La vente de la collection Jacques Doucet en 1972 a permis de redécouvrir l'Art déco aux  collectionneurs puis progressivement au grand public.

C’est à partir de ce moment que le sculpteur Gustave Miklos, figure emblématique de ce style, vénéré dans les années 1920-1930 et tombé dans l’oubli après la Deuxième Guerre mondiale, retrouve la place qu’il mérite sur la scène artistique internationale. Néanmoins, alors que ses œuvres sont devenues de plus en plus recherchées dans le monde, il est resté pratiquement inconnu jusqu’au début du 21^ème siècle dans son pays natal, la Hongrie.

Bien que Miklos ait définitivement quitté Budapest en 1909, il a toujours porté la Hongrie dans son cœur. Beaucoup de faits témoignent de son attachement à ses origines hongroises. Toutefois ce sentiment, comme dans le cas de Joseph Csaky, n’était pas réciproque. Quelques éléments complétant l’étude biographique très élaborée de Christiane Patkai permettent de démontrer cette triste réalité.

Jean-Paul Lallemand, inspiré par plusieurs cultures a fait de nombreuses expositions dans le monde.  Sa démarche artistique nouvelle et unique s’est forgée au cours des ses voyages à la rencontre entre deux continents l’Afrique, l’Asie. Dans son travail il associe diverses techniques : huile sur toile, encre de chine, pastel, couleurs éclatantes et sensuelles émaillées de signes chargés de symboles.

 Exposition “Fulgurance et onirisme” de Jean-Paul LALLEMAND du 13 décembre 2008 au 31 janvier 2009 au SOFITEL AGADIR : seront présentées 37oeuvres de l’artiste dont 24 dessins a l’encre de chine et couleurs, 12 peintures sur toiles inspirées d’un voyage au Sahara marocain.

Biographie

Jean-Paul Lallemand, est né le 6 avril 1946 à Biarritz, son père ayant monté une entreprise textile en Afrique en Cote d’Ivoire en 1929, il a vécu une grande partie de son enfance en Afrique. Il suit les cours de l'école des beaux Arts d'Abidjan dont il est Diplômé (DNBA) et a également suivi les cours des ateliers de Penninghen et Jacques Dandon durant deux années.

A l’âge de 24 ans, il part vivre à Kairouan en Tunisie et débute sa carrière de peintre. Puis suivra le Gabon où il est professeur à l'école nationale des Arts et Manufacture et occupe le poste prestigieux de décorateur des musées nationaux puis plus tard le poste de Conseiller technique de l'artisanat d'art en cote d’Ivoire. Les voyages et la terre d’Afrique ont modulé sa sensibilité à tout jamais en installé dans ses toiles la lumière de ces contrées où la poésie des êtres et la magie magnifient ses créations et leur donne une dimension fantastique prêtant au rêve. 

Published 15/04/2024 - Born in France in 1921, Françoise Gilot was a remarkable artist whose expansive oeuvre bridged twentieth-century avant-garde and contemporary aesthetics.  After completing a degree in English literature in 1938 and briefly attending law school, Gilot began her formal artistic education. In 1941, she began studying with Hungarian painter Endre Rozsda and took classes at the Académie Julian. Two years later during her first gallery exhibition, Gilot met Pablo Picasso. The pair maintained a relationship from 1946 until 1953, during which they had two children, Claude and Paloma.

Black and white photograph of Gilot working at the Tanstone Group in LA, 1971. Image courtesy of The Philip and Muriel Berman Museum of Art.

Around 1946, Gilot deserted oil paintings in favor of graphite, and occasionally gouache, on paper. Gilot's early drawings can be seen in the exhibition and range from portraits and still lifes to abstract works in which she explored formal and symbolic transformations obtainable from simple forms. Gilot began accompanying Picasso to Fernand Mourlot's Atelier in 1950, where she became the first woman to make lithographs in the acclaimed studio—Gilot continued printmaking with Mourlot for decades.

Influenced by Picasso and Braque, Archipenko developed a sculptural form of Cubism using interlocking and overlapping solids and sculptural voids to show various views of the figure simultaneously. Archipenko was interested in breaking the figure into geometrical forms and, like the Futurists, sculpted figures in motion.

Archipenko's legacy of experimentation is characterized by an unconventional mix of materials such as metal, wood, glass, wire, and paint and mixed media works combining bronze, granite, and turquoise. In 1924, he invented and patented the Archipentura, a new kinetic painting/sculpture mixed media art form.

Anna Weyant Biography

Born in 1995 in Calgary, Alberta, Canada, she is one of the most talented artists of her generation - Thanks to Larry Gagosian, great talent discoverer she is taking an important place among the great creators of our time.

Lives and works in New York, NY.    -   https://gagosian.com/

About Anna Weyant

The hapless subjects of Anna Weyant’s indelible paintings and drawings are recurrently tested by everyday circumstances, weathering what the artist has described as “low-stakes trauma.” In these precisely rendered scenes, figures—most often young and female—find themselves embroiled in tragicomic narratives with an ironic twinge, offering a dreamlike insight into the capacity of popular culture and social convention to manufacture and distort gestures, rituals, and signifiers of femininity. But far from presenting her protagonists as merely symbolic, Weyant remains sensitive to their human idiosyncrasies and contradictions, picturing characters who are endearing, mysterious, and wholly themselves. In her crystalline still-life compositions, meanwhile, everyday objects adopt an uncanny, portentous air.

Weyant was born in Calgary, Canada, in 1995. After earning a BFA in painting from the Rhode Island School of Design, she relocated to New York, then studied painting at the China Academy of Art in Hangzhou. Moving back to New York, she worked as a studio assistant while pursuing her own practice. Among her first exhibited works is a sequence of darkly cinematic canvases depicting a dollhouse—modeled after one that she owned as a child—and its young female inhabitants. A later series deconstructs the appearance of American suburbia in Lifetime’s made-for-television movies, casting it as a surreal realm in which violence and disaster lurk just beneath the surface. In her still lifes, Weyant depicts fruit, flowers, and other items in a similarly unsettling light; Lily (2021), for example, juxtaposes the titular bloom with a revolver bound in gold ribbon.

In these and other works, Weyant employs a somber, muted palette of deep greens, dusty pinks, and deep black. She also draws on art historical and present-day influences, from seventeenth-century Dutch masters such as Frans Hals and Judith Leyster to twentieth-century mavericks like Balthus to contemporary painters Jennifer Packer and Ellen Berkenblit. As revealed in her contributions to group exhibitions including and I will wear you in my heart of heart at FLAG Art Foundation, New York (2021); Artists Inspired by Music: Interscope Reimagined at the Los Angeles County Museum of Art (2022); and Women of Now: Dialogues of Memory, Place & Identity at the Green Family Art Foundation, Dallas (2022), Weyant displays a deep understanding and appreciation of her work’s roots and parallels while eliciting an immediate and emotional response.

Culture Art & Vision X Lapostroff - Studio Kallico
Pour ce nouvel épisode de Culture Art & Vision X Lapostroff, nous vous emmenons à la rencontre de Lionel Sourisseau, plasticien peintre au style singulier. ?? ?? ??

Amoureux de couleurs chaudes et de poésie, Lionel Sourisseau a trouvé sa voie en passant de la peinture traditionnelle à la peinture acrylique. En posant un regard coloré sur le monde, ses œuvres étincelantes et bigarrées suscitent la curiosité et stimulent l'imaginaire.

Plus d'informations
Lapostroff (Espace de création artistique, artisanal et associatif de la Ville de Malakoff & Plateau Urbain : https://www.lapostroff.fr)

Réalisation : Sylvestre Bary
Musique : Benk Digga

Un projet Culture Art & Vision - 2020 - https://www.culture-av.fr

Isabel Margarita Haeussler´s pictorial work

The pictorial work that Isabel Haeussler has developed during the last thirty years started from figuration to slowly approach abstraction. Considering that at first her work focused on the observation of her environment, it is not surprising that current images evoke spatialities.  An atmospheric effect is very visible in them, as if they had some kind of relationship with the landscape.

Her use of language appears in the articulation of contrasts: there are antagonisms between smooth and rough, fast and slow, transparent and opaque, color and monochrome, light and shadow. This richness is shown by a gesture that is not hidden. The insistence of her hand, the trajectory of her gestures is marked by the imprint of her brush.

Pablo Ferrer

Profesor y director Magister Artes Visuales

Facultad de Artes

Universidad de Chile

Roger Lersy, né en 1920, est peintre du XXe siècle français, lithographe et compositeur de musique classique, il a étudié à l'École des Arts Appliqués, Paris et au Conservatoire de Paris. Il a tenu sa première exposition à Paris en 1946. Pendant les années suivantes de son art a également été exposé à Londres, Genève, Los Angeles, Houston et New York. Il a remporté des prix comme le Prix des Amateurs d'Art (1953) et le Prix de la Ville de Marseille (1955). L'artiste a également illustré un certain nombre de livres d'art avec ses graphismes originaux, tels que, Bestiaire (1968) et multiformes (1977). Le travail de Lersy peut être divisée en deux périodes de l'expérimentation artistique. Avant 1960, l'artiste concentre surtout sur ​​les formes de l'art figuratif, en particulier la nature morte et du paysage. Après son travail décalées à des formes de l'expression abstraite. Il a passé de longues périodes à New York entre 1961 et 1968.

BIOGRAPHIE

Né le 2 avril 1920 décédé en 2004 xxe siècle. Français.

Peintre d'intérieurs, natures mortes, paysages, sculpteur, graveur, peintre de cartons de tapisseries. Polymorphe.

Son père étant décorateur, c'est naturellement qu'il entra à l’École des Arts Appliqués. Il eut ensuite une activité de décorateur, mais, parallèlement, il avait commencé à peindre et menait également des études musicales poussées, auxquelles il renonça en 1954, sauf pour son plaisir personnel. Il effectua un séjour aux États Unis, de 1961 à 1968.

PRIKING Franz (1927-1979) "Femme ailée" huile sur toile dimensions 116 x 81 cm de Franz Priking signée en bas à gauche, ancienne collection Emmanuel David. Important artiste du XXème siècle découvert par le grand marchand Emmanuel David découvreur de Bernard Buffet. Cette oeuvre est une des plus importantes de l'artiste, très représentative du mouvement surréaliste et de la puissance du travail de Priking dont Emmanuel David disait de lui "C'est un poids lourd dans l'art comme Bernard Buffet"
Franz Priking (né Pricking) est un artiste peintre et lithographe né le 7 août 1929 à Mülheim (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 10 juin 19791 à Oppède (Vaucluse)

Biographie

La sensibilité picturale de Franz Priking est éveillée dès son enfance par l'éducation d'un père ingénieur en métallurgie (mort en 1947) passionné de Renaissance italienne et d'art baroque.

Franz Priking aborde la peinture au terme d'études de philosophie, s'orientant tout d'abord vers une abstraction lyrique « révélatrice d'une sensibilité en quête d'elle-même ». Les séjours qu'il fait ensuite au Bauhaus de Weimar (1948) et à l'Académie des arts de Berlin (où il est élève de Max Pechstein entre 1948 et 1953 et où Karl Hofer fait l'éloge de ses dessins) lui révèlent, avec l'expressionnisme allemand, une forme d'art plus conforme à son tempérament. C'est durant cette période qu'à Berlin, par l'intermédiaire du peintre Hans Tombrock, Priking se rapproche de Bertold Brecht, vivant dix mois dans la proximité du dramaturge.

En 1950, Franz Priking quitte l'Allemagne pour Paris, où il reste peu de temps, gagnant la Provence et s'arrêtant à Villeneuve-les-Avignon. Lors de sa première exposition française au Musée Réattu d'Arles, en 1952, il rencontre Pablo Picasso et va travailler pendant sept mois sous les conseils du maître à Vallauris. « J'étais profondément passionné par Picasso, par son principe de structure et d'organisation du tableau, évoque Franz Priking. Le thème m'importait beaucoup moins que le concept rythmique nouveau qu'il m'apprenait. Et surtout, j'abandonnais à ce moment la couleur vive que j'avais retenue de la période expressionniste, l'opposition des couleurs actives employées presque pures, et j'ai commencé à travailler la couleur de façon qu'elle devienne rationnelle... Les teintes sont devenues beaucoup plus terrestres, plus proches de la terre. »

Martine Manfré itzinger, Carlo Guarienti, Premières oeuvres : entre réalisme, métaphysique et surréalisme, Mémoire de DEA sous la direction de Philippe Dagen, Université Paris I Panthéon Sorbonne, Paris, 2000.

Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.

Carlo Guarienti est un peintre, graveur et sculpteur, né à Trévise en 1923, qui a commencé son travail artistique en 1953. Bien connu sur la scène artistique en Italie, il l'est aussi à l'international et est toujours actif, à 98 ans.

Il est considéré comme un maître de l'art italien du XXe siècle. 

Hors de tout tapage médiatique, les expositions de Carlo Guarienti sont fréquentées par un public fidèle et éclairé. Les expositions personnelles ne manquent pas dans les musées et galeries italiens mais aussi à Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève, Zurich et Londres. (2)

Sa production est abondante et régulière et, si sa facture a évolué, le thème récurent de son travail est resté le même. Il mène depuis toujours une réflexion sur le passage du temps et sa perception au travers de la mémoire. Il ne s'agit pas seulement de sa mémoire personnelle mais aussi de la mémoire intrinsèque véhiculée par les objets. Chaque oeuvre se lit sous le prisme du temps qui s'exprime de différentes manières : les maitres renaissants ou flamands sont revisités par le peintre, les objets s'associent de manière anachronique, les figures se métamorphosent en monstres inquiétants, la surface picturale se constitue de strates chronologiques et devient palimpseste. Le mode de représentation et les techniques employées s'adaptent à la démarche intellectuelle, quasi obsessionnelle.

Guarienti s'est toujours refusé à livrer tout élément biographique le concernant. Sans doute considère-il que sa peinture parle d'elle même. Mais le décryptage n'en est pas si aisé et l'oeuvre mérite que l'on s'y attarde.

Né à Trévise en 1923, Carlo Guarienti est issu d'une famille très cultivée qui ne s'oppose pas à sa carrière de peintre mais exige de lui l'obtention d'un diplôme "sérieux" avant d'embrasser la carrière artistique. Il s'exécute et devient donc médecin mais n'exercera jamais. Sa connaissance du corps humain et son intérêt pour la psychanalyse  et la philosophie s'avéreront utiles pour construire son oeuvre où la figure humaine jouera un rôle non négligeable. 

A l'âge de quinze ans il découvre l'argile et façonne ses premières sculptures et à vingt ans il dessine et peint déjà. Toutefois ce n'est qu'après la guerre qu'il se familiarise avec la peinture des grands maîtres, non plus dans les livres mais dans les musées. Il se souvient en effet que durant cette période, du fait de la montée du fascisme sous Mussolini puis de la guerre, «les musées étaient fermés et les fresques recouvertes de sacs de sable » (3). Après la guerre, Guarienti voyage donc en Italie, observe les paysages et les vestiges archéologiques, visite les musées où il est enfin face à l'oeuvre et, en 1949, il obtient une bourse du Ministère des Affaires étrangères qui le porte jusqu'en Espagne.

(2) Il est exposé dans de multiples galeries parisiennes. On peut citer deux expositions en France qui ont marqué les médias :  En 1977 le Musée des Beaux Arts de Caen lui a consacré une exposition monographique d'une soixantaine d'oeuvres dont le commissaire était Alain Tapié.

Il a également participé à l'exposition Art et Architecture au centre Pompidou de 1984.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crBxXa

(3) Carlo Guarienti, Il problema della pittura, Rome, 1993, in Palazzo Sarcinelli, giornale della mostra, Conegliano.