelier Cormon. He became a graphic artist, contributing posters, cartoons, and illustrations to Parisian publications. Remaining an active figure in Montmartre, in 1903 he helped organize the drawing section at the first Salon d'Automne in Paris and from 1904 to 1905 he studied at the Académie Julian. After several successful salons and exhibitions in the early 1900s, the artist settled in Puteaux in 1906, where he devoted himself to painterly pursuits. |
Rosenberg & Co. Françoise Gilot Biography
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Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics. After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma. |
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Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art. |
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Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades. |
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| Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004 |
SALVADOR DALÍ GALERIE MAYORAL PARIS MATIGNON
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SALVADOR DALI ULTRALOCAL / ULTRAGLOBAL Mayoral, Paris, Matignon Exposition du 29 mars au 28 mai 2023 Du 29 mars au 28 mai 2023, la galerie Mayoral présente dans son espace parisien à Matignon une exposition monographique consacrée à Salvador Dalí. À travers une sélection d'oeuvres inédite, l’exposition témoigne de l’ambivalence entre le cosmopolitisme de l’artiste et son ancrage à Cadaqués, sa terre natale : deux aspects, qui semblent difficilement conciliables de prime abord mais qui s'incarnent toutefois dans son oeuvre et son personnage. En effet, Dalí nous prouve que c'est précisément son particularisme et la revendication de ses racines qui a rendu possible son universalisme. Sous le commissariat de Chus Martínez, Salvador Dalí, |
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| Salvador Dalí au barretina à Cap de Creus, 1955. Photo Robert Descharnes, © Descharnes & Descharnes sarl 2023 |
Objet scatologique à fonctionnement symbolique (Le Soulier de Gala), 1931/1973, assemblage surréaliste, épreuve d’artiste (édition de 8 +2) © Mayoral 2023 |
Sam Francis Galerie AB
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Né en 1923 en Californie, Sam Francis est un représentant de l'expressionnisme abstrait américain, et de l'Action Painting. Ce mouvement relève d'une création picturale issue d'une gestuelle spontanée et immédiate. Aviateur pendant la Seconde Guerre mondiale, Sam Francis est blessé lors d'un accident d'avion et commence à peindre durant sa convalescence. Par la suite, il s'inscrit à l'École des Beaux-Arts de Berkeley, puis suit les cours de l'artiste Clyfford Still. Il lui fait découvrir l'importance de simplifier les formes et d'explorer la couleur, afin de s'affranchir de toute forme d'art figuratif. En 1949 Sam Francis s'installe à Paris et fréquente l'Académie Fernand Leger. Il rencontre le critique d'art Pierre Schneider et les artistes : Henri Matisse, Al Held, Joan Mitchell et Jean- Paul Riopelle. De retour aux Etats Unis son intérêt pour la représentation de la lumière le conduise à explorer le dripping, une technique initiée par l'artiste Jackson Pollock. Par la suite, sa rencontre avec Mark Rothko le poussera à explorer la couleur et la décomposition des figures par la technique de la dissolution. En 1957 un voyage à Tokyo enrichi ses recherches picturales qui le pousseront à développer un travail vertical qui rappelle le format des kakemono et une simplification des formes évoluant dans l'espace. Ses oeuvres seront représentées à partir de 1956 par la Martha Jackson Gallery à New York, 1964 par la Galerie Fournier à Paris, 1965 par la Galerie Beyeler à Bale et dans de nombreuses collections privées et publiques telles que le Centre Pompidou à Paris, La Tate Gallery à Londres, Le Solomon R. Guggenheim Muséum à New York, le Moma à New York, Le Tel Aviv Muséum of Art en Israel ou le Tokyo Fuji Muséum au Japon. L'œuvre de Sam Francis a laissé une empreinte durable dans le monde de l'art, tant par sa maîtrise technique que par son exploration de la couleur, du geste et de l'expression émotionnelle. Son approche innovante de la peinture non figurative continue d'inspirer et de captiver les amateurs d'art du monde entier REF photo : Sam Francis (1923 - 1994) Sans titre ( SF63-046) acrylique sur papier de 1963 signée, datée et située à Los Angeles au dos 90x63 cm |
Sam Francis Galerie Fleury
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SAM FRANCIS BIOGRAPHIE |
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Réserviste, il devient pilote de l’US Air Force pendant la Seconde Guerre mondiale, comme le peintre américain et Californien de la même génération que lui, John Levee né en 1924. En 1944 lors d’un entraînement, il subit un terrible accident, son avion s’écrase en plein désert. Le jeune pilote est gravement blessé à la colonne vertébrale, et il passera plusieurs années immobilisé sur un lit d’hôpital.
C’est à partir de cette épreuve qu’il débutera sa carrière d’artiste. Samuel Lewis Francis reçoit une boite de peinture, et suivant les conseils de ses médecins, pour passer le temps et éviter la dépression, il apprend à dessiner. Le jeune homme, portant un corset et dont les gestes sont limités, s’oriente rapidement vers l’aquarelle, technique qui favorise la spontanéité du geste.
SAM FRANCIS Untitled - Mandala ( S F 80 - 689 ) acrylique sur papier exécutée en 1980 signée et référencée au dos 51,5 x 62,2 cm
au dos de l'oeuvre tampon de Sam francis estate référencée sous le N°SF80-689
acrylic on paper executed in 1980 signed and referenced on the back 20 1/4 x 24 1/2 in. Courtesy Galerie FLEURY
Sam Francis Galerie Guy Pieters
SAM FRANCIS THE EXPLORATION OF COLORS
Exposition organisée à l'occasion de la parution du Catalogue Raisonné de Sam Francis
Exihibition on the occasion of the parution of : "Sam Francis Catalogue Raisonné of Canvas and Panel Paintings 1946 - 1994"
Exposition du 21 octobre au 27 novembre 2011 à Paris / October 20th - November 27th, 2011 - Paris.
Galerie Guy Pieters
2, Avenue Matignon
75008 PARIS
Tel. +33 (0) 1 42 89 26 83
Guy Pieters Gallery ( paris[at]guypietersgallery.com
www.guypietersgallery.com
Ouvert du mardi au samedi de 10 à 19 heures /tuesday to saturday - 10:00 AM - 7:00 PM.
SANTIAGO RIBEIRO VA EXPOSER À PARIS
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L'artiste surréaliste portugais Santiago Ribeiro expose à Paris parmi les grands artistes français et japonais. Il a été invité par l'artiste français Hugues Gillet. Du 2 au 23 septembre, la galerie JPHT à Paris présentera des œuvres de 14 artistes du Japon, de la France et... du Portugal. Santiago Ribeiro agit à nouveau en tant que pionnier étant le seul Portugais à être invité à ce groupe de grands artistes français et japonais. Les plus grandes expositions en France et au Japon seront présentes au programme de ce groupe. Liste des artistes: Bruno Baratier, Yo Coquelin, Francis Coffinet, Michel Dubré, Hugues Gillet, Marc Halingre, Yoshifumi Hayashi ???, Miyako Ito ?? ? ? ?, Jean-Pierre Monnot, Thierry Van Quickenborne, Santiago Ribeiro, Rik-Art, Roku Sasaki ? ? ? ? ?, Hiroya Yasukoshi ? ?? ? ?. Ouvert du mercredi au dimanche, de 13h00 à 20h00. Entrée gratuite |
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SARAH SZE GAGOSIAN HONG KONG
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March 25–May 3, 2025 Opening reception: Tuesday, March 25, 6–8pm Sarah Sze's first solo exhibition in Asia features new large-scale mixed-media paintings alongside a new series of hanging sculptures. Gagosian is pleased to announce Sarah Sze’s first solo exhibition in Asia, and her sixth with the gallery, opening in Hong Kong on March 25, 2025. The exhibition features new large-scale mixed-media paintings alongside a new series of hanging sculptures. In her latest exhibition, Sze explores how we make meaning from the never-ending stream of images that saturate contemporary life. Woven together from elements of her visual vocabulary—a bird, a wolf, a hand, a sunset—Sze’s new works destabilize the boundary between two and three dimensions, as imagery repeats across media, flowing from painting to sculpture and back again. Through this pictorial call-and-response, Sze prompts meditations on time, memory, and perception. Sze continues to develop her unique approach to painting as an image-making system in this exhibition. In a method that is at once recursive and generative, she uses elements of past paintings as a starting point, layering gestural brushstrokes, colored tape, torn paper with printed images, and other elements into compositions that confuse the digital and the analog, the tactile and the immaterial. In Rip Tide (2025), a collaged image of a bird soars over a vibrant sweep of pink, orange, and gold paint echoing a flock of birds ascending toward the painting’s upper register. Sze’s striking compositional methods allow recurrent imagery to appear and disappear, evolve and disintegrate—always existing in a state of flux, much like memory itself. |
Sculptures de Pol Bury Galerie Antoine Laurentin
Exposition du 18 novembre au 17 décembre 2011
Titre de l’exposition Pol Bury (1922-2005)
Galerie Antoine Laurentin
23 quai Voltaire
75 007 Paris
Tel : 01 42 97 43 42 - e-mail : contact[at]galerie-laurentin.com
site : www.galerie-laurentin.com
Horaires du lundi au vendredi 10h30 à 13h et de 14h à 19h le samedi de 14h à 18h
Nombre d’oeuvres environ 15 sculptures
Sean Scully Galerie Lelong
| Sean Scully Doric 15 mai – 11 juillet 2014 Vernissage jeudi 15 mai à partir de 18h GALERIE LELONG 13, rue de Téhéran 75008 Paris Tél. 33 1 45 63 13 19 www.galerie-lelong.com Doric est un cycle de grands tableaux que Sean Scully a réalisé entre 2008 et 2014. Tous sont de même format (environ 300 x 400 cm), tous sont dans des variations de gris, de noir et de crème, tous sont constitués de trois grands panneaux assemblés. |
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Sean Scully a conçu cet ensemble comme un hommage à la Grèce, selon ses propres mots, une « lettre d’amour » à la Grèce, un pays auquel nous devons tant. La série Doric a été montrée pour la première fois au Musée Benaki d’Athènes en 2012, puis à l’IVAM de Valence, enfin à la Hugh Lane Gallery de Dublin en 2013.
Seen Exposition Opera Gallery Paris
Exposition rétrospective 1982-2010 des oeuvres de SEEN
du 28 avril au 14 mai 2011
Vernissage le Mercredi 27 avril 2011 à 18h30 en présence de l'artiste
Opera Gallery Paris
356, rue Saint-Honoré
75001 Paris
Tel (33-1) 42 96 39 00
Fax.(33-1) 42 96 39 02
http://www.operagallery.com/
du lundi au samedi, de 10h à 19h (Parking place Vendôme)
paris[at]operagallery.com
Catalogue SEEN en ligne sur
http://www.operagallery.com/catalogues/seen_paris/cata.pdf
Serge Poliakoff galerie Applicat Prazan
La galerie Applicat-Prazan a confié à Communic’Art la création et l’édition du catalogue de l’exposition que la galerie consacre au travail de Serge Poliakoff.
Cinq ans après son exposition monographique sur Poliakoff et à l’occasion des 20 ans de la galerie fondée par Bernard Prazan, et depuis 10 ans dirigée par son fils Franck Prazan, Applicat-Prazan revient sur le travail de ce peintre majeur de l’abstraction d’après-guerre.
« C’est devant une toile de Poliakoff que, pour la première fois, la peinture m’a donné la parole en me permettant d’y voir et d’en dire ce que j’avais décidé d’y voir et d’en dire. »
Bernard Prazan
Shane Wolf Galerie l'Oeil du Prince
Shane Wolf Exposition de dessins du 19 au 30 Mars
Un catalogue est édité pour cette exposition.
Galerie L’Oeil du Prince
30 rue Cardinet
75017 PARIS
01 42 26 50 49
mardi - samedi 11h00-19h30
7 rue de l'Odéon
75006 PARIS
01 43 54 77 98
mardi - samedi 11h30 -19h00 dimanche 15h00 -19h00
www.loeilduprince.com
info[at]loeilduprince.com
Yann Deshoulières 0632510246
info[at]loeilduprince.com
http://galerie-l-oeil-du-prince.com/fr/
Siham DERRADJI Galerie Traits Noirs
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ART MODERNE | ART CONTEMPORAIN La galerie TRAITS NOIRS s’inscrit depuis une quinzaine d’années dans la dynamique historique de la seconde moitié du XXe siècle, reflétant les divers aspects et courants de l’abstraction. La récente ouverture de la galerie sur le contemporain, nous fait découvrir les travaux de jeunes artistes généralistes qui se démarquent des effets de mode et des victimes de la « Crampe de Duchamp ». La Galerie participe aux manifestations suivantes:
Gallery TRAITS NOIRS since fifteen years is part of the historical dynamics of the second half of the 20th century, reflecting various aspects and current abstraction. The recent opening of the gallery of contemporary photographers such as Nan Goldin and Cindy Scherman … make us discover the work of young artists that stand out from the effects of fashion and victims of “the cramp of Duchamp”. The gallery participates in the following events:
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SOPHIE LEISER GALLERY
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J'ai le plaisir de vous présenter ce mois de février la nouvelle collection de Vébeca - Vero Aliot-Lopez - qui présente deux grands formats aux pigments bleu majorelle. On retrouve son graphisme signature - ptofils, bouches et yeux sur fond couleur, marine, vert, kakki, ivoire. Aux cotés des acryliques colorées de Vebeca, la collection permanente des photographies de la galerie, et notre nouvel artiste plasticien Lou Raunier qui décline les petits soldats en Statue de la Liberté. L'art fait partie de l'investissement "plaisir" tout en ayant un intérêt fiscal non négligeable. Je tenais à vous rappeler les conditions de cet avantage fiscal pour les entreprises. Petit mémo à garder en tête pour craquer sur l'oeuvre de vos rêves ! Artistiquement, Sophie Leiser MEMO AVANTAGE FISCAL Deux conditions : 1- Facture de la galerie d'art 2- Exposition au public ou aux salariés pendant 5 ans (Alternative : le leasing d'oeuvres d'art) La déduction fiscale est étalée sur 5 ans (année de l'acquisition et les 4 années suivantes) par fractions égales. Ainsi, elle est égale chaque année à 1/5e (20 %) du prix de revient de l'œuvre. Si l'acquisition est réalisée en cours d'année, la déduction n'est pas réduite prorata temporis |
STANLEY WHITNEY GALERIE GAGOSIAN PARIS
| STANLEY WHITNEY
Dear Paris January 10–February 28, 2024 GAGOSIAN GALLERY 9 rue de Castiglione, Paris https://gagosian.com/ Gagosian is pleased to announce the exhibition of Stanley Whitney’s painting Dear Paris (2023) at 9 rue de Castiglione, Paris, from January 10 to February 28, 2024. Inspired by the artist’s extended stay in the French capital, Dear Paris is the latest of Whitney’s lyrical abstractions. Balancing systematic structure and expressive spontaneity, he composed the painting in his characteristic manner, one roughly rectilinear block at a time, starting at the top left and progressing in rows across and down the canvas. Whitney forms each shape with energetic brushwork, choosing its vivid hues and shaping its boundaries in relation to its predecessors. The painting’s subtly shifting freehand geometry is further demarcated by linear bands between its rows that both divide and unify the composition. Pursuing abstraction since the 1970s, Whitney established his mature style in the 1990s while living and working in Rome. The compositional framework he employs allows him the freedom to improvise, facilitating the emergence of surprising chromatic harmonies and dynamic visual rhythms. The artist’s wide-ranging influences include the polyphonic call and response of jazz, the transformative effect of light cast on historic buildings, the traditions of American quiltmaking, and artists from Henri Matisse and Piet Mondrian to Giorgio Morandi. Whitney’s recent residency in Paris offered him the sustained opportunity to observe the city’s architecture and urban fabric, and to connect with its expansive cultural history. As he observes: There’s a history of African Americans going to Paris that dates back to after the First World War. Jazz musicians, writers, and artists like Beauford Delaney, James Baldwin, and more recently, Ed Clark, went to Paris for a creative freedom they couldn’t find in the United States. I’ve always wanted to spend more time in Paris, and in 2023, I finally did so. It was incredible to be in the city where so many of the great artists of the twentieth century, artists who were integral to my development as a painter, had lived and worked. In Paris, there’s a play between different periods in a long history; you just don’t have that in the States. Dear Paris coincides with Stanley Whitney: How High the Moon, the artist’s first comprehensive retrospective, organized by the Buffalo AKG Art Museum, New York. The exhibition will be on view from February 9 to May 27, 2024, before traveling to the Walker Art Center, Minneapolis (2024–25), and the Institute of Contemporary Art, Boston (2025). Spanning the entirety of Whitney’s career, How High the Moon traces the evolution of his practice through paintings, drawings, prints, and sketchbooks. VOIR DANS LIRE LA SUITE le texte en Français |
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Tél: (33) 09 75 80 13 23 |
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Patrick Reynolds |
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