Le rêveur éveillé

Exposition d’Endre Rozsda

Galerie Setze / Le PartKing : https://www.lepartking.com/

Jusqu’au 24 novembre 2024

En ce moment le Centre Pompidou présente une exposition de grande envergure célébrantle centièmeanniversaire dumouvement surréaliste.Si vous avez eu l’occasion de parcourir cette exposition intitulée tout simplement Surréalisme, vous avezpeut-êtreremarqué les admirables et surprenantsdessins d’Endre Rozsda, Le Rêve (c. 1960), issu des collections du MNAM et lesFemmes et animaux (1959), prêté par l’Atelier Rozsda. Ne manquez pas de visiter son exposition personnelle à la galerie Setze/ Le PartKing.

Endre Rozsda est né à Budapest en 1913 et est mort à Paris en 1999. Cet artiste d’origine hongroise, peu connu du grand public mais hautement respecté dans le monde de l’art a passé plus de soixante ans de sa vie à Paris. Il vient pour la première fois en 1938, prenant conscience que « Je ne suis pas contemporain de moi », pour étudier et se familialiser avec les mouvements artistiques de son époque. Installé au quartierMontparnasse, il fait la connaissance de nombre de ses compatriotes tels que Arpad Szenes, Etienne Hajduou Brassai mais aussi de Vieira da Silva, Giacometti, Picasso et Max Ernst. Il rencontre également Françoise Gilot qui devient alors son élève et son amie pour la vie. Découvrant entre autres les œuvres de Picasso, de Dali, de Max Ernst et de Masson, il trouvele mouvement correspondant parfaitement à sa personnalité età son mode de pensée : le surréalisme.

L’exposition montreaux côtés de ses quelques peintures de nombreux dessins aux techniques et d’époques différentes. En plus des traits fins et des formes faites de petites taches minutieusement élaborées, ce qui caractérise une grande partie de ses œuvres présentéesici est la mise en dérision des défauts humains,y compris les siens.En effet,nous pouvons reconnaître son autoportrait dans certaines de ses œuvres. Aussi bien ses tableaux que ses dessins portent souvent des titres ironiques, humoristiques,mais parfois tristes voire tragiques, reflétant son vécu. 

Image : Endre Rozsda  Le Renouveau (La Mort), huile sur toile 1992

06 - 27 November 2024

Opera Gallery Dubai proudly presents Pierre Dunoyer’s 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008,' a landmark exhibition showcasing the artist's work for the first time at the gallery.

Renowned for his intellectual and philosophical approach to abstraction, Dunoyer’s art delves into the essence of painting as an object of thought, using form and colour as tools for conceptual exploration. This exhibition offers a rare chance for audiences in Dubai to experience a distinct body of work that has left a significant mark on contemporary art.

Spanning more than two decades of artistic production, the exhibition highlights several key periods of Dunoyer’s career. It traces his evolving approach to abstraction, composition, and the materiality of paint, reflecting his ongoing enquiry into the role of painting in modern art. Throughout his career, Dunoyer has sought purity in form and explored the power of painting to convey thought without relying on representational imagery. The selected works reveal subtle yet significant transformations in his technique and conceptual focus over time.

Curated to capture these transitions, the exhibition features 19 paintings that represent pivotal moments in Dunoyer’s artistic journey. Visitors will witness the progression from his early, structured compositions with muted palettes to his later works, which embrace more liberated forms and vibrant colours. 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008' offers a deep exploration of Dunoyer’s evolution, immersing viewers in the complex relationship between thought and visual expression that defines his work.

OPERA GALLERY PARIS

62 rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris, France
+33 (0)1 42 96 39 00
paris(at)operagallery.com
operagallery.com  

15 October - 14 November 2024

Opera Gallery is pleased to present 'Transatlantic: Figurations of the 80s', a group exhibition curated by Pascale Le Thorel, running from 15 October to 14 November 2024. Offering a comprehensive exploration of 1980s figurative art on both sides of the Atlantic, this exhibition captures the dynamic and multifaceted spirit of this transformative period in art history. 

The 'Transatlantic: Figurations of the 80s' exhibition offers a panorama of the artistic creation on both sides of the pond. Though distinct in their origins and expressions, the various movements shared a common desire to break away from the elitist avant-gardes of the previous two decades, reintegrating popular imagery and exploring new forms of expression. Two essential components of the art of that period emerged: mass media culture as a source of inspiration—with comics, animated series, video games, magazines and advertising—and urban culture with artists' squats, fences, the subway and clubs. Those two cultures were common to that entire generation of artists

Hervé Di Rosa, Robert Combas and François Boisrond were France's leading figures of figuration libre. Characterised by a profusion of bright colours and deliberately naive brushstrokes, their work took a joyful and sometimes provocative approach to art. Alongside Roberto Cabot and Catherine Viollet at the same time as Luciano Castelli and Saint Clair Cemin they formed an underground, theory-free community. With his torn-up posters salvaged from the street, Jean Charles Blais considered the medium to be of particular importance. His work explored themes from everyday life and the absurd with poetry and emotion.

NEW-YORK 1941-1945: CAPITALE SURRÉALISTE
La Période Américaine d'André Masson

André Masson le surréalisme révolutionnaire Parcours Paris surréaliste

Exposition du 27 septembre au 21 decembre 2024

Fuyant l'Occupation, André Masson et André Breton arrivent à New-York en 1941. Bien qu'impressionné par la grande métropole, André Masson trouve, comme toujours, la nature bien plus attrayante que le rythme chaotique de la ville. Il s'installe en Nouvelle Angleterre, à côté du Lake Waramaug, où il reçoit les visites de Calder, Kay Sage et Yves Tanguy et Arshile Gorky, et commece à exposer aux États Unis, notamment chez Kurt Valentin et Pierre Matisse. En 1941, date de son arrivée, le Baltimore Museum lui consacre une exposition monographique de plus de trente oeuvres, qui marque l'entrée des premières oeuvres de Masson dans les collections publiques américaines.
L'arrivée de ces artistes et penseurs fuyant l'Occupation contribue à l'effervescence artistique et culturelle de New-York durant cette période. Le cercle des surréalistes en exil composé entre autres d'André Breton, Marcel Duchamp, Marx Ernst, Jacqueline Lamba, André Masson, Roberto Matta et Yves Tanguy contribue à renforcer l'engouement de la scène new yorkaise pour la psychanalyse, l'automatisme et l'inconscient. Selon Claude Lévi-Strauss, « New York est le conservatoire, le carambolage des temps, le moderne et l'archaïque ».
Notamment, Jackson Pollock fait la connaissance de plusieurs membres du mouvement surréaliste et participe aux ateliers d'écriture automatique. Il est impossible de ne pas rappeler l'influence que la période américaine d'André Masson a pu avoir sur l'Expressionnisme abstrait lors de ses débuts, et surtout sur l'oeuvre de Jackson Pollock. Il est vraisemblable que Pollock a connu André Masson dans l'Atelier 17 de Stanley W. Hayter à New-York, où Masson travaille à l'estampe. Les deux artistes partagent notamment la même vision totémique des forces de la nature, et la fascination pour les mythes amérindiens. Jackson Pollock est marqué par cette présence des artistes surréalistes pendant la guerre: des oeuvres comme Moon-Woman Cuts the Circle, 1943, actuellement exposée au Musée Picasso, dans l'exposition "Jackson Pollock: Les Premières années" montrent une vision proche du surréalisme de Masson à la même époque.  

Image : André MASSON (1896 - 1987) Le Loup-Garou, 1943
Fusain et pastel sur papier.
Signée en bas à droite «André Masson» 61 x 45.5 cm.
Provenance: Atelier de l'artiste; Galerie Louise Leiris, Paris; Galerie Cazeau-Béraudière, Paris; Collection particulière, USA, acquise auprès de ce dernière en 2004. 

NEW YORK, October 23, 2024—Gagosian is pleased to announce the global representation of artist, photographer, and filmmaker Tyler Mitchell. Mitchell's work will be shown by Gagosian at Paris Photo in a curated presentation with photographs by Richard Avedon from November 6 to 10, 2024. New photographs by the artist will be featured in the catalogue accompanying Superfine: Tailoring Black Style, the Costume Institute's spring 2025 exhibition at the Metropolitan Museum of Art, New York. His first exhibition with the gallery following representation will take place in New York in the spring of 2025.

A leading artist of his generation, Mitchell is renowned for his vibrant, playfully theatrical compositions that foreground the style and beauty of Black subjects, often within pastoral landscapes and familiar domestic settings. His photographs and videos offer utopian visions of empowerment, self-determination, tenderness, and camaraderie.

Mitchell draws from the traditions of portraiture, fine-art photography, fashion, and filmmaking to create images of individuals whom he seeks to visualize as "free, expressive, effortless, and sensitive." Works such as Untitled (Kite) (2019) and Riverside Scene (2021) envision scenes of leisure in idyllic summertime landscapes. Such personal expressions seamlessly blend with editorial projects in his wide-ranging practice; in commissioned works like Untitled (Twins I) (2018) and Untitled (Communion in a Landscape) (2023), Mitchell uses brilliant color and dramatic silhouettes to present images of alluring individuals. He often prints his photographs on unorthodox substrates, including mirrors and fabric hung from clotheslines or draped over frames, as in A Gradual Shining Light (2023). He also embeds them into mixed-media Altar sculptures that reference domesticity and vernacular photography, integrating his visions into physical reality.

Mitchell achieved global prominence when he photographed Beyoncé for the September 2018 issue of American Vogue, becoming the first Black photographer to shoot the magazine's cover in its then 126-year history. The Smithsonian Institution's National Portrait Gallery acquired an image from the series the following year. Untitled (Hijab Couture) (2019), from another Vogue feature, pictures Somali-born model Ugbad Abdi wearing a headdress of glossy pink flowers. His photographs of the newly inaugurated Vice President Kamala Harris were commissioned for the cover of Vogue's February 2021 issue. Mitchell has also collaborated with brands including Loewe, Louis Vuitton, Ferragamo, JW Anderson, Wales Bonner, and Marc Jacobs.

Dans une société machiste elles se sont éclipsées sous le rayonnement d'un mentor, d'un père, d'un mari ou même d'un fils. De par la nature même de leur genre, elles n'ont pu accéder à la reconnaissance escomptée alors que leur talent et leur créativité ont marqué l'histoire de l'art du XXe siècle.

Quatre générations de femmes artistes seront présentées.

Suzanne Valadon, Nina Alexandrowicz, Marie Vassiliev, Chana Orloff, Sonia Delaunay, Marie Laurencin, Léonor Fini, Olga Sacharoff, Helena Vieira da Silva, Vera Molnár, Sophie Destre ou Anne Ferrer sont toutes des femmes visionnaires, dont la contribution à l'histoire de l'art moderne et contemporaine ouvre la voie aux générations futures.

Vieira da Silva (1908-1992)

On the occasion of the "Femmes artistes" event at Quartier Art Drouot, Galerie AB - Agnès Aittouares invites you to discover a selection of works by women artists from 1913 to the present day, whose work and renown are now in the spotlight.

GALERIE L'AMOUR DE L'ART

Marie Borel

67 Rue de Seine - 75006 PARIS

TEL : 33 (1) 46 33 07 77

www.lamourdelart.com  email : lamourdelart(at)sfr.fr

 Marc Clauzade est né à Paris le 30 Mai 1957 dans le quartier Montparnasse où il a grandi et esquissé ses premiers croquis avant d'entrer aux Beaux-Arts de Toulouse.

La femme belle et sûre d'elle est un inépuisable sujet d'inspiration pour l'artiste qui la peint, l'habille et la  déshabille  au gré de ses envies. Car son grand sujet, c'est la mode, en ce qu'elle a de plus féminin et de plus élégant  : la Haute-Couture de  Paris !  Clauzade met en scène ces sublimes créatures   habillées par Dior,  Chanel ou Saint-Laurent , dans des ambiances très parisiennes Chic et festives où loin des podiums , elles se retrouvent autour d'un verre , dans les bars , les restaus , les boutiques,  les musées, les théâtres, les cabarets , les jardins publics, les champs de course et  même  parfois sur les plages de Deauville .

Les hommes  ne sont pas en reste dans cet univers de  mode et de  féminité. Ils sont l'oeil  du  peintre : Toujours admiratif, énamouré, timide devant tant de beauté .  Ils sont un peu les faire-valoir de ces dames, des figurants comiques et gentiment moqués  et  Clauzade s'amuse, en poussant  la caricature, à les  peindre dans des   petites scénettes  galantes  et malicieuses

Image : MARC CLAUZADE LE DANDY 30 F. GALERIE L'AMOUR DE L'ART

Gagosian to Present Paintings by Mark Grotjahn in New York

Out of Country Opens at 980 Madison Avenue on September 10, 2024

Mark Grotjahn, Untitled (Backcountry 55.89), 2023, oil on cardboard mounted on linen, 74 3/8 × 94 inches (188.9 × 238.8 cm)

© Mark Grotjahn. Photo: Douglas M. Parker Studio

NEW YORK, August 26, 2024—Gagosian is pleased to announce Out of Country, an exhibition of new and recent paintings by Mark Grotjahn at the gallery’s 980 Madison Avenue location in New York. Opening on September 10, Out of Country represents the culmination of the Backcountry series that has occupied the artist since 2021, and features never before exhibited paintings on white grounds, as well as two black-ground paintings. A press preview and tour with the artist will take place at 10:30am on Monday, September 9.

In his paintings, sculptures, and works on paper, Grotjahn investigates color, perspective, seriality, and the sublime. The concluding entries in the Backcountry series featured in this exhibition see him again draw inspiration from the experience of rural American landscapes, specifically those from his ski and fly-fishing tours in the remote backcountry of western Colorado. While the works contain an Gagosian to Present Paintings by Mark Grotjahn in New York Out of Country Opens at 980 Madison Avenue on September 10, 2024 Press Preview and Artist Tour on September 9 at 10:30am Mark Grotjahn, Untitled (Backcountry 55.89), 2023, oil on cardboard mounted on linen, 74 3/8 × 94 inches (188.9 × 238.8 cm) © Mark Grotjahn. Photo: Douglas M. Parker Studio Download Press Images element of pictorial representation, hinting at a snowy mountain descent or starlit nocturnal pass, their primary commitment is still to abstraction, specifically the nuanced layering of line, tone, and texture. Continuing to produce variations on an identifiable style and format, Grotjahn builds on a dynamic rhythm that transcends simple visual record to achieve a unique formal and emotional complexity. 

EXPOSITION SURRÉALISME

DE 1924 À NOS JOURS

Informations pratiques | Event details

5 rue Jacques Callot - Paris VI

Du 17 septembre au 09 octobre 2024

Ouverte du mardi au samedi De 10h30 à 19h00

Félix Labisse, Grand exorcisme du rituel de Malines (détail), 1957

À l'occasion du centenaire du Surréalisme, Agnès Aittouares vous invite à découvrir un ensemble d'œuvres d'artistes surréalistes proches d'André Breton.

L'exposition rassemble des peintures, dessins, sculptures et objets de 1924 à nos jours de Jean Arp, Victor Brauner, Agustín Cárdenas, Salvador Dalí, Léonor Fini, Félix Labisse, Wifredo Lam, Roberto Matta, Joan Miró, Georges Papazoff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff... Tous ces artistes sont également présents dans l'exposition « Surréalisme » au Centre Pompidou.

To mark the centenary of Surrealism, Agnès Aittouares invites you to discover a collection of works by Surrealist artists close to André Breton.

The exhibition brings together paintings, drawings, sculptures and objects from 1924 to the present day by Jean Arp, Victor Brauner, Agustín Cárdenas, Salvador Dalí, Léonor Fini, Félix Labisse, Wifredo Lam, Roberto Matta, Joan Miró, Georges Papazoff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff... All these artists are also represented in the "Surrealism" exhibition at the Centre Pompidou.

Artist Biography

"I have always worked in the "abstract," borrowing whimsical shapes from the stages of dance performances and ballets I've designed, and geometric shapes from architectural drawings for buildings I've designed. Painting gives me the freedom to incorporate both." —Tom H. John

Tom John. Untitled, 2016. Gouache and pencil on paper Rosenberg & Co

Tom H. John (1931–) is an American polymath who applies his creativity to a variety of fields, but is first and foremost a visual artist. After studying at the Art Institute of Chicago, John pursued an array of diverse projects, particularly in set design and production.

J'espère que vous avez passé un bel été.

Pour notre part, nous avons profité de ce temps estival pour réimaginer notre activité et avons le plaisir de vous annoncer notre installation permanente à Honfleur.

Issu d'une famille d'artistes Normands comme beaucoup d'entre vous le savent, j'ai eu l'envie de revenir dans cette région, plus particulièrement sur la côte fleurie.

L'aventure continue de plus belle...après des années formidables passées à Boulogne, chaleureusement entourés par nos artistes qui nous ont donné le

meilleur d'eux-mêmes par leur création et par leur talent.

Mais également par la ville qui nous a reconnus en nous offrant une belle visibilité.

Et surtout, surtout à vous mes chers collectionneurs qui nous avez suivis, soutenus et acquis les œuvres de nos artistes que nous défendons, je vous remercie tout particulièrement.Sans vous, la galerie n'aurait pu avoir la résonance qu'elle a aujourd'hui et elle est belle, brillante et chaleureuse.

Nous quittons donc le 92 avenue Jean-Baptiste Clément à Boulogne pour le 46 rue du Dauphin à Honfleur pour continuer ce pour quoi nous sommes faits, défendre nos artistes et partager avec vous nos découvertes. La passion est intacte.

One of the most influential art styles of the early twentieth century, Cubism first emerged in 1907. The method abandoned the artistic replication of perspective from a single view point, instead creating images with geometric shapes and interlocking planes. Organized in part by French artist Jacques Villon (1875–1963), The Puteaux Group and their 1912 exhibition La Section d'Or were responsible for expanding knowledge of this early abstract method, cementing the group as crucial for the Cubist movement's influence and legacy.

Jacques Villon in his studio © Alexander Liberman Photography Archive, 1925-1998, Getty Research Institute, Accession no. 2000.R.19.

Né Jacques Duchamp, Villon changed his last name when he began submitting his art to various magazines in the 1890s. In 1895, he enrolled in the École des Beaux-Arts and frequented the Atelier Cormon. He became a graphic artist, contributing posters, cartoons, and illustrations to Parisian publications. Remaining an active figure in Montmartre, in 1903 he helped organize the drawing section at the first Salon d'Automne in Paris and from 1904 to 1905 he studied at the Académie Julian. After several successful salons and exhibitions in the early 1900s, the artist settled in Puteaux in 1906, where he devoted himself to painterly pursuits.

« EXPANSIONS »

Exposition du 6 septembre au 19 octobre 2024

Vernissage le vendredi 6 septembre à partir de 18h30

En 2019, Vanities Gallery a été la première galerie d’art en France a présenté les œuvres de Li Xiaoshi. Depuis l’artiste, diplômée de l’Académie Centrale des Beaux-Arts Lu Xun à Shenyang, où elle enseigne depuis 2009, a exposé dans 7 expositions solos que ce soit en Chine ou en Suisse.

Elle revient en France en 2024, pour nous présenter l’évolution de son travail. Continuant à explorer les méandres de la mémoire et de l’introspection, Li Xiaoshi, dévoilera des huiles sur toile et des aquarelles.

Les premiers mots qui viennent à l’esprit quand nous découvrant ces œuvres sont : accumulation, concrétions, angoisse et subjectivité. Nous ressentons une influence surréaliste dans un style à la Dali (1904-1989) avec des couleurs tranchées dignes de Chirico (1888-1978). Mais les références s’estompent dès que nous regardons dans les détails les œuvres de Li Xiaoshi, puisque les formes ne sont ni figuratives ni narratives, nous sommes comme emportés dans un tourbillon de formes biologiques qui emplissent un espace en expansion continuelle. Tel un Big Bang de couleurs et de formes, une force semble jaillir de la toile. Est-ce la force créatrice de l’artiste ? Ou bien celle de chaque être humain enfermé par des règles sociétales ? Ou peut-être est-ce l’évocation de la puissance créative de la Nature-même ?

Cette série expansion qui donne le nom à l’exposition est d’une rare force et emmènera le visiteur à se questionner sur la quintessence de la créativité. Doit-on la laisser jaillir tel une explosion, ou doit-t-elle être maîtrisée dans carcan de règles ?

Vanities Gallery

17, rue Biscornet 75012 Paris

10h30-18h30 Du mardi au samedi

https://www.vanitiesgallery.net/

Quartier de Bastille

CURATORS

Victoria ZHONG +336 23 06 15 54

Thierry TESSIER +336 75 21 39 11

Vanities Gallery a pour but de présenter des artistes occidentaux et asiatiques dans un esprit apolitique et d’échanges culturels. La programmation met en valeur des artistes ayant un message fort et courageux, un parti pris artistique quelques fois risqués. Nous sommes une équipe de trois professionnels du marché de l’art qui avons décidé de mutualiser nos compétences pour apporter un conseil sérieux autant auprès des artistes que des collectionneurs. Nos valeurs sont audaces, sérieux et partage.

Anne-Margreet Honing

Exposition / Exhibition 29 Jun. – 27 Jul. 2024

 Vernissage / 
Samedi 29 juin 2024 de 18 h à 21 h Saturday 29 June 2024 from 6 to 9 pm

 SUZANNE TARASIEVE PARIS : Suzanne Tarasieve suzanne-tarasieve.com

7, rue Pastourelle • F-75003 Paris
T : + 33 (0)1 42 71 76 54 • Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.

Mar. – Sam. 11:00 - 19:00 & sur rdv / Tues. – Sat. 11 am - 7 pm & by app.

Anne-Margreet Honing est artiste peintre. Franco-hollandaise, née à Amsterdam, elle est diplômée de l’école nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA).

Issue d’une famille de chercheurs/professeurs en biologie, Anne-Margreet est fascinée depuis l’enfance par le vivant. À la fin des années 90 de nombreux séjours dans les jungles primitives du Panama et du Costa-Rica sont déterminants. Une nature désinhibée et fertile, chaotique et luxuriante obsède l’artiste. Sa peinture foisonne de formes organiques, la flore envahit la toile, une sexualité omniprésente tente de s’y camoufler. De l’infiniment petit à l’infiniment grand, Honing décrit un paradis perdu vestige d’un temps dominé par la nature. Elle questionne notre rapport à une mère nature ultra puissante victime d’une ère anthropocène probablement dévastatrice.

Anne-Margreet Honing, Untitled, 2024, huile sur toile, 200 x 140 cm

Exposition T'ang Haywen: Chemins de l'encre
à la Galerie Jean-François Cazeau et à la Pagode 
Vernissage le 24 mai 2024 dans le cadre du Paris Gallery Weekend 
du 24 mai au 17 juin 2024.
Vernissage à la galerie le 24 mai de 16h à 21h.

Grand maître de l'encre de la seconde moitié du XXe siècle, l'œuvre de T'ang Haywen (1927-1991) révèle un univers profond, plein de sensibilité et d'intensité. Sa production est focalisée sur le paysage et marquée par l'usage de l'encre. Fasciné par le travail de calligraphe de son grand-père et par l'œuvre de Shitao, grand calligraphe, poète et paysagiste de la dynastie Ming du XVIIe siècle, qui marque la rupture avec le style traditionnel chinois, T'ang décide de consacrer sa vie à la peinture. T'ang maîtrise l'art millénaire, fondamental de son pays – l'encre – et il suit les préceptes de la philosophie également millénaire du Taoïsme.

Un des trois grands peintres chinois à Paris après la Deuxième Guerre, T'ang fait partie de la vague d'artistes exilés qui trouvent à Paris les conditions propices pour l'exercice de leur art, dans ce qu'on appelle tout simplement l'Ecole de Paris. Quand il arrive à Paris, le monde de l'après-guerre qu'il retrouve est en frémissement. Les principes du machinisme et de la raison sont mis en question. Le climat du triomphe de l'abstraction lyrique et de l'expressionnisme abstrait, tous les deux puissant des sources de la calligraphie orientale sans les copier est fécond pour un artiste comme T'ang, qui est libre d'aller entre le sens et la forme, entre calligraphie et peinture. Ayant seulement les bases de la calligraphie traditionnelle enseignée par son grand-père, T'ang rejoint l'Académie de la Grande Chaumière au Montparnasse, une des plus réputés écoles d'art de Paris. Là il apprend également la manière occidentale de la peinture. L'art de T'ang se situe à la confluence de ces deux grandes influences, entre la Chine et la France. Considéré comme un des grandes artistes de cette période, T'ang présente tous les traits d'une figure marquante du mouvement.

Alexander Calder, Marc Chagall, Edgar Degas, Fernand Léger, André Masson, Serge Poliakoff...

Exposition du Jeudi 25 Avril au 31 Mai 2024 - 2 rue St-Georges, Bruxelles

BENJAMIN SEBBAN GALLERY Rue Saint-Georges 2, Bruxelles, Belgique

+33 787 400 500

AUGUSTE HERBIN « Parcours »

Du 16 mai au 12 juillet 2024

Auguste Herbin, "Adam et Eve", 1943 Huile sur toile, 73 x 92 cm

Nous sommes heureux de vous convier à l'exposition personnelle d'Auguste Herbin.

Vernissage jeudi 16 mai, de 18h30 à 20h30

Le parcours d'Herbin dans l'histoire de l'art est celui d'un artiste de la fin du 19ème siècle qui, parti de l'oeuvre de Cézanne et, avec la palette de Van Gogh comme première balise, devint dans la seconde moitié du 20ème siècle un phare pour de nombreux artistes quelques soient leurs nationalités, tant Paris de 1945 à 1955 fut la grande capitale de l'art abstrait international. Après 1945, son activité au sein du Salon des Réalités Nouvelles, l'engagement auprès de lui de critiques et de galeristes, ses talents de pégagogue contribuèrent à une meilleure connaissance de son grand œuvre : l'alphabet plastique. Auguste Herbin est l'artiste qui permit à l'art abstrait géomérique de se renouveler et de dépasser les synthèses constructivistes et néoplastiques. Cette conclusion abstraite éblouissante comme le disait Victor Vasarely, ne doit pas faire oublier qu'à chacun des mouvements qu'il traversa et dont il fut contemporain, en particulier le fauvisme et le cubisme, il laissa une œuvre magistrale qui le plaça d'emblée parmi les plus grands.

Céline Berchiche - Avril 2024

Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics.  After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades.

Jean-Michel Basquiat, Hollywood Africans, 1983, acrylic and oil stick on canvas, 84 1/8 × 84 inches (213.5 × 213.4 cm),
Whitney Museum of American Art, New York © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York. Photo:
© Whitney Museum of American Art/Licensed by Scala/Art Resource, New York

BEVERLY HILLS, February 6, 2024—Gagosian is pleased to announce Made on Market Street, the first exhibition focused exclusively on works that Jean-Michel Basquiat produced in Los Angeles. Curated by Fred Hoffman with Larry Gagosian, the exhibition will be on view from March 7 to June 1, 2024. With exhibition design by Stefan Beckman, Made on Market Street features loans from the Estate of Jean-Michel Basquiat; Nicola Erni Collection, Steinhausen, Switzerland; the Broad Art Foundation, Los Angeles; Museum Brandhorst, Munich; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; and other public and private collections.
Between November 1982 and May 1984, Basquiat produced approximately a hundred paintings, numerous works on paper, and six silkscreen editions in Venice, California. For an artist closely affiliated with the New York art scene of the 1980s, Basquiat was extraordinarily prolific in Los Angeles

Made on Market Street reflects on this consequential era by bringing together nearly thirty works—several of which are among his most important paintings. Larry Gagosian notes, “Los Angeles has always been a great city for artists and Jean-Michel seemed to find it a refreshing change from New York. While the immensity of his talent was immediately apparent, it was nonetheless a highlight of my own career to work with him, to introduce him to Los Angeles, and to witness the amazing impact that his art and legacy have made on our culture.”

C'est avec une immense joie que nous vous annonçons l'ouverture de notre galerie à Soho, à New York. Nous vous invitons dès a présent à venir nous rendre visite !
Du mardi au samedi 10h-19h - 85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 -  https://www.ameliemaisondart.com/fr/

With immense joy, we announce the opening of our gallery in Soho, New York.
We invite you to come and visit us!
Tuesday to Saturday 10am-7pm
85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 - https://www.ameliemaisondart.com/fr/

Du 27 au 30 mars 2024 - Le Molière - 40 rue de Richelieu, 75001 Paris

JAOUAD BENTAMA  -  https://www.jaouadbentama.com/  Video : https://www.youtube.com/watch?v=rlG_TwDoZjo

JAOUAD BENTAMA, peintre franco-américain d'origine marocaine vit et crée à New York depuis plus de 10 ans. Il intègre en 2017 en tant qu'artiste résident le centre "Mana Contemporary". A collaboré avec plusieurs collectifs d'artistes dans le Lower East Side et a présenté son travail dans de nombreux lieux culturels aux Etats Unis et en France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

JAOUAD BENTAMA, a French-American painter with Moroccan origin, has lived and created in New York for over 10 years. In 2017, he joined 'Mana Contemporary' as a resident artist. He has collaborated with several artist collectives in the Lower East Side and has presented his work in numerous cultural venues in the United States and France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

JAOUAD BENTAMA présente à Paris une trentaine d’œuvres autour du thème «DECHIRURES». Elles signent sa renaissance artistique après un accident qui l’a laissé pour mort.

JAOUAD BENTAMA presents about thirty works in Paris on the theme of «DECHIRURES».

They mark his artistic rebirth after an accident that left him for dead.

Ses «DECHIRURES» sont les stigmates d’une longue convalescence, une référence a ces pansements qu'on arrache, sans retirer la peine : "il y a des cicatrices qui ne se referment jamais et demeurent nos déchirures ". Les «DECHIRURES» sont une réflexion universelle sur la fragilité de la vie et le triomphe possible de l'espoir. (www.jaouadbentama.com)

His «DECHIRURES» are the scars of a long convalescence, a reference to those bandages that are torn off, without removing the pain: 'there are scars that never heal and remain our rips'. The 'DECHIRURES' are a universal reflection on the fragility of life and the possible triumph of hope. (www.jaouadbentama.com)

Paul Delvaux Femme et  Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm

PAUL DELVAUX EARLY WATERCOLOURS AND DRAWINGS FROM A PRIVATE COLLECTION

Linda and Guy Pieters are pleased to invite you to the private view of the exhibition on Saturday 30 March from 4 PM until 6 PM

exhibition from 31 March until 13 May 2024

The Office at Guy Pieters Gallery : https://www.guypietersgallery.com/en/home

Zeedijk - Het Zoute 755 – 8300 Knokke-Heist

Open every day from 11 AM until 6 PM

Closed on Tuesday and Wednesday

+32 50 80 00 15 - knokke'at)guypietersgallery.com

La « Paris Sausage Walk » à la Galerie Bessaud Samedi 16 mars de 14h à 19h

Richard Avedon, Brigitte Bardot, hair by Alexandre, Paris, January 1959,

gelatin silver print, 24 × 20 inches (61 × 50.8 cm) © The Richard Avedon Foundation

Photography for me has always been a sort of double-sided mirror. The one side reflecting my subject, the

other reflecting myself.

Richard Avedon

PARIS, January 15, 2024—Gagosian is pleased to announce Iconic Avedon: A Centennial Celebration of Richard Avedon, at the gallery on rue de Ponthieu, Paris, from January 22 to March 2, 2024. The exhibition marks the centenary of Avedon’s birth in May 1923. Often attributed to his photographs, the word iconic applies equally to their maker, and is used here to illuminate his exceptional influence on culture today.

Soon after establishing his New York studio in the mid-1940s, Avedon developed an inventive, sophisticated, and instantly recognizable style. As a staff photographer for Harper’s Bazaar (1944–65), and later Vogue (1966–88), he produced many of the publications’ quintessential images. As Avedon’s reputation grew, the defining figures of the twentieth century—performers, writers, artists, intellectuals, and other notables—were drawn to see themselves through his lens. Avedon produced images that became synonymous with the legends of his sitters. Featuring his photographs of subjects both renowned and obscure, the exhibition highlights the innovative role Avedon played as a creator of icons.

Avedon’s most incisive portraits manifest his uncanny ability to elicit the singular vitality of his sitters, inscribing their charged essences—even those of the already famous—in decisive frames extracted from the larger arc of living history. His portrayals of Marian Anderson (1955), Marilyn Monroe (1957), Bob Dylan (1965), and the Beatles (1967) are as indelible as they are timeless. “It’s not the way

I ,” Harold Brodkey remarked about his portrait by Avedon, “but the way I .” With an unerring eye, impeccable timing, and a prescient sensibility, Avedon vaulted the models Dovima (1955), China Machado (1958), and Penelope Tree (1967) to the pinnacle of their profession. He also recorded incomparable images of Charlie Chaplin (1952),

À l'occasion du mois du dessin à Paris, Agnès Aittouares vous invite à deux expositions d'œuvres sur papier d'une sélection de grands artistes du XIXe siècle à nos jours.

De 1880 à 1950 Espace Paris IX au cœur du Quartier Drouot 

De 1950 à nos jours Espace Paris VI dans le Quartier Saint-Germain-des-Prés

S'offrir une œuvre sur papier permet non seulement d'acquérir le chef-d'œuvre d'un grand maître, alors que sa peinture devient inabordable, mais également pénétrer au cœur de son intimité. Le dessin était à l'origine le plus souvent gardé à l'atelier, véritable architecture de l'œuvre créatrice. Dès le début du XXe siècle, l'art moderne en privilégiant les matières et les techniques en a fait un art à part entière. 

Le long de ce parcours chronologique vous découvrirez la sensibilité de ces artistes qui par le dessin nous révèlent un geste créatif touchant les courants majeurs de l'art moderne, comme le symbolisme de Félicien Rops, l'intimisme de Pierre Bonnard et d'Édouard Vuillard, le cubisme de Georges Valmier, le surréalisme de Salvador Dalí, l'abstraction lyrique de Hans Hartung ou encore l'expressionnisme abstrait de Sam Francis.

Après Saint-Étienne, Paris, Lyon, Luxembourg, New-York, Genève et le Domaine de Panéry près d’Uzès, la galerie Ceysson & Bénétière est heureuse d’annoncer l’ouverture d’un 8e espace à Tokyo, sa première implantation en Asie. Ce nouveau lieu de 325 m², situé au 8e étage de la tour Cura Ginza, dans le quartier de Ginza, sera dirigé par Leslie You. La conception de ce nouvel espace sera confiée à l’architecte et designer Sophie Dries.

On January 24, 2024, Opera Gallery London presented “Three Days in Dakar: A Dialogue with Ron Arad” moderated by Opera Gallery CEO Isabelle de La Bruyère featuring Ron Arad in conversation with Simon de Pury & Rolf Sachs. The panelists discussed Arad’s collaboration with Senegalese artisans–from metal workers to weavers–in Dakar, and how this journey impacted Arad’s creative practice and led him to create reworked versions of iconic pieces (such as his well-known 'The Big Easy’ armchair) using raw materials sourced in Dakar. Arad’s presentation also features a large-scale bookshelf piece titled ‘America Made in Africa’, ‘Salam Sofa’ and ‘Don’t Ya Tell Henri’ – all handcrafted using the metal from oil drums.

Opera Gallery opened their new gallery in the heart of London's historic Mayfair neighbourhood, at 65-66 New Bond Street on November 23, 2023. Ron Arad (British, b. Israel 1951) is acclaimed for his aesthetic and conceptual explorations of form, structure, and technology through the diverse nature of his work’s materiality and categorizations, from industrial design to sculpture to mixed media installations and beyond. The first major retrospective of his work titled ‘No Discipline,’ debuted in 2008 at the Pompidou Centre in Paris followed by the Museum of Modern Art in New York in 2009. In 2013 he was elected to the Royal Academy of Arts in London.

OPERA GALLERY

65 - 66 New Bond Street - London W1S 1RW

+44 (0)20 7491 2999

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https://www.operagallery.com/ 

Villa Swagatam, India Art Fair, 2024.

Barthélémy Toguo India Art Fair du 1er - 4 février 2024  - New Delhi, Inde  -  Villa Swagatam

A l'occasion de l'India Art Fair, l'Institut Français en Inde – dans le cadre du lancement de son programme de résidences Villa Swagatam qui encourage notamment les échanges entre artistes français et les métiers d'art indiens – , la Basu Foundation et la Galerie Lelong & Co. Paris New York présentent l'installation "Water Matters", fruit d'une collaboration inédite entre l'artiste franco-camerounais Barthélémy Toguo, la directrice de création Karishma Swali et les artisans de son école de broderie, la Chanakya School of Craft, basée à Mumbai.

Villa Swagatam, India Art Fair, 2024.

STANLEY WHITNEY

Dear Paris

January 10–February 28, 2024

GAGOSIAN GALLERY 9 rue de Castiglione, Paris https://gagosian.com/

Gagosian is pleased to announce the exhibition of Stanley Whitney’s painting Dear Paris (2023) at 9 rue de Castiglione, Paris, from January 10 to February 28, 2024.

Inspired by the artist’s extended stay in the French capital, Dear Paris is the latest of Whitney’s lyrical abstractions. Balancing systematic structure and expressive spontaneity, he composed the painting in his characteristic manner, one roughly rectilinear block at a time, starting at the top left and progressing in rows across and down the canvas. Whitney forms each shape with energetic brushwork, choosing its vivid hues and shaping its boundaries in relation to its predecessors. The painting’s subtly shifting freehand geometry is further demarcated by linear bands between its rows that both divide and unify the composition.

Pursuing abstraction since the 1970s, Whitney established his mature style in the 1990s while living and working in Rome. The compositional framework he employs allows him the freedom to improvise, facilitating the emergence of surprising chromatic harmonies and dynamic visual rhythms. The artist’s wide-ranging influences include the polyphonic call and response of jazz, the transformative effect of light cast on historic buildings, the traditions of American quiltmaking, and artists from Henri Matisse and Piet Mondrian to Giorgio Morandi.

Whitney’s recent residency in Paris offered him the sustained opportunity to observe the city’s architecture and urban fabric, and to connect with its expansive cultural history. As he observes:

There’s a history of African Americans going to Paris that dates back to after the First World War. Jazz musicians, writers, and artists like Beauford Delaney, James Baldwin, and more recently, Ed Clark, went to Paris for a creative freedom they couldn’t find in the United States. I’ve always wanted to spend more time in Paris, and in 2023, I finally did so. It was incredible to be in the city where so many of the great artists of the twentieth century, artists who were integral to my development as a painter, had lived and worked. In Paris, there’s a play between different periods in a long history; you just don’t have that in the States.

Dear Paris coincides with Stanley Whitney: How High the Moon, the artist’s first comprehensive retrospective, organized by the Buffalo AKG Art Museum, New York. The exhibition will be on view from February 9 to May 27, 2024, before traveling to the Walker Art Center, Minneapolis (2024–25), and the Institute of Contemporary Art, Boston (2025). Spanning the entirety of Whitney’s career, How High the Moon traces the evolution of his practice through paintings, drawings, prints, and sketchbooks. VOIR DANS LIRE LA SUITE le texte en Français

Chers amis, 

J'ai le plaisir de vous présenter ce mois de février la nouvelle collection de Vébeca - Vero Aliot-Lopez - qui présente deux grands formats aux pigments bleu majorelle. On retrouve son graphisme signature - ptofils, bouches et yeux sur fond couleur, marine, vert, kakki, ivoire.

Aux cotés des acryliques colorées de Vebeca, la collection permanente des photographies de la galerie, et notre nouvel artiste plasticien Lou Raunier qui décline les petits soldats en Statue de la Liberté.

L'art fait partie de l'investissement "plaisir" tout en ayant un intérêt fiscal non négligeable. Je tenais à vous rappeler les conditions de cet avantage fiscal pour les entreprises. Petit mémo à garder en tête pour craquer sur l'oeuvre de vos rêves !

Artistiquement, 

Sophie Leiser             

MEMO AVANTAGE FISCAL 

Deux conditions :               

1- Facture de la galerie d'art  

2- Exposition au public ou aux salariés pendant 5 ans 

(Alternative : le leasing d'oeuvres d'art)

 Rosenberg & Co

Art Concret Reliefs | Léon Tutundjian September 28 – December 22, 2023

The Armenian born artist Léon Tutundjian began his artistic education studying ceramics at the Istanbul School of Fine Arts. After arriving in Paris in the early 1920's, Tutundjian found work as a potter, which afforded him the financial ability to explore the Parisian avant-garde circles and cultivate his singular style. Throughout his lifetime, Tutundjian consistently fell back on his skills as a ceramicist for financial support, and despite seemingly abandoning pottery in his personal practice, the principles of ceramic production fostered a material dedication that remained central to his artistic practice throughout his oeuvre.

Tutundjian's emphasis on material is evident in the Tachisme techniques he explored in his early works on paper. This dedication, however, is most apparent in the wood and steel reliefs he created during the early stages of the Art Concret movement. Through these three-dimensional constructions, Tutundjian utilized a series of steel cylinders and bars to form cantilever compositions that exemplified a severe set of aesthetic ideals—later summarized by the Art Concret movements foundational text.

Image : Léon Tutundjian, Sans titre, 1929. Relief on a two-leveled panel.

"Une forme se détache d'un fond par des couleurs tranchées et contrastées et par une ligne précise et exigeante. Aucun faux pas n'est toléré ni dans la couleur, ni dans le tracé.

Héritages de sa formation d'architecte, une discipline technique et artistique et une grande sensibilité. Tout dans sa peinture doit être observé à l'aune de ses années d'architecte et de l'impact visuel et poétique que les atmosphères et les paysages qui l'entourent ont pu avoir sur lui.

La forme m'évoque d'ailleurs toujours quelque chose mais je ne sais pas vraiment quoi. Une fleur ? Une faille ? Un ruban ? Cache cache avec mes sens, il y a quelque chose de l'ordre du jeu alors que tout semble finalement sérieux. Mais comme le dit Pierre Wat « Renoncer à reconnaître ouvre le regard » et regarder une oeuvre de Ludovic Philippon c'est s'échapper et laisser son imagination partir.

Les couleurs, assumées, sont remarquables par leur puissance : orange, jaune, rouge, bleu, vert, noir, etc. Elles participent de la tension, de la densité des tableaux. L'artiste parle d'ailleurs de « la voie de la couleur », comme si elles étaient le point de départ de son cheminement pictural.

A l'image de l'artiste,c'est une peinture intime et solitaire devant laquelle on souhaite rester seul, en silence.

A l'image de l'artiste,c'est une peinture humble, minimaliste et touchante."

Amélie du Chalard à propos de Ludovic Philippon

Le POP UP JENK exclusif au Metropole Shopping Monte-Carlo est prolongé jusqu'au 17 février 2024. Vous pourrez y découvrir des sculptures Wrapping Bonbon spécial Saint-Valentin en plus des œuvres déjà exposées depuis début décembre.

The exclusive JENK POP UP at the Metropole Shopping Monte-Carlo is extended until February 17, 2024. You will be able to discover special Valentine's Day Wrapping Candy sculptures in addition to the works already exhibited since the beginning of December.

GUY LECLERCQ

Épures et couleurs

Vernissage jeudi 7 décembre 
de 17h à 21h
DUTKO /  Quai Voltaire
17 quai Voltaire
Paris 7e
Exposition du 7 décembre au 13 janvier 2023
Ouvert du lundi au samedi, de 10h30 à 19h00

La Galerie Dutko présente du 7 décembre 2023 au 13 janvier 2024 les œuvres récentes de l'artiste belge Guy Leclercq. Ce deuxième solo-show réunit autour de la notion d'apparition une vingtaine de toiles créées entre 2022 et 2023.

Surprise en cet automne 2023, Guy Leclercq a ajouté la couleur à ses épures. Des couleurs vivantes mais attendries, lumineuses par leur portée chromatique et transparentes par leur douceur. Amoureux du pigment de lapis-lazzuli, qui lui donne du bleu souverain, Leclercq ne rechigne pourtant ni au vert, ni au gris, au noir, au rouge, au beige. Il nous offre, sur un plateau choisi, une gamme de couleurs bienvenues.  Discrètes dans leur profondeur sans emphase, mais bien présentes. 

REF IMAGE : Guy LECLERCQ Untitled (22.210), 2022
Huile sur toile, 120 x 100 cm
© Luc Van Muylem

« L’art est une respiration de l’esprit, son élévation vers une possibilité universelle» M.B   

Notre première exposition de l’année se profile et nous concentrons beaucoup nos espoirs sur ce souffle de rêves qui vient nous éblouir. Nous en avons bien besoin. Alors c’est pourquoi nous vous attendons nombreux autour de nos deux artistes de grand talent.

Hervé le GOAREGUER: - Peinture –  Une œuvre qui contient l’irisation lumineuse d’un vitrail.

et Raymonde REBOH: - Sculpture – 

Vernissage le Samedi 06 Janvier 2024 à 17h30

Durée de l’exposition du 06 au 19 Janvier 2024  - Ouvert de 14h à 18h – tous les jours (sauf le Dimanche et Lundi, jours pour lesquels cependant des RDV particuliers peuvent être convenus avec les artistes)

 Société des Poètes français - Espace Mompezat –

16 rue Monsieur le Prince 75006 Paris – métro Odéon – Téléphone : 01.40.46.99.82.

A bientôt donc autour du petit verre de l’amitié.

Très poétiquement vôtre.

(Merci de faire éventuellement suivre sur vos adresses amies.)

Michel Bénard – Responsable des expositions.

PS : Ne manquez pas de visiter notre site et notre blog.

Site :   societedespoetesfrancais.eu     Blog : www.societedespoetesfrancais.net

De nous soutenir également en devenant membres ou amis de notre société qui a plus de 120 ans.

Exposition Gunter Sachs : Rétrospective Photographique Galerie Mark Hachem

Du 9 au 17 Novembre 2023

116 rue de Turenne, 75003 Paris

44 rue des Tournelles | 75004 Paris

T + 33 1 42 76 94 93 | E paris(at)markhachem.com | W www.markhachem.com 

La Galerie Mark Hachem s'associe avec la Galerie Joseph pour présenter une rétrospective exceptionnelle du célèbre photographe Gunter Sachs à l'occasion de la semaine de la photo à Paris. Cette exposition hors les murs se tiendra au 116 rue de Turenne, 75003 Paris, du 9 au 17 Novembre 2023.

Gunter Sachs (14 novembre 1932 – 7 mai 2011), également connu sous le nom de Gunter Sachs von Opel, était un photographe, auteur, industriel et chef d'un institut spécialisé dans la recherche sur l'astrologie. Sa carrière débuta dans le monde du sport avant de connaître une renommée internationale en tant que réalisateur de documentaires photographe et troisième époux de Brigitte Bardot.

D'origine allemande, Gunter Sachs est né dans le sud de l'Allemagne. Sa famille avait des liens étroits avec le monde de l'industrie automobile, son père étant le propriétaire de Fichtel & Sachs, une importante société de fabrication de roulements à billes, et sa mère étant la fille de Wilhelm von Opel, co-fondateur du constructeur automobile Opel. Au-delà de son rôle d'industriel, Gunter Sachs était un collectionneur d'art passionné. Sa collection comprenait des oeuvres d'artistes renommés tels que Andy Warhol, Salvador Dalí, Roy Lichtenstein et bien d'autres, ce qui témoigne de sa passion pour l'art contemporain.

PIERRE SOULAGES

"One day I was painting, black had invaded the entire surface of the canvas, without shapes, without contrasts, without transparencies.
In this extreme I saw in a way the negation of black.
My instrument was no longer black, but this secret light coming from black."
Pierre Soulages

We are deeply saddened to announce the passing of the artist Pierre Soulages. He was 102 years old, and leaves an immense legacy. Our condolences to his wife, Colette, who accompanied him for so many years. One of the greatest painters of our time, but mostly a soul in search of the absolute, through his relentless work on the depth and luminosity of the color black. This passion had seized him, as a child, in front of the prehistoric steles of the Museum of Rodez, where he was born. Or even, in Conques, the 11^th century abbey, as a child, where years later he would create incredible stained glass windows (1992 - 1994). It was at that moment that the certainty of art and his vocation to paint had come to him. The architecture of the abbey of Sainte-Foy impressed him, just like a vision. Painting, engraving, lithography, he declined on all mediums his obsession with black, digging deep in what had marked his childhood. "The things that were fraternal to me, the earth, the old wood, the stones, the wet iron, all these rough things certainly marked me. I have always preferred them to pure and lifeless materials."

Light and darkness, rough and smooth, matte and shiny: Soulages was the painter of contrast, which found its incarnation in abstraction and his Outrenoir - beyond black, to light.
"Soulages was one of the most innovative painters of the 20^th century, a remarkable artist and extraordinary person. He will be missed but his work will undoubtedly live on."

- Gilles Dyan, Opera Gallery Founder and Chairman
https://www.operagallery.com/

J'ai l'immense plaisir de vous inviter au vernissage de l'exposition

OMBRE & LUMIÈRE de ROGER SCHALL

le lundi 6 novembre de 18h à 22h

à la Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème

Pour recevoir votre invitation, merci de cliquer ici ou sur les images, 

j'aurai le plaisir de vous accueillir avec Cécile Schall, à très bientôt...

Eric Boudry, fondateur de la galerie ARGENTIC

"Cher(e)s ami(e)s de la galerie ARGENTIC, j'ai une grande nouvelle à partager avec vous qui avez découvert et aimé le travail de mon grand-père Roger Schall : je lance SCHALL Collection et vous invite à plonger dans l'univers de ce photographe qui a marqué l'histoire. Avec mon fils Lucas, nous commencons avec cette première exposition de photographies inédites que je suis ravie de vous présenter et qui, j'en suis sûre, vous plaira."

Cécile Schall

L'exposition est ouverte du samedi 4 au dimanche 12 novembre 2023, de 10h à 20h tous les jours.

Galerie DUREV, 56 Bd de la Tour-Maubourg, Paris 7ème

OPERA GALLERY MADRID

14 September - 06 November 2023

Opera Gallery Madrid presents the exhibition Saura, Pintar como querer in collaboration with the Succession Antonio Saura and La Fondation Archives Antonio Saura from 14 September to 6 November 2023.

On 22 July, we commemorated the 25th anniversary of the passing of the esteemed artist, Antonio Saura. In honour of this significant milestone, Opera Gallery is proud to pay homage to one of Spain's most prominent artistic figures of the 20th century. The exhibition Saura, Pintar como querer meticulously curates a collection of his works, boasting over 50 pieces on paper and approximately a dozen captivating canvases. Within this remarkable assembly, we explore some of his renowned series, including "Auto-da-fé", "Heads", "Crucifixions", "Ladies", "Nudeslandscapes", "Crowds", "Shrouds", and "Goya's Dog". To further illuminate his creative journey, we proudly showcase 19 of his most iconic posters alongside these exquisite artworks.

Saura, Pintar como querer offers a comprehensive exploration of the diverse subjects that Antonio Saura passionately embraced throughout his career, catapulting him to national and international acclaim. This exhibition provides a unique opportunity to delve into the profound intellectual, emotional, and aesthetic underpinnings that shaped the vision of the El Paso group's founder—a collective that not only laid the groundwork but also conceptualized the post-war avant-garde movement in Spain.