Jean Dubuffet, Les prestations, 6 juillet 1979, acrylique sur papier entoilé (avec 6 pièces rapportées collées), 51 x 70 cm

Coll. Fondation Dubuffet, Paris © ADAGP, Paris, 2024

Avoir été choisie pour être l’invitée de la présente édition du Salon du dessin touche particulièrement la Fondation Dubuffet, qui, durant toute l’année 2024, célèbre ses 50 ans d’existence. Créée par l’artiste lui-même, la fondation a été reconnue d’utilité publique par décret en 1974. L’exposition présentée par la Fondation au Salon du dessin est l’un des premiers événements organisés pour cet anniversaire. Elle prend la suite des prestigieuses institutions muséales, invitées jusqu’à présent, qui avaient choisi de présenter les plus belles « feuilles » de leurs collections. Le terme en usage de « feuille » a une résonnance conventionnelle que Jean Dubuffet aurait sans doute rejetée, lui qui n’a eu de cesse de s’opposer aux valeurs académiques.

Riche d’une collection de plus de 1 300 oeuvres sur papier, dons de l’artiste de son vivant ou acquisitions plus récentes, la Fondation a sélectionné 55 oeuvres réalisées entre 1935 et 1985 qui témoignent de la diversité des techniques employées par Jean Dubuffet et de l'usage inventif qu'il en fait.

Artiste majeur de la seconde moitié du XXe siècle, Jean Dubuffet (1901-1985) s’engage, en 1942, dans une vaste entreprise de déstabilisation de l’institution culturelle. Ainsi, à ceux qui défendent le parti du bien dessiner, il leur oppose celui du mal dessiner. Dans un entretien où il est tout à la fois l’interviewé et l’intervieweur, il explique : « On appelle couramment bien dessiner le faire de manière à s’approcher avec exactitude d’une prise de vue photographique et c’est ce qui m’apparaît à moi mal dessiner, ou plutôt ne pas dessiner du tout. À toute production d’art, si humble soit-elle, on demande en tout cas qu’elle soit créative. »

Première fondation d’art moderne et contemporain en France, la Fondation Maeght fêtera son soixantenaire à l’été 2024. Créée en 1964 par le couple de marchands d’art, éditeurs et lithographes Marguerite et Aimé Maeght, elle fut inaugurée par André Malraux et immédiatement reconnue d’utilité publique. Cet anniversaire sera marqué par une grande exposition estivale « Amitiés, Bonnard-Matisse », l’inauguration de nouvelles salles d’exposition consacrées cette année à la collection permanente et un mois de célébrations composé de concerts, représentations de danse, projections de films, lectures…

Pierre Bonnard, L’amandier en fleurs, 1946 54,5 x 37,5 cm Paris, Centre Pompidou - Musée national d’art moderne - Centre de création industrielle Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / image Centre Pompidou, MNAM-CCI

Les institutions culturelles s'engagent aujourd'hui résolument vers le bien-être des visiteurs en faisant appel à la mise en place d'expérience Mindful Art® pour transformer les espaces culturels en lieu de vie, propice à l'introspection et au ressourcement. Nouvelle manière d'aborder ou de découvrir une œuvre d'art, Mindful Art® propose une expérience unique de méditation pleine conscience, de neuroscience et de poésie. Plus que prendre le temps et de ralentir le pas dans les musées, Mindful Art® Experience permet aux participants de regarder les œuvres autrement, d'établir un lien personnel, intime et direct avec l'œuvre. En 2024, la créatrice de la méthode, Marjan Abadie, propose une riche programmation avec, entre autres, l'ouverture d'un espace dédié à la médiation guidée au Palais des Beaux de Lille, l'inauguration de capsules sonores et des ateliers performance à travers toute la France et la Belgique.

Mise en place d'une capsule sonore au Musée des Beaux-Arts d'Orléans

À partir du 23 mars 2024

Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans et Mindful Art collaborent depuis 4 ans pour le bien-être de tous les publics. Dans la continuité logique de cette collaboration, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans, profondément engagé dans l'inclusion et le bien-être, va mettre en place une création sonore méditative Mindful Art. Cette création propose à tous les visiteurs un temps de pause au cours de leur parcours de visite. La capsule sonore sera inaugurée le 9 mars. Chaque visiteur pourra s'accorder une pause au pied de Saint Sébastien, soigné par Irène, d'après Georges de La Tour et poursuivre sa visite de manière plus immersive et sensible. Il s'agit d'une transition entre "faire le musée" et "être avec les œuvres d'art au musée", offrant ainsi une expérience enrichissante et plus intime à chacun.

Né en 1985 à Paris. Vit et travaille entre Berlin et Paris.

Kevin Lucbert est diplômé en 2008 de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Lors de ses études il se lie d'amitié avec Yann Bagot et Nathanaël Mikles. Ensemble ils créent le collectif artistique Ensaders et participent régulièrement à des performances, expositions et conduit des workshops de dessin. En parallèle il travaille pour The New York Times, Télérama, Les Échos, le groupe de presse Mondadori ou encore Starbucks, Hermès ou BIC, qui a récemment acquis quelques un de ses dessins pour leur collection d'art contemporain. En 2018, les œuvres de la collection BIC sont exposées au 104 à Paris, parmi lesquelles, celles de Lucbert.

Inspiré par de multiples sources, Maurits Cornelis Escher, Alfred Kubin, Philippe Mohlitz ou Les Cités Obscures de Schuitten et Peeters, Lucbert a développé une création unique dans laquelle il explore un monde parallèle, un univers absurde qui lui est propre. Dans sa série Blue Lines réalisée au stylo BIC bleu, il explore des paysages surréalistes et des compositions frontales et imaginaires. Ses œuvres traduisent un monde spatial et rêveur.

 29/09/2023 - 14/01/2024

Pablo Picasso (1881-1973) a travaillé sur la sculpture pratiquement dès le début de sa longue carrière. Pour l'artiste de Malaga, il ne s'agissait pas d'un médium de moindre rang, mais plutôt d'une forme d'expression comparable à la peinture, au dessin ou à la gravure. Dans sa pratique, il n’y avait pas d’arts majeurs et mineurs, mais plutôt des langages et des matériaux différents qui lui permettaient de transmettre divers aspects de sa création. Le corps, objectif ultime de la représentation et instrument principal de Picasso tout au long de sa carrière, est le pilier fondamental de cette exposition qui s'inscrit dans le cadre des commémorations du 50e anniversaire de sa mort.

Pablo Picasso (1881–1973) trabajó la escultura prácticamente desde los inicios de su dilatada trayectoria. Para el artista malagueño, no se trataba de un medio de un rango menor, sino de una forma de expresión equiparable a la pintura, el dibujo o el grabado. En su práctica, no existían artes mayores y menores, sino diferentes lenguajes y materiales que le permitían transmitir aspectos diversos de su creación. El cuerpo, objetivo último de la representación e instrumento principal de Picasso a lo largo de su carrera, es el pilar fundamental de esta exposición, que se enmarca dentro de los actos de conmemoración del 50º aniversario de su fallecimiento.

Monographie dédiée à l'artiste, avec des essais de Carmen Giménez, Diana Widmaier-Ruiz-Picasso et Pepe Karmel sur l'œuvre sculpturale de Picasso . Le volume est illustré d'images des œuvres présentes dans l'exposition, tant actuelles qu'historiques réalisées par Brassaï.

Nicolas de Staël Musée d’Art Moderne de Paris

15 septembre 2023 – 21 janvier 2024

Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre une grande rétrospective à Nicolas de Staël (1914-1955), figure incontournable de la scène artistique française d’après guerre. Vingt ans après celle organisée par le Centre Pompidou en 2003, l’exposition propose un nouveau regard sur le travail de l’artiste, en tirant parti d’expositions thématiques plus récentes ayant mis en lumière certains aspects méconnus de sa carrière (Antibes en 2014, Le Havre en 2014, Aix-en-Provence en 2018

La rétrospective rassemble une sélection d’environ 200 tableaux, dessins, gravures et carnets venus de nombreuses collections publiques et privées, en Europe et aux Etats-Unis. À côté de chefs-d’œuvre emblématiques tels que le Parc des Princes, elle présente un ensemble important d’œuvres rarement, sinon jamais, exposées, dont une cinquantaine montrées pour la première fois dans un musée français.

Organisée de manière chronologique, l’exposition retrace les évolutions successives de l’artiste, depuis ses premiers pas figuratifs et ses toiles sombres et matiérées des années 1940, jusqu’à ses tableaux peints à la veille de sa mort prématurée en 1955. Si l’essentiel de son travail tient en une douzaine d’années, Staël ne cesse de se renouveler et d’explorer de nouvelles voies : son « inévitable besoin de tout casser quand la machine semble tourner trop rond » le conduit à produire une œuvre remarquablement riche et complexe, « sans esthétique a priori ». Insensible aux modes comme aux querelles de son temps, son travail bouleverse délibérément la distinction entre abstraction et figuration, et apparaît comme la poursuite, menée dans l’urgence, d’un art toujours plus dense et concis : « c’est si triste sans tableaux la vie que je fonce tant que je peux », écrivait-il.

La rétrospective permet de suivre pas à pas cette quête picturale d’une rare intensité, en commençant par ses voyages de jeunesse et ses premières années parisiennes, puis en évoquant son installation dans le Vaucluse, son fameux voyage en Sicile en 1953, et enfin ses derniers mois à Antibes, dans un atelier face à la mer.