PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David. Important artiste du XXème siècle découvert par le grand marchand Emmanuel David découvreur de Bernard Buffet. Cette oeuvre est une des plus importantes de l'artiste, très représentative du mouvement surréaliste et de la puissance du travail de Priking dont Emmanuel David disait de lui "C'est un poids lourd dans l'art comme Bernard Buffet"
Franz Priking (né Pricking) est un artiste peintre et lithographe né le 7 août 1929 à Mülheim (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 10 juin 19791 à Oppède (Vaucluse)

Biographie

La sensibilité picturale de Franz Priking est éveillée dès son enfance par l'éducation d'un père ingénieur en métallurgie (mort en 1947) passionné de Renaissance italienne et d'art baroque.

Franz Priking aborde la peinture au terme d'études de philosophie, s'orientant tout d'abord vers une abstraction lyrique « révélatrice d'une sensibilité en quête d'elle-même ». Les séjours qu'il fait ensuite au Bauhaus de Weimar (1948) et à l'Académie des arts de Berlin (où il est élève de Max Pechstein entre 1948 et 1953 et où Karl Hofer fait l'éloge de ses dessins) lui révèlent, avec l'expressionnisme allemand, une forme d'art plus conforme à son tempérament. C'est durant cette période qu'à Berlin, par l'intermédiaire du peintre Hans Tombrock, Priking se rapproche de Bertold Brecht, vivant dix mois dans la proximité du dramaturge.

En 1950, Franz Priking quitte l'Allemagne pour Paris, où il reste peu de temps, gagnant la Provence et s'arrêtant à Villeneuve-les-Avignon. Lors de sa première exposition française au Musée Réattu d'Arles, en 1952, il rencontre Pablo Picasso et va travailler pendant sept mois sous les conseils du maître à Vallauris. « J'étais profondément passionné par Picasso, par son principe de structure et d'organisation du tableau, évoque Franz Priking. Le thème m'importait beaucoup moins que le concept rythmique nouveau qu'il m'apprenait. Et surtout, j'abandonnais à ce moment la couleur vive que j'avais retenue de la période expressionniste, l'opposition des couleurs actives employées presque pures, et j'ai commencé à travailler la couleur de façon qu'elle devienne rationnelle... Les teintes sont devenues beaucoup plus terrestres, plus proches de la terre. »

Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000.

Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans.

Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. 

Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2)

Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle.

Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde.

Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse  et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. 

A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne.

(2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias :  En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié.

Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa

(3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Après une enfance vécue à Enghien-les-Bains, Pierre Jutand est élève de l'École Boulle à Paris. Il entre en 1955 à l'École nationale supérieure des arts décoratifs où il est élève de Jules Cavaillès avant de fréquenter l'atelier de Marcel Gromaire, puis, en 1956, d'obtenir deux bourses d'études, l'une au château de Collioure, l'autre aux Pays-Bas. En 1957, il poursuit ses études chez Maurice Brianchon à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il travaille ensuite la tapisserie avec Jean Lurçat, séjournant à plusieurs reprises auprès de ce dernier au château de Saint-Céré (Lot). Pierre Jutand se souvient : Lurçat ne peignait plus à l'époque mais faisait de la tapisserie, des grands cartons avec lesquels il est devenu célèbre. Il avait tellement de commandes qu'il prenait des élèves pour l'aider sur des périodes de trois à quatre mois. Appelé sous les drapeaux en 1958, Pierre Jutand effectue son service militaire en Algérie.

Alors qu'il est installé dans la rue de Lesdiguières à Paris, les premières expositions de Pierre Jutand au Salon d'automne lui valent d'être remarqué par la galerie Morantin-Nouvion où se produit sa première exposition personnelle à Paris en 1962. Peintre paysagiste, Jutand peint sur le motif, souvent avec le peintre Michel Pandel (1929-1978) - la disparition de cet ami dans un accident de deltaplane sera une grande épreuve affective - qui expose dans la même galerie.

Gully, né en 1977 est un graffeur et artiste français de la région parisienne. Il a décidé de changer de pseudonyme pour passer de sa vie de graffeur à celle d'artiste d'atelier et ainsi garder l'anonymat. Ses premières œuvres sous son nouveau pseudonyme voient le jour en 2008. Il a pratiqué le graffiti intensivement de 1992 au milieu des années 2000. Il a changé de nom d'artiste, ne ressentant pas le besoin que son travail sur toile soit associé à son passé dans le mouvement graffiti. Il se consacre aujourd'hui au travail en atelier, même s'il reconnait souvent remettre son masque d'antan, l'adrénaline étant un moteur pour toute cette génération.

Son pseudonyme

Gully girl meet Banksy acrylique sur toile 100 x 80 cm 

Cinq questions à Kenjiro Okazaki par Sabine Vazieux
- Quand est née votre vocation d'artiste et qu'est-ce qui l'a déclenchée ?
Si je pouvais renaître dans ce monde, ce serait pour être artiste. Je me demande par quelle chance j'ai vécu aussi longtemps. J'ai pris conscience de ce qu"être en vie" peut signifier lorsque j'ai approfondi mes connaissances de l'œuvre de Brunelleschi, Massacchio, Caravaggio, Poussin, Blake, Shitao, Cezanne et Morikazu Kumagai. Leurs œuvres ont la particularité d'être, à la fois, hors du temps et ancrées dans le monde.

- Comment est née votre passion pour l'art renaissance ?
Ma mère était inventeur. Il a donc été normal que je m'intéresse aux artistes et aux penseurs de la Renaissance. Brunelleschi a eu une grande influence sur ma pensée et mon travail. J'ai même écrit un livre sur lui.

- Une époque, un artiste ou un courant qui vous a particulièrement marqué.
C'est l'instabilité du monde qui me marque le plus en tant qu'artiste; que ce soit Tchernobyl, Fukushima ou l'épidémie actuelle...
Le sentiment que c'est un hazard que je sois en vie aujourd'hui exacerbe ma sensibilité artistique. C'est comme sentir le temps qu'il fait tous les jours en sachant que cette sensation peut prendre fin du jour au lendemain.

- Qu'est-ce qui vous ressource ou vous inspire... (musique, littérature, architecture, nature, un lieu ....)
Tout ce qui est dans le monde.

- Une couleur fétiche ?
En japonais, le mot "couleur" = ? iro signifie différence.
Les couleurs vives imprègnent d'abord tout votre champ de vision, mais si vous continuez à regarder, cette impression se transforme en une profondeur qu'il vous est alors possible regarder à l'infini. J'aime aussi les couleurs des feuillages d'automne, qui nous donnent l'impression que la matière se fond dans la lumière, et dans l'air.