Mujer en un Paisaje de Flores- 2022 Acrylique/Lin 195X195 cm« Los Colores de las Ideas » By F.M.G

12 Décembre 2024 - 12 Février 2025

Kamil Art Gallery 3 Avenue Princesse Grace 98000 Monaco

En présence de l’artiste: Fernando Martinez Garcia (F.M.G)

Horaires d’ouverture: de 10h à 19h30 du lundi au samedi

Contact: event(at)kamil.mc  Tél: +377 92 16 00 10

www.kamil.mc

Fernando Martinez Garcia, FMG,naît en 1949 à Ferrol en Galice (Espagne). En 1960, il s’installe à Madrid afin de poursuivre ses études, en même temps qu’il y commence la peinture. En 1974, il obtient le diplôme d’Ingénieur Technique en Topographie qui lui ouvre les portes de l’Institut Géographique National.

En 1979,il vient vivre à Barcelone pour étudier les Beaux Arts, et s’inscrit au cours de Peinture abs- traite. Il travaille continuellement depuis lors dans la pratique picturale dans une ligne de recherche que l’on peut constater dès ses premières expositions de caractère uniquement abstrait qui reflètent sa préoccupation pour l’espace. En 1985,il passe sa Licence et obtient une bourse de la Generalitat de Catalunya pour la recherche dans le domaine de la création artistique. C’est dans ce cadre qu’il crée des sculptures au moyen de collage d’objets. Par la suite, il poursuit des études de Doctorat au cours desquelles il montre un intérêt constant pour mettre en rapport l’Art avec les aspects les plus philosophiques de la Science. A l’écart des modes des années 80, F.M.G se consacre pleinement à la recherche introspective qui lui permet d’atteindre dans les années 90 une peinture définitive- ment personnelle, dans laquelle se conjuguent des éléments linéaires dont le dessin de caractère figuratif s’allie avec des grandes surfaces planes de couleur. L’exposition de 1990 au Centre d’Art Santa Monica de Barcelone lui permet l’affirmation de son style et l’acceptation de son langage qui lui donnent une place dans une Nouvelle Peinture de caractère conceptuel. Son travail permanent est reflété dans les nombreuses expositions de caractère international qui en font l’un des artistes les plus intéressants et les plus prometteurs.

L’oeuvre actuelle de F.M.G se concentre dans une synthèse des trois lignes différentes qui pro- viennent de ses découvertes précédentes dans les domaines du Dessin, de la Sculpture et de la Peinture. La superposition et la juxtaposition de ces différents modes comme un jeu créatif dans un même cadre offrent au spectateur l’occasion de contempler la peinture au-delà d’un unique espace représentatif, comme quelque chose de jouissif de caractère intellectuel. C’est à cela que nous invite cet ouvrage, afin qu’en l’absence de mots nous puissions pénétrer l’ex- périence intime de la pensée.

Image : Mujer en un Paisaje de Flores- 2022 Acrylique/Lin 195X195 cm

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Kathleen Ryan Photo Jeff Henrikson - Gagosian GalleryNEW YORK, November 26, 2024—Gagosian is pleased to announce the global representation of Kathleen Ryan. Her debut exhibition with the gallery will be held in 2026.

A California-born sculptor, Ryan produces meticulously crafted interpretations of everyday objects that prompt meditation on themes of seduction and repulsion, refinement and excess. Profoundly influenced by her West Coast roots, the artist often focuses on pop-cultural artifacts associated with Los Angeles, such as muscle cars and bowling balls, alongside biological forms like fruit, flowers, and spiderwebs. By applying traditional craftsmanship to natural and industrial materials in a wide range of scales and formats, Ryan unites the organic and the artificial, transforming her subjects into tongue-in-cheek allegories for the entropic cycle of life and death.

While offering a critique of contemporary life and society, Ryan is also fascinated by the wider contexts and histories of visual culture. In Bacchante (2015), a sculptural reinterpretation of a 1627 portrait by Hendrick ter Brugghen, she uses concrete casts of balloons to explore the sensual tension evident in the painter's depiction of grapes—an impression offset by her clustered forms' interconnecting chains. In the nostalgia-tinged Satellite in Repose (2019), hand-modeled ceramic forms perch like parrots on the skeletal remnant of a satellite dish, the stalactite-like appearance of their tails lending the entire structure a fossilized look and adding to its ambivalent stance toward technological progress and obsolescence. And in the Generator series (2022–), oyster-like hinged sections of automobile bodies enclose delicate metallic and crystalline spiderwebs.

In Ryan's series Bad Fruit (2018–), pieces of decaying fruit are wittily reimagined in unexpected materials at altered scale. Mining the American decorative craft tradition of pin-beaded fruit, the artist encrusts each carved form's surface with glass and acrylic beads to delineate "fresh" parts and semiprecious stone beads such as agate, garnet, and turquoise for "rotten" areas, producing the impression of partial decomposition. Through this conceptual and material disjunction, the series explores ideas of desire and overconsumption that resonate with the illusory excesses of contemporary culture. Bad Melon (2020) is a scatter of giant watermelon chunks built from glass beads, stones, and other objects. The rind of each piece is made of aluminum salvaged from a 1973 Airstream Safari camper, an iconic leisure vehicle redolent of postwar optimism, the surface of which is now rusty and scratched. Through this juxtaposition, the work evokes both the death of an American dream, and the resilient life embodied by coral as it envelops and repurposes a submerged wreck.

Among Ryan's recent exhibition projects was Spotlight: Kathleen Ryan, at the Institute of Contemporary Art San Francisco. This featured Screwdriver (2023), for which the artist transformed the trunk of a 1968 AMC Javelin into the rind of an orange slice in a huge sculptural cocktail garnish. Ryan's first museum survey also opened this year, at the Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Germany, and will travel to Kistefos Museum,
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Endre Rozsda  Le Renouveau (La Mort), huile sur toile 1992Le rêveur éveillé

Exposition d’Endre Rozsda

Galerie Setze / Le PartKing : https://www.lepartking.com/

Jusqu’au 24 novembre 2024

En ce moment le Centre Pompidou présente une exposition de grande envergure célébrantle centièmeanniversaire dumouvement surréaliste.Si vous avez eu l’occasion de parcourir cette exposition intitulée tout simplement Surréalisme, vous avezpeut-êtreremarqué les admirables et surprenantsdessins d’Endre Rozsda, Le Rêve (c. 1960), issu des collections du MNAM et lesFemmes et animaux (1959), prêté par l’Atelier Rozsda. Ne manquez pas de visiter son exposition personnelle à la galerie Setze/ Le PartKing.

Endre Rozsda est né à Budapest en 1913 et est mort à Paris en 1999. Cet artiste d’origine hongroise, peu connu du grand public mais hautement respecté dans le monde de l’art a passé plus de soixante ans de sa vie à Paris. Il vient pour la première fois en 1938, prenant conscience que « Je ne suis pas contemporain de moi », pour étudier et se familialiser avec les mouvements artistiques de son époque. Installé au quartierMontparnasse, il fait la connaissance de nombre de ses compatriotes tels que Arpad Szenes, Etienne Hajduou Brassai mais aussi de Vieira da Silva, Giacometti, Picasso et Max Ernst. Il rencontre également Françoise Gilot qui devient alors son élève et son amie pour la vie. Découvrant entre autres les œuvres de Picasso, de Dali, de Max Ernst et de Masson, il trouvele mouvement correspondant parfaitement à sa personnalité età son mode de pensée : le surréalisme.

L’exposition montreaux côtés de ses quelques peintures de nombreux dessins aux techniques et d’époques différentes. En plus des traits fins et des formes faites de petites taches minutieusement élaborées, ce qui caractérise une grande partie de ses œuvres présentéesici est la mise en dérision des défauts humains,y compris les siens.En effet,nous pouvons reconnaître son autoportrait dans certaines de ses œuvres. Aussi bien ses tableaux que ses dessins portent souvent des titres ironiques, humoristiques,mais parfois tristes voire tragiques, reflétant son vécu. 

Image : Endre Rozsda  Le Renouveau (La Mort), huile sur toile 1992

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Featured artwork: Pierre Dunoyer, Rouge, 1986 Opera Gallery Dubai06 - 27 November 2024

Opera Gallery Dubai proudly presents Pierre Dunoyer’s 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008,' a landmark exhibition showcasing the artist's work for the first time at the gallery.

Renowned for his intellectual and philosophical approach to abstraction, Dunoyer’s art delves into the essence of painting as an object of thought, using form and colour as tools for conceptual exploration. This exhibition offers a rare chance for audiences in Dubai to experience a distinct body of work that has left a significant mark on contemporary art.

Spanning more than two decades of artistic production, the exhibition highlights several key periods of Dunoyer’s career. It traces his evolving approach to abstraction, composition, and the materiality of paint, reflecting his ongoing enquiry into the role of painting in modern art. Throughout his career, Dunoyer has sought purity in form and explored the power of painting to convey thought without relying on representational imagery. The selected works reveal subtle yet significant transformations in his technique and conceptual focus over time.

Curated to capture these transitions, the exhibition features 19 paintings that represent pivotal moments in Dunoyer’s artistic journey. Visitors will witness the progression from his early, structured compositions with muted palettes to his later works, which embrace more liberated forms and vibrant colours. 'Object of Thought: Tableaux 1986 – 2008' offers a deep exploration of Dunoyer’s evolution, immersing viewers in the complex relationship between thought and visual expression that defines his work.

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OPERA GALLERY PARIS Transatlantic Figurations of the 80s OPERA GALLERY PARIS

62 rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris, France
+33 (0)1 42 96 39 00
paris(at)operagallery.com
operagallery.com  

15 October - 14 November 2024

Opera Gallery is pleased to present 'Transatlantic: Figurations of the 80s', a group exhibition curated by Pascale Le Thorel, running from 15 October to 14 November 2024. Offering a comprehensive exploration of 1980s figurative art on both sides of the Atlantic, this exhibition captures the dynamic and multifaceted spirit of this transformative period in art history. 

The 'Transatlantic: Figurations of the 80s' exhibition offers a panorama of the artistic creation on both sides of the pond. Though distinct in their origins and expressions, the various movements shared a common desire to break away from the elitist avant-gardes of the previous two decades, reintegrating popular imagery and exploring new forms of expression. Two essential components of the art of that period emerged: mass media culture as a source of inspiration—with comics, animated series, video games, magazines and advertising—and urban culture with artists' squats, fences, the subway and clubs. Those two cultures were common to that entire generation of artists

Hervé Di Rosa, Robert Combas and François Boisrond were France's leading figures of figuration libre. Characterised by a profusion of bright colours and deliberately naive brushstrokes, their work took a joyful and sometimes provocative approach to art. Alongside Roberto Cabot and Catherine Viollet at the same time as Luciano Castelli and Saint Clair Cemin they formed an underground, theory-free community. With his torn-up posters salvaged from the street, Jean Charles Blais considered the medium to be of particular importance. His work explored themes from everyday life and the absurd with poetry and emotion.

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NEW-YORK 1941-1945: CAPITALE SURRÉALISTE
La Période Américaine d'André Masson

André MASSON (1896 - 1987) Le Loup-Garou, 1943

André Masson le surréalisme révolutionnaire Parcours Paris surréaliste

Exposition du 27 septembre au 21 decembre 2024

Fuyant l'Occupation, André Masson et André Breton arrivent à New-York en 1941. Bien qu'impressionné par la grande métropole, André Masson trouve, comme toujours, la nature bien plus attrayante que le rythme chaotique de la ville. Il s'installe en Nouvelle Angleterre, à côté du Lake Waramaug, où il reçoit les visites de Calder, Kay Sage et Yves Tanguy et Arshile Gorky, et commece à exposer aux États Unis, notamment chez Kurt Valentin et Pierre Matisse. En 1941, date de son arrivée, le Baltimore Museum lui consacre une exposition monographique de plus de trente oeuvres, qui marque l'entrée des premières oeuvres de Masson dans les collections publiques américaines.
L'arrivée de ces artistes et penseurs fuyant l'Occupation contribue à l'effervescence artistique et culturelle de New-York durant cette période. Le cercle des surréalistes en exil composé entre autres d'André Breton, Marcel Duchamp, Marx Ernst, Jacqueline Lamba, André Masson, Roberto Matta et Yves Tanguy contribue à renforcer l'engouement de la scène new yorkaise pour la psychanalyse, l'automatisme et l'inconscient. Selon Claude Lévi-Strauss, « New York est le conservatoire, le carambolage des temps, le moderne et l'archaïque ».
Notamment, Jackson Pollock fait la connaissance de plusieurs membres du mouvement surréaliste et participe aux ateliers d'écriture automatique. Il est impossible de ne pas rappeler l'influence que la période américaine d'André Masson a pu avoir sur l'Expressionnisme abstrait lors de ses débuts, et surtout sur l'oeuvre de Jackson Pollock. Il est vraisemblable que Pollock a connu André Masson dans l'Atelier 17 de Stanley W. Hayter à New-York, où Masson travaille à l'estampe. Les deux artistes partagent notamment la même vision totémique des forces de la nature, et la fascination pour les mythes amérindiens. Jackson Pollock est marqué par cette présence des artistes surréalistes pendant la guerre: des oeuvres comme Moon-Woman Cuts the Circle, 1943, actuellement exposée au Musée Picasso, dans l'exposition "Jackson Pollock: Les Premières années" montrent une vision proche du surréalisme de Masson à la même époque.  

Image : André MASSON (1896 - 1987) Le Loup-Garou, 1943
Fusain et pastel sur papier.
Signée en bas à droite «André Masson» 61 x 45.5 cm.
Provenance: Atelier de l'artiste; Galerie Louise Leiris, Paris; Galerie Cazeau-Béraudière, Paris; Collection particulière, USA, acquise auprès de ce dernière en 2004. 

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Photo: Tyler Mitchell Courtesy the artist and GagosianNEW YORK, October 23, 2024—Gagosian is pleased to announce the global representation of artist, photographer, and filmmaker Tyler Mitchell. Mitchell's work will be shown by Gagosian at Paris Photo in a curated presentation with photographs by Richard Avedon from November 6 to 10, 2024. New photographs by the artist will be featured in the catalogue accompanying Superfine: Tailoring Black Style, the Costume Institute's spring 2025 exhibition at the Metropolitan Museum of Art, New York. His first exhibition with the gallery following representation will take place in New York in the spring of 2025.

A leading artist of his generation, Mitchell is renowned for his vibrant, playfully theatrical compositions that foreground the style and beauty of Black subjects, often within pastoral landscapes and familiar domestic settings. His photographs and videos offer utopian visions of empowerment, self-determination, tenderness, and camaraderie.

Mitchell draws from the traditions of portraiture, fine-art photography, fashion, and filmmaking to create images of individuals whom he seeks to visualize as "free, expressive, effortless, and sensitive." Works such as Untitled (Kite) (2019) and Riverside Scene (2021) envision scenes of leisure in idyllic summertime landscapes. Such personal expressions seamlessly blend with editorial projects in his wide-ranging practice; in commissioned works like Untitled (Twins I) (2018) and Untitled (Communion in a Landscape) (2023), Mitchell uses brilliant color and dramatic silhouettes to present images of alluring individuals. He often prints his photographs on unorthodox substrates, including mirrors and fabric hung from clotheslines or draped over frames, as in A Gradual Shining Light (2023). He also embeds them into mixed-media Altar sculptures that reference domesticity and vernacular photography, integrating his visions into physical reality.

Mitchell achieved global prominence when he photographed Beyoncé for the September 2018 issue of American Vogue, becoming the first Black photographer to shoot the magazine's cover in its then 126-year history. The Smithsonian Institution's National Portrait Gallery acquired an image from the series the following year. Untitled (Hijab Couture) (2019), from another Vogue feature, pictures Somali-born model Ugbad Abdi wearing a headdress of glossy pink flowers. His photographs of the newly inaugurated Vice President Kamala Harris were commissioned for the cover of Vogue's February 2021 issue. Mitchell has also collaborated with brands including Loewe, Louis Vuitton, Ferragamo, JW Anderson, Wales Bonner, and Marc Jacobs.

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 Exposition femmes artistes Galerie ABA l'occasion de l'événement "Femmes artistes" au Quartier Art Drouot, la Galerie AB – Agnès Aittouares vous invite à découvrir une sélection d'œuvres d'artistes femmes de 1913 à nos jours, dont le travail et la notoriété sont désormais mis en lumière.

Dans une société machiste elles se sont éclipsées sous le rayonnement d'un mentor, d'un père, d'un mari ou même d'un fils. De par la nature même de leur genre, elles n'ont pu accéder à la reconnaissance escomptée alors que leur talent et leur créativité ont marqué l'histoire de l'art du XXe siècle.

Quatre générations de femmes artistes seront présentées.

Suzanne Valadon, Nina Alexandrowicz, Marie Vassiliev, Chana Orloff, Sonia Delaunay, Marie Laurencin, Léonor Fini, Olga Sacharoff, Helena Vieira da Silva, Vera Molnár, Sophie Destre ou Anne Ferrer sont toutes des femmes visionnaires, dont la contribution à l'histoire de l'art moderne et contemporaine ouvre la voie aux générations futures.

Vieira da Silva (1908-1992)

On the occasion of the "Femmes artistes" event at Quartier Art Drouot, Galerie AB - Agnès Aittouares invites you to discover a selection of works by women artists from 1913 to the present day, whose work and renown are now in the spotlight.

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MARC CLAUZADE LE DANDY 30 F GALERIE L'AMOUR DE L'ARTGALERIE L'AMOUR DE L'ART

Marie Borel

67 Rue de Seine - 75006 PARIS

TEL : 33 (1) 46 33 07 77

www.lamourdelart.com  email : lamourdelart(at)sfr.fr

 Marc Clauzade est né à Paris le 30 Mai 1957 dans le quartier Montparnasse où il a grandi et esquissé ses premiers croquis avant d'entrer aux Beaux-Arts de Toulouse.

La femme belle et sûre d'elle est un inépuisable sujet d'inspiration pour l'artiste qui la peint, l'habille et la  déshabille  au gré de ses envies. Car son grand sujet, c'est la mode, en ce qu'elle a de plus féminin et de plus élégant  : la Haute-Couture de  Paris !  Clauzade met en scène ces sublimes créatures   habillées par Dior,  Chanel ou Saint-Laurent , dans des ambiances très parisiennes Chic et festives où loin des podiums , elles se retrouvent autour d'un verre , dans les bars , les restaus , les boutiques,  les musées, les théâtres, les cabarets , les jardins publics, les champs de course et  même  parfois sur les plages de Deauville .

Les hommes  ne sont pas en reste dans cet univers de  mode et de  féminité. Ils sont l'oeil  du  peintre : Toujours admiratif, énamouré, timide devant tant de beauté .  Ils sont un peu les faire-valoir de ces dames, des figurants comiques et gentiment moqués  et  Clauzade s'amuse, en poussant  la caricature, à les  peindre dans des   petites scénettes  galantes  et malicieuses

Image : MARC CLAUZADE LE DANDY 30 F. GALERIE L'AMOUR DE L'ART

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Gagosian to Present Paintings by Mark Grotjahn in New York

Out of Country Opens at 980 Madison Avenue on September 10, 2024

Mark Grotjahn, Untitled (Backcountry 55.89), 2023, oil on cardboard mounted on linen, 74 3/8 × 94 inches (188.9 × 238.8 cm) © Mark Grotjahn. Photo: Douglas M. Parker Studio

Mark Grotjahn, Untitled (Backcountry 55.89), 2023, oil on cardboard mounted on linen, 74 3/8 × 94 inches (188.9 × 238.8 cm)

© Mark Grotjahn. Photo: Douglas M. Parker Studio

NEW YORK, August 26, 2024—Gagosian is pleased to announce Out of Country, an exhibition of new and recent paintings by Mark Grotjahn at the gallery’s 980 Madison Avenue location in New York. Opening on September 10, Out of Country represents the culmination of the Backcountry series that has occupied the artist since 2021, and features never before exhibited paintings on white grounds, as well as two black-ground paintings. A press preview and tour with the artist will take place at 10:30am on Monday, September 9.

In his paintings, sculptures, and works on paper, Grotjahn investigates color, perspective, seriality, and the sublime. The concluding entries in the Backcountry series featured in this exhibition see him again draw inspiration from the experience of rural American landscapes, specifically those from his ski and fly-fishing tours in the remote backcountry of western Colorado. While the works contain an Gagosian to Present Paintings by Mark Grotjahn in New York Out of Country Opens at 980 Madison Avenue on September 10, 2024 Press Preview and Artist Tour on September 9 at 10:30am Mark Grotjahn, Untitled (Backcountry 55.89), 2023, oil on cardboard mounted on linen, 74 3/8 × 94 inches (188.9 × 238.8 cm) © Mark Grotjahn. Photo: Douglas M. Parker Studio Download Press Images element of pictorial representation, hinting at a snowy mountain descent or starlit nocturnal pass, their primary commitment is still to abstraction, specifically the nuanced layering of line, tone, and texture. Continuing to produce variations on an identifiable style and format, Grotjahn builds on a dynamic rhythm that transcends simple visual record to achieve a unique formal and emotional complexity. 

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 Galerie AB - Agnès Aittouares 5 rue Jacques Callot, 75006 Paris

EXPOSITION SURRÉALISME

DE 1924 À NOS JOURS

Informations pratiques | Event details

5 rue Jacques Callot - Paris VI

Du 17 septembre au 09 octobre 2024

Ouverte du mardi au samedi De 10h30 à 19h00

Félix Labisse, Grand exorcisme du rituel de Malines (détail), 1957

À l'occasion du centenaire du Surréalisme, Agnès Aittouares vous invite à découvrir un ensemble d'œuvres d'artistes surréalistes proches d'André Breton.

L'exposition rassemble des peintures, dessins, sculptures et objets de 1924 à nos jours de Jean Arp, Victor Brauner, Agustín Cárdenas, Salvador Dalí, Léonor Fini, Félix Labisse, Wifredo Lam, Roberto Matta, Joan Miró, Georges Papazoff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff... Tous ces artistes sont également présents dans l'exposition « Surréalisme » au Centre Pompidou.

To mark the centenary of Surrealism, Agnès Aittouares invites you to discover a collection of works by Surrealist artists close to André Breton.

The exhibition brings together paintings, drawings, sculptures and objects from 1924 to the present day by Jean Arp, Victor Brauner, Agustín Cárdenas, Salvador Dalí, Léonor Fini, Félix Labisse, Wifredo Lam, Roberto Matta, Joan Miró, Georges Papazoff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff... All these artists are also represented in the "Surrealism" exhibition at the Centre Pompidou.

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Artist Biography

"I have always worked in the "abstract," borrowing whimsical shapes from the stages of dance performances and ballets I've designed, and geometric shapes from architectural drawings for buildings I've designed. Painting gives me the freedom to incorporate both." —Tom H. John

Tom John. Untitled, 2016. Gouache and pencil on paper Rosenberg & Co

Tom John. Untitled, 2016. Gouache and pencil on paper Rosenberg & Co

Tom H. John (1931–) is an American polymath who applies his creativity to a variety of fields, but is first and foremost a visual artist. After studying at the Art Institute of Chicago, John pursued an array of diverse projects, particularly in set design and production.

Over the course of his career, John designed the African Pavilion for the 1964 New York World's Fair, television sets for Much Ado About Nothing and Death of a Salesman, and stage designs for the Academy Awards and the Tony Awards
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Galerie Arnaud Bard
Galerie Arnaud BardChers Amis, chers collectionneurs,

J'espère que vous avez passé un bel été.

Pour notre part, nous avons profité de ce temps estival pour réimaginer notre activité et avons le plaisir de vous annoncer notre installation permanente à Honfleur.

Issu d'une famille d'artistes Normands comme beaucoup d'entre vous le savent, j'ai eu l'envie de revenir dans cette région, plus particulièrement sur la côte fleurie.

L'aventure continue de plus belle...après des années formidables passées à Boulogne, chaleureusement entourés par nos artistes qui nous ont donné le

meilleur d'eux-mêmes par leur création et par leur talent.

Mais également par la ville qui nous a reconnus en nous offrant une belle visibilité.

Et surtout, surtout à vous mes chers collectionneurs qui nous avez suivis, soutenus et acquis les œuvres de nos artistes que nous défendons, je vous remercie tout particulièrement.Sans vous, la galerie n'aurait pu avoir la résonance qu'elle a aujourd'hui et elle est belle, brillante et chaleureuse.

Nous quittons donc le 92 avenue Jean-Baptiste Clément à Boulogne pour le 46 rue du Dauphin à Honfleur pour continuer ce pour quoi nous sommes faits, défendre nos artistes et partager avec vous nos découvertes. La passion est intacte.

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One of the most influential art styles of the early twentieth century, Cubism first emerged in 1907. The method abandoned the artistic replication of perspective from a single view point, instead creating images with geometric shapes and interlocking planes. Organized in part by French artist Jacques Villon (1875–1963), The Puteaux Group and their 1912 exhibition La Section d'Or were responsible for expanding knowledge of this early abstract method, cementing the group as crucial for the Cubist movement's influence and legacy.

 Jacques Villon in his studio © Alexander Liberman Photography Archive, 1925-1998, Getty Research Institute, Accession no. 2000.R.19.

Jacques Villon in his studio © Alexander Liberman Photography Archive, 1925-1998, Getty Research Institute, Accession no. 2000.R.19.

Né Jacques Duchamp, Villon changed his last name when he began submitting his art to various magazines in the 1890s. In 1895, he enrolled in the École des Beaux-Arts and frequented the Atelier Cormon. He became a graphic artist, contributing posters, cartoons, and illustrations to Parisian publications. Remaining an active figure in Montmartre, in 1903 he helped organize the drawing section at the first Salon d'Automne in Paris and from 1904 to 1905 he studied at the Académie Julian. After several successful salons and exhibitions in the early 1900s, the artist settled in Puteaux in 1906, where he devoted himself to painterly pursuits.

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Li XIAOSHI« EXPANSIONS »

Exposition du 6 septembre au 19 octobre 2024

Vernissage le vendredi 6 septembre à partir de 18h30

En 2019, Vanities Gallery a été la première galerie d’art en France a présenté les œuvres de Li Xiaoshi. Depuis l’artiste, diplômée de l’Académie Centrale des Beaux-Arts Lu Xun à Shenyang, où elle enseigne depuis 2009, a exposé dans 7 expositions solos que ce soit en Chine ou en Suisse.

Elle revient en France en 2024, pour nous présenter l’évolution de son travail. Continuant à explorer les méandres de la mémoire et de l’introspection, Li Xiaoshi, dévoilera des huiles sur toile et des aquarelles.

Les premiers mots qui viennent à l’esprit quand nous découvrant ces œuvres sont : accumulation, concrétions, angoisse et subjectivité. Nous ressentons une influence surréaliste dans un style à la Dali (1904-1989) avec des couleurs tranchées dignes de Chirico (1888-1978). Mais les références s’estompent dès que nous regardons dans les détails les œuvres de Li Xiaoshi, puisque les formes ne sont ni figuratives ni narratives, nous sommes comme emportés dans un tourbillon de formes biologiques qui emplissent un espace en expansion continuelle. Tel un Big Bang de couleurs et de formes, une force semble jaillir de la toile. Est-ce la force créatrice de l’artiste ? Ou bien celle de chaque être humain enfermé par des règles sociétales ? Ou peut-être est-ce l’évocation de la puissance créative de la Nature-même ?

Cette série expansion qui donne le nom à l’exposition est d’une rare force et emmènera le visiteur à se questionner sur la quintessence de la créativité. Doit-on la laisser jaillir tel une explosion, ou doit-t-elle être maîtrisée dans carcan de règles ?

 

Vanities Gallery

17, rue Biscornet 75012 Paris

10h30-18h30 Du mardi au samedi

https://www.vanitiesgallery.net/

Quartier de Bastille

CURATORS

Victoria ZHONG +336 23 06 15 54

Thierry TESSIER +336 75 21 39 11

Vanities Gallery a pour but de présenter des artistes occidentaux et asiatiques dans un esprit apolitique et d’échanges culturels. La programmation met en valeur des artistes ayant un message fort et courageux, un parti pris artistique quelques fois risqués. Nous sommes une équipe de trois professionnels du marché de l’art qui avons décidé de mutualiser nos compétences pour apporter un conseil sérieux autant auprès des artistes que des collectionneurs. Nos valeurs sont audaces, sérieux et partage.

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Anne-Margreet Honing

Exposition / Exhibition 29 Jun. – 27 Jul. 2024

 Vernissage / 
Samedi 29 juin 2024 de 18 h à 21 h Saturday 29 June 2024 from 6 to 9 pm

 SUZANNE TARASIEVE PARIS : Suzanne Tarasieve suzanne-tarasieve.com

7, rue Pastourelle • F-75003 Paris
T : + 33 (0)1 42 71 76 54 • Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.

Mar. – Sam. 11:00 - 19:00 & sur rdv / Tues. – Sat. 11 am - 7 pm & by app.

Anne-Margreet Honing, Untitled, 2024, huile sur toile, 200 x 140 cmAnne-Margreet Honing est artiste peintre. Franco-hollandaise, née à Amsterdam, elle est diplômée de l’école nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA).

Issue d’une famille de chercheurs/professeurs en biologie, Anne-Margreet est fascinée depuis l’enfance par le vivant. À la fin des années 90 de nombreux séjours dans les jungles primitives du Panama et du Costa-Rica sont déterminants. Une nature désinhibée et fertile, chaotique et luxuriante obsède l’artiste. Sa peinture foisonne de formes organiques, la flore envahit la toile, une sexualité omniprésente tente de s’y camoufler. De l’infiniment petit à l’infiniment grand, Honing décrit un paradis perdu vestige d’un temps dominé par la nature. Elle questionne notre rapport à une mère nature ultra puissante victime d’une ère anthropocène probablement dévastatrice.

Anne-Margreet Honing, Untitled, 2024, huile sur toile, 200 x 140 cm

Exposition T'ang Haywen: Chemins de l'encre
à la Galerie Jean-François Cazeau et à la Pagode 
Vernissage le 24 mai 2024 dans le cadre du Paris Gallery Weekend 
du 24 mai au 17 juin 2024.
Vernissage à la galerie le 24 mai de 16h à 21h.

 Exposition T'ang Haywen Galerie Jean-François Cazeau

Grand maître de l'encre de la seconde moitié du XXe siècle, l'œuvre de T'ang Haywen (1927-1991) révèle un univers profond, plein de sensibilité et d'intensité. Sa production est focalisée sur le paysage et marquée par l'usage de l'encre. Fasciné par le travail de calligraphe de son grand-père et par l'œuvre de Shitao, grand calligraphe, poète et paysagiste de la dynastie Ming du XVIIe siècle, qui marque la rupture avec le style traditionnel chinois, T'ang décide de consacrer sa vie à la peinture. T'ang maîtrise l'art millénaire, fondamental de son pays – l'encre – et il suit les préceptes de la philosophie également millénaire du Taoïsme.

Un des trois grands peintres chinois à Paris après la Deuxième Guerre, T'ang fait partie de la vague d'artistes exilés qui trouvent à Paris les conditions propices pour l'exercice de leur art, dans ce qu'on appelle tout simplement l'Ecole de Paris. Quand il arrive à Paris, le monde de l'après-guerre qu'il retrouve est en frémissement. Les principes du machinisme et de la raison sont mis en question. Le climat du triomphe de l'abstraction lyrique et de l'expressionnisme abstrait, tous les deux puissant des sources de la calligraphie orientale sans les copier est fécond pour un artiste comme T'ang, qui est libre d'aller entre le sens et la forme, entre calligraphie et peinture. Ayant seulement les bases de la calligraphie traditionnelle enseignée par son grand-père, T'ang rejoint l'Académie de la Grande Chaumière au Montparnasse, une des plus réputés écoles d'art de Paris. Là il apprend également la manière occidentale de la peinture. L'art de T'ang se situe à la confluence de ces deux grandes influences, entre la Chine et la France. Considéré comme un des grandes artistes de cette période, T'ang présente tous les traits d'une figure marquante du mouvement.

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Alexander Calder, Marc Chagall, Edgar Degas, Fernand Léger, André Masson, Serge Poliakoff...

Exposition du Jeudi 25 Avril au 31 Mai 2024 - 2 rue St-Georges, Bruxelles

CHAGALL BENJAMIN SEBBAN GALLERY

BENJAMIN SEBBAN GALLERY Rue Saint-Georges 2, Bruxelles, Belgique

+33 787 400 500

www.benjaminsebban.com

AUGUSTE HERBIN « Parcours »

Du 16 mai au 12 juillet 2024

Auguste Herbin, "Adam et Eve", 1943 Huile sur toile, 73 x 92 cm Galerie LAHUMIERE

Auguste Herbin, "Adam et Eve", 1943 Huile sur toile, 73 x 92 cm

Nous sommes heureux de vous convier à l'exposition personnelle d'Auguste Herbin.

Vernissage jeudi 16 mai, de 18h30 à 20h30

Le parcours d'Herbin dans l'histoire de l'art est celui d'un artiste de la fin du 19ème siècle qui, parti de l'oeuvre de Cézanne et, avec la palette de Van Gogh comme première balise, devint dans la seconde moitié du 20ème siècle un phare pour de nombreux artistes quelques soient leurs nationalités, tant Paris de 1945 à 1955 fut la grande capitale de l'art abstrait international. Après 1945, son activité au sein du Salon des Réalités Nouvelles, l'engagement auprès de lui de critiques et de galeristes, ses talents de pégagogue contribuèrent à une meilleure connaissance de son grand œuvre : l'alphabet plastique. Auguste Herbin est l'artiste qui permit à l'art abstrait géomérique de se renouveler et de dépasser les synthèses constructivistes et néoplastiques. Cette conclusion abstraite éblouissante comme le disait Victor Vasarely, ne doit pas faire oublier qu'à chacun des mouvements qu'il traversa et dont il fut contemporain, en particulier le fauvisme et le cubisme, il laissa une œuvre magistrale qui le plaça d'emblée parmi les plus grands.

Céline Berchiche - Avril 2024

 
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Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics.  After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades.

Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
Françoise Gilot, Incertitude. Oil on canvas, 2003-2004
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2024-03-16- Gagosian to Present the First Exhibition to Focus Exclusively on Jean-Michel Basquiat’s Time in Los Angeles
Reuniting Nearly Thirty Works Produced near Venice Beach between 1982 and 1984
Curated by Fred Hoffman with Larry Gagosian, Made on Market Street Opens in Beverly Hills on March 7, 2024
 
Jean-Michel Basquiat, Hollywood Africans, 1983, acrylic and oil stick on canvas, 84 1/8 × 84 inches (213.5 × 213.4 cm), Whitney Museum of American Art, New York © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York. Photo: © Whitney Museum of American Art/Licensed by Scala/Art Resource, New York
 

Jean-Michel Basquiat, Hollywood Africans, 1983, acrylic and oil stick on canvas, 84 1/8 × 84 inches (213.5 × 213.4 cm),
Whitney Museum of American Art, New York © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York. Photo:
© Whitney Museum of American Art/Licensed by Scala/Art Resource, New York

BEVERLY HILLS, February 6, 2024—Gagosian is pleased to announce Made on Market Street, the first exhibition focused exclusively on works that Jean-Michel Basquiat produced in Los Angeles. Curated by Fred Hoffman with Larry Gagosian, the exhibition will be on view from March 7 to June 1, 2024. With exhibition design by Stefan Beckman, Made on Market Street features loans from the Estate of Jean-Michel Basquiat; Nicola Erni Collection, Steinhausen, Switzerland; the Broad Art Foundation, Los Angeles; Museum Brandhorst, Munich; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; and other public and private collections.
Between November 1982 and May 1984, Basquiat produced approximately a hundred paintings, numerous works on paper, and six silkscreen editions in Venice, California. For an artist closely affiliated with the New York art scene of the 1980s, Basquiat was extraordinarily prolific in Los Angeles

Made on Market Street reflects on this consequential era by bringing together nearly thirty works—several of which are among his most important paintings. Larry Gagosian notes, “Los Angeles has always been a great city for artists and Jean-Michel seemed to find it a refreshing change from New York. While the immensity of his talent was immediately apparent, it was nonetheless a highlight of my own career to work with him, to introduce him to Los Angeles, and to witness the amazing impact that his art and legacy have made on our culture.”

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C'est avec une immense joie que nous vous annonçons l'ouverture de notre galerie à Soho, à New York. Nous vous invitons dès a présent à venir nous rendre visite !
Du mardi au samedi 10h-19h - 85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 -  https://www.ameliemaisondart.com/fr/

With immense joy, we announce the opening of our gallery in Soho, New York.
We invite you to come and visit us!
Tuesday to Saturday 10am-7pm
85 Mercer St #87, New York, NY 10012, États-Unis - Téléphone : +1 917-621-7604 - https://www.ameliemaisondart.com/fr/

 

JAOUAD BENTAMA EXPOSITION DECHIRURES DE NEW YORK À PARIS

Du 27 au 30 mars 2024 - Le Molière - 40 rue de Richelieu, 75001 Paris

JAOUAD BENTAMA  -  https://www.jaouadbentama.com/  Video : https://www.youtube.com/watch?v=rlG_TwDoZjo

JAOUAD BENTAMA, peintre franco-américain d'origine marocaine vit et crée à New York depuis plus de 10 ans. Il intègre en 2017 en tant qu'artiste résident le centre "Mana Contemporary". A collaboré avec plusieurs collectifs d'artistes dans le Lower East Side et a présenté son travail dans de nombreux lieux culturels aux Etats Unis et en France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

Jouad BentamaJAOUAD BENTAMA, a French-American painter with Moroccan origin, has lived and created in New York for over 10 years. In 2017, he joined 'Mana Contemporary' as a resident artist. He has collaborated with several artist collectives in the Lower East Side and has presented his work in numerous cultural venues in the United States and France (https://www.jaouadbentama.com/exhibitions).

JAOUAD BENTAMA présente à Paris une trentaine d’œuvres autour du thème «DECHIRURES». Elles signent sa renaissance artistique après un accident qui l’a laissé pour mort.

JAOUAD BENTAMA presents about thirty works in Paris on the theme of «DECHIRURES».

They mark his artistic rebirth after an accident that left him for dead.

Ses «DECHIRURES» sont les stigmates d’une longue convalescence, une référence a ces pansements qu'on arrache, sans retirer la peine : "il y a des cicatrices qui ne se referment jamais et demeurent nos déchirures ". Les «DECHIRURES» sont une réflexion universelle sur la fragilité de la vie et le triomphe possible de l'espoir. (www.jaouadbentama.com)

His «DECHIRURES» are the scars of a long convalescence, a reference to those bandages that are torn off, without removing the pain: 'there are scars that never heal and remain our rips'. The 'DECHIRURES' are a universal reflection on the fragility of life and the possible triumph of hope. (www.jaouadbentama.com)

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Paul Delvaux Femme et  Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm

Paul Delvaux Femme et  Squelette 1949 watercolour, pen, ink and wash on paper 56 x 74 cm

PAUL DELVAUX EARLY WATERCOLOURS AND DRAWINGS FROM A PRIVATE COLLECTION

Linda and Guy Pieters are pleased to invite you to the private view of the exhibition on Saturday 30 March from 4 PM until 6 PM

exhibition from 31 March until 13 May 2024

The Office at Guy Pieters Gallery : https://www.guypietersgallery.com/en/home

Zeedijk - Het Zoute 755 – 8300 Knokke-Heist

Open every day from 11 AM until 6 PM

Closed on Tuesday and Wednesday

+32 50 80 00 15 - knokke'at)guypietersgallery.com

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Rosenberg & Co. is pleased to announce the opening of:
Marguerite Louppe
March 1–March 22, 2024
Rosenberg & Co. is pleased to present Marguerite Louppe, the third and final of our series of small-format exhibitions highlighting the work of three superlative artists from our collection. Previous exhibitions in the series featured seminal street photographer Fred Stein and notable Contemporary artist Aude Herlédan. Though undeniably distinct, these artists personify a dedication to pioneering forms of expression and meticulous consideration of composition. Through the examination of their seminal oeuvres we are able to investigate the shared artistic sensibilities that have traversed mediums to define art of the last century.
Marguerite Louppe, Téléphone, journal et vase. Oil on canvas
Marguerite Louppe, Téléphone, journal et vase. Oil on canvas.
Marguerite Louppe (1902–1988) was a French artist who synthesized Purism, Cubism, and Post-Impressionism in her paintings. She was born to a family of prominent engineers in the North of France and spent her childhood in Paris. Louppe attended a variety of art schools, including the Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière, Académie Scandinave, and Académie André Lhote. In particular, the Académie Julian fostered a spirit of independence and radicality that became internalized in Louppe's work.
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LE MUSEE PRIVE

Tél: (33) 09 75 80 13 23
Port.: 06 08 06 46 45

 
Patrick Reynolds
 

 Patrick Reynolds
Directeur de publication

 

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