La Fondation Beyeler rouvre ses portes le lundi 11 mai 2020.

Les expositions «Edward Hopper» et «Voir le silence – Images de quiétude» sont prolongées jusqu'au 26 juillet, l'exposition «Goya» est reportée.

À partir du lundi 11 mai, la Fondation Beyeler sera à nouveau ouverte tous les jours. Les visiteurs pourront y retrouver l'exposition consacrée au grand artiste américain Edward Hopper ainsi que la présentation de la collection «Voir le silence – Images de quiétude». Avec la crise du coronavirus, les deux expositions ont soudainement et dramatiquement gagné en actualité. En raison de l'intérêt du public, elles sont prolongées jusqu'au 26 juillet 2020. Les billets peuvent être réservés en ligne à partir du jeudi 7 mai sur www.fondationbeyeler.ch . La Fondation Beyeler a élaboré un plan de protection complet pour ses visiteurs et ses collaborateurs afin de mettre en œuvre de manière optimale les mesures de l'ordonnance COVID-19 de la Confédération. Ainsi, le nombre de visiteurs sera limité au moyen de billets en ligne à créneau horaire déterminé et la circulation des visiteurs dans le parc et dans le musée est réaménagée, avec des points distincts d'entrée et de sortie. Tous les événements sont annulés jusqu'à nouvel ordre, Les visites guidées se tiendront sous forme réduite en dehors des horaires d'ouverture. La grande exposition «Goya», dont l'ouverture était prévue le 15 mai, est reportée. Une nouvelle date sera communiquée en juin.

Cet été à la Fondation Manuel Rivera-Ortiz, nous vous invitons à faire un pas de côté, à changer de point de vue. Nous vous invitons à vous poser la question avec nous : s'il n'y a plus de Terra Incognita ni de « grands explorateurs » ... qui sont les réels Pionniers aujourd'hui ?

Les êtres humains ont parcellisé, surveillé, exploité les espaces terrestres, aériens, maritimes. Exit les Terra Incognita, les cartes sont pleines... il est temps de les rebattre ! Nous voulons donner la voix à des hommes et des femmes assez lucides pour penser en dehors des limites que nos sociétés ont globalement établies sur des considérations anthropocentriques, anthropométriques, mécaniques, puis numériques.

Nous voulons faire entrer en résonance des photographes, vidéastes, designers sonores, des activistes, des individus, des citoyens qui s'engagent pour améliorer nos vies et notre rapport à notre environnement par l'augmentation de notre savoir et l'élargissement de nos univers individuels.

« Ce qui m'intéresse ce n'est pas le bonheur de tous les hommes, c'est celui de chacun. » – Boris Vian

Les 11 expositions que nous vous présentons invitent à questionner nos limites tant physiques que mentales ou spirituelles à travers les travaux de Mathias Benguigui et Agathe Kalfas, Yves Billon, Aline Deschamps, Alberto Giuliani, Yao Jui-Chung et Sandy Lo, Sylvie Léget, Andréa Mantovani, Pablo Ernesto Piovano, Ernest Randriarimalala et Saraya Cortaville, Niina Vatanen et les archives de Boris Vian.

THE MENIL COLLECTION PRESENTS PHOTOGRAPHY AND THE SURREAL IMAGINATION
ON VIEW NOW THROUGH JUNE 14 - 2020

Events During Houston’s FotoFest Biennial 2020 Include Talks by Artist Allison Janae
Hamilton and Curator Natalie Dupêcher, a Lecture by Author David Campany, and a Special Musical Performance

HOUSTON, TEXAS, February 24, 2020 – Drawn from the Menil Collection’s renowned holdings of Surrealist art and from extraordinary loans from Houston collections, the exhibition Photography and the Surreal Imagination is on view at the Menil Collection now through June 14, 2020.
Presenting 62 works that span the years from Surrealism’s eruption in the 1920s to the present day, the exhibition reveals how photographers during and after the Surrealist movement have explored and distorted the human form, manipulated the photographic surface, and used the camera to transform the familiar into the uncanny. Photography’s inherent tension between documentation and invention emerges in the exhibition as the generative force that has made this medium so productive for artists working in the wake of Surrealism.

Tirée des collections renommées d’art surréaliste de la collection Menil et des prêts extraordinaires des collections de Houston, l’exposition Photography and the Surreal Imagination est à l’affiche à la collection Menil jusqu’au 14 juin 2020. Présentant 62 œuvres qui couvrent les années de l’éruption du surréalisme dans des années 1920 à nos jours, l’exposition révèle comment les photographes pendant et après le mouvement surréaliste ont exploré et déformé la forme humaine, manipulé la surface photographique et utilisé l’appareil photo pour transformer le familier en inquiétant. La tension inhérente à la photographie entre documentation et invention émerge dans l’exposition comme la force génératrice qui a rendu ce médium si productif pour les artistes travaillant dans le sillage du surréalisme.

George Platt Lynes, Untitled, 1941. Gelatin silver print,
9 9/16 × 7 5/8 in. (24.3 × 19.4 cm).
The Museum of Fine Arts, Houston,
The Allan Chasanoff Photographic Collection, 91.849.
© George Platt Lynes Estate

ROBERT DOISNEAU

La street photography dell’artista parigino dal 27 agosto al 20 settembre 2020 a Bologna

Palazzo Pallavicini è lieto di annunciare un'ulteriore proroga della mostra ROBERT DOISNEAU che resterà aperta fino al 20 settembre 2020. Dopo la pausa estiva dal 10 al 26 agosto, ritorneranno i consueti appuntamenti con Palazzo Pallavicini a orario continuato dalle 11.00 alle 20.00, dal giovedì alla domenica: un'occasione da non perdere per tutti gli appassionati e i curiosi che non hanno avuto l'occasione di scoprire gli scatti del padre della fotografia umanista e per tutti i visitatori che desiderano ripetere l’esperienza.

LA MOSTRA -

L’esposizione dedicata al grande fotografo parigino Robert Doisneau celebre per il suo approccio poetico alla street photography autore di Le baiser de l'hôtel de ville, una delle immagini più famose della storia della fotografia del secondo dopoguerra, è curata dall’Atelier Robert Doisneau (Montrouge, Fr) ed è organizzata da Pallavicini s.r.l. di Chiara Campagnoli, Deborah Petroni e Rubens Fogacci in collaborazione con diChroma photography.

L’ampia retrospettiva è il risultato di un ambizioso progetto del 1986 di Francine Deroudille e della sorella Annette Doisneau che hanno selezionato, da 450mila negativi prodotti in oltre 60 anni di attività del padre, le 143 immagini della mostra che ci raccontano l’appassionante storia autobiografica dell’artista.

I sobborghi grigi delle periferie parigine, le fabbriche, i piccoli negozi, i bambini solitari o ribelli, la guerra dalla parte della Resistenza, il popolo parigino al lavoro o in festa, gli scorci nella campagna francese, gli incontri con artisti e le celebrità dell’epoca, il mondo della moda e i personaggi eccentrici incontrati nei caffè parigini, sono i protagonisti del racconto fotografico di un mondo che “non ha nulla a che fare con la realtà, ma è infinitamente più interessante”. Doisneau non cattura la vita così come si presenta, ma come vuole che sia. Di natura ribelle, il suo lavoro è intriso di momenti di disobbedienza e di rifiuto per le regole stabilite, di immagini giocose e ironiche giustapposizioni di elementi tradizionali e anticonformisti.

Influenzato dall'opera di André Kertész, Eugène Atget e Henri Cartier-Bresson, Doisneau conferisce importanza e dignità alla cultura di strada, con una particolare attenzione per i bambini, di cui     coglie momenti di libertà e di gioco fuori dal controllo dei genitori, trasmettendoci una visione affascinante della fragilità umana.

Le meraviglie della vita quotidiana sono così eccitanti;

nessun regista può ricreare l'inaspettato che trovi per strada.

 Robert Doisneau.

L'EXPOSITION -
L'exposition ROBERT DOISNEAU est organisée par l'Atelier Robert Doisneau (Montrouge, Fr), créé par Francine Deroudille et Annette Doisneau pour préserver et représenter les œuvres du photographe, et est organisé par Pallavicini s.r.l. par Chiara Campagnoli, Deborah Petroni et Rubens Fogacci en collaboration avec diChroma photography.

143 œuvres sont exposées dans les prestigieuses salles de la Via San Felice, toutes de l'Atelier. L'exposition est le résultat d'un ambitieux projet de 1986 de Francine Deroudille et de sa sœur Annette - les filles de Robert Doisneau - qui ont sélectionné parmi 450 000 négatifs produits en plus de 60 ans d'activité de l'artiste, les images de l'exposition qui raconter l'histoire autobiographique passionnante de l'artiste.

À Marseille, le Mucem s’affirme comme le grand musée consacré à la Méditerranée.

La singularité du Mucem est de retracer, d’analyser et d’éclairer, dans un même élan et un même lieu, les antiques fondations de ce bassin de civilisation, et les tensions qui le traversent jusqu’à l’époque contemporaine. D’être un lieu d’échange autour des enjeux méditerranéens.

Dans ses expositions comme dans sa programmation culturelle, il propose une vision pluridisciplinaire où se conjuguent anthropologie, histoire, archéologie, histoire de l’art et art contemporain, afin de montrer au public les diverses facettes du monde méditerranéen et de son dialogue permanent avec l’Europe.

Ses racines

Premier musée consacré aux cultures de la Méditerranée, le Mucem est un musée inédit. Né de la métamorphose d’un grand musée de société - le Musée des arts et traditions populaires créé en 1937 à Paris, il représente le premier véritable transfert d’un musée national en région. Ouvert à Marseille en juin 2013, le Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée (Mucem) est entré dès l’année suivante dans le cercle des 50 musées les plus visités du monde.
Un musée, trois sites

Le Mucem se déploie sur trois sites. Côté mer, à l’entrée du Vieux-Port, le bâtiment J4 (l’emblématique geste architectural de Rudy Ricciotti et Roland Carta), et le fort Saint-Jean (monument historique entièrement restauré) incarnent parfaitement, avec leurs deux passerelles, le projet d’établir un trait d’union entre les deux rives de la Méditerranée. Ils accueillent les grandes expositions et les rendez-vous de la programmation artistique et culturelle. Côté ville, dans le quartier de la Belle de Mai, le Centre de conservation et de ressources (CCR) abrite les collections du musée. Cet ensemble unique permet au Mucem de démultiplier ses propositions culturelles.

Mucem 2019 © Photo Cyrille Weiner Mucem

Exhibition Spanning Gerhard Richter’s Prolific Six Decade Career to Open at The Met Breuer
Gerhard Richter

Exhibition Dates: March 4–July 5, 2020
Exhibition Location: The Met Breuer, Floors 3 & 4

The Met Breuer
945 Madison Avenue
New York, NY 10021
Phone: 212-731-1675 web site : https://www.metmuseum.org/

The Met will present a major loan exhibition devoted to the work of one of the most renowned artists of our time: Gerhard Richter (German, born Dresden 1932). On view at The Met Breuer from March 4 through July 5, 2020, Gerhard Richter: Painting After All will consider the entire span of the artist’s career through some 100 works including paintings, glass sculptures, prints, and photographs. Conceived in close collaboration with the artist, the exhibition will reveal Richter’s six decade-long preoccupation with the dual means of representation and abstraction, and his continual exploration of the material, conceptual, and historical implications of painting. This will be the first major U.S. survey on the artist in nearly 20 years.

The exhibition is made possible by the Barrie A. and Deedee Wigmore Foundation.

Corporate sponsorship is provided by Morgan Stanley.

Major support is provided by David S. Winter and the Modern and
Contemporary Art Visiting Committee.

Additional funding is provided by Angela A. Chao and Jim Breyer,
Jane C. Carroll, the Horace W. Goldsmith Foundation, Kenneth and Rosalind Landis, and the Peterson Family Foundation.

Watch a video preview of Gerhard Richter: Painting After All, on view at The Met Breuer from March 4 through July 5, 2020. The exhibition, which considers Richter's six-decade-long preoccupation with the dual means of representation and abstraction to explore the material, conceptual and historical implications of painting, spans the entirety of Richter's prolific and innovative career, and presents over one hundred works that focus on his specific commitment to the medium, as well as his related interests in photography, digital reproduction, and sculpture

Christo et Jeanne-Claude Paris ! - 01 Juillet - 19 Octobre 2020

The Centre Pompidou
75191 Paris cedex 04 / T. 00 33 (0)1 44 78 12 33
Metro: Hôtel de Ville, Rambuteau / RER: Châtelet-Les-Halles

Gallery 2, Level 6

Christo & Jeanne-Claude, Paris!, a major exhibition from March 18 to June 15, 2020 in Gallery 2 of the Centre Pompidou, retraces artists Christo and Jeanne-Claude’s years in Paris together, from 1958 to 1964, and the story of The Pont-Neuf Wrapped, Paris, 1975-1985. This exhibition will also be a prelude to L’Arc de Triomphe, Wrapped (Project for Paris, Place de l’Étoile – Charles de Gaulle) which will be on view from September 19 to October 4, 2020 (see page 5).

The seven years Christo lived in Paris were essential to the development of his work as an artist. Christo broke free from the boundaries of the painting, as he began wrapping everyday objects and creating temporary artworks in public spaces. He also began conceiving works of art in monumental dimension, envisioning numerous temporary projects for the city.

Mur provisoire de tonneaux métalliques –
Le Rideau de fer, rue Visconti, Paris, 27 juin 1962
[Temporary Wall of Oil Barrels – The Iron Curtain,
Rue Visconti, Paris, 27 June 1962]
© Christo 1962 Photo © Jean-Dominique Lajoux

Lygia Clark: Painting as an Experimental Field, 1948–1958
March 6, 2020 - May 24, 2020

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao
https://www.guggenheim-bilbao.eus/en
Telephone: +34 944 35 90 00 & +34 944 35 90 80

A pioneer in abstraction, Lygia Clark (b. 1920, Belo Horizonte, Brazil; d. 1988, Rio de Janeiro, Brazil) was a major artist of the second half of the twentieth century. Lygia Clark: Painting as an Experimental Field, 1948–1958 presents a reexamination of Clark’s crucial formative years from 1948 to 1958, when she was experimenting between figuration and abstraction to articulate the compelling visual language that defined her mature production. Along with a pertinent representation of her early figurative work, this exhibition assembles paintings from major series created during this early period to provide a fundamental overview of the first decade of Clark’s artistic career.

Viewing painting as an “experimental field,” a phrase from a keynote lecture given by the artist in 1956, Clark sought to redefine the medium by pushing the boundaries of traditional painting. Dedicating herself to art without formal training, she embedded herself within the artistic milieu of Rio de Janeiro in the late 1940s and participated in seminal artistic movements, such as Concrete art and geometric abstraction, throughout the 1950s. This focused exhibition traces Clark’s artistic evolution in three structured historical sections: “The Early Years, 1948–1952;” “Geometric Abstraction, 1953–1956;” and “Variation of Form: Modulating Space, 1957–1958.” Each chapter addresses Clark’s most significant ideas and provides an in-depth representation of her artistic development through a concise selection of works.

This presentation of Lygia Clark’s early practice debuts on the centenary anniversary of the artist’s birth, bringing a renewed attention at an international level to a significant postwar Latin American female artist. The museum is thankful to the Lygia Clark Cultural Association, Rio de Janeiro, and the artist’s heirs for their tremendous support of the exhibition.

Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães

Lygia Clark
The Violoncellist (O Violoncelista), 1951
Oil on canvas 105.5 x 81 x 2.7 cm
Private collection
© Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association
X.2017.23

Dates: 29 February – 10 May, 2020
Curators: Germano Celant and Manuel Cirauqui, curator of the Guggenheim Museum Bilbao

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao
https://www.guggenheim-bilbao.eus/en 
contacto(at)guggenheim-bilbao.eus
informacion(at)guggenheim-bilbao.eus
Telephon
+34 944 35 90 00
+34 944 35 90 80

Halfway between painting and sculpture, Artschwager develops a unique language using the new domestic materials of his time, always working toward the fusion of figuration and abstraction, artistic innovation and design, and ironically seeks to combine the functional and the useless.

Designed as an open labyrinth, the exhibition features a comprehensive selection of paintings and sculptures dating from the early 1960s to the first decade of this century.

Artschwager represents places, scenes from everyday life, and common objects such as tables, chairs, and dressers, interpreting them in ordinary, standardized industrial materials such as Formica, Celotex, acrylic paint, and rubberized horsehair.

Artschwager’s work continually questions appearance and essence, offering us a delicate and realistic, humorous yet monumental interpretation of the world.

Richard Artschwager Door } , 1983-84
Acrylic on wood, glass 207.6 x 165.1 x 24.8 cm
Collection Kerstin Hiller and Helmut Schmelzer,
on loan to Neues Museum Nürnberg
© Estate of Richard Artschwager, VEGAP, Bilbao, 2020
Photo: Annette Kradisch 

La Fondation Marguerite et Aimé Maeght rouvre au public le 1er juillet 2020. Les conditions nécessaires pour recevoir les visiteurs en toute sécurité seront mises en place.

L’exposition consacrée à Jacques Monory, initialement prévue du 28 mars au 14 juin, sera présentée au public durant l’été et jusqu’au 22 novembre 2020. La Fondation Maeght a choisi de repenser sa programmation, en présentant cette exposition qui devait ouvrir ses portes au printemps. Cette exposition sera accompagnée d’un choix d’œuvres de la collection de la Fondation Maeght. L’exposition Les Giacometti : une famille de créateurs est reportée à l’été 2021.

Première exposition monographique de Jacques Monory depuis sa disparition en 2018, l’exposition proposée par la Fondation Maeght retrace soixante ans de carrière et revisite l’œuvre d’un artiste majeur de la Figuration Narrative constamment tendu par la modernité et la singularité de ce bleu qui l’a rendu célèbre. Cette exposition propose un parcours non chronologique tentant de faire jouer à plein, d’une salle à une autre, les échos et les écarts de cette œuvre singulière.

Forte d’une collection de 13 000 œuvres, la Fondation Maeght propose également cet été une sélection de quelques œuvres majeures de sa collection pour permettre au public de retrouver les artistes tels que Joan Miró, Alberto Giacometti, Alexander Calder, Marc Chagall, Pierre Bonnard, Fernand Léger, …

JACQUES MONORY
Fondation Maeght (Saint-Paul de Vence)
Guest curator: Laurence d’Ist, art historian, author and exhibition curator.

Commissaire invitée : Laurence d’Ist, historienne de l’art, auteure et commissaire d’expositions.

Simply entitled “Jacques Monory”, the exhibition presents sixty years of his career and revisits the work of this major Figuration Narrative artist, in constant tension between modernity and the singularity of the blue that made him famous.

Intitulée simplement « Jacques Monory », l’exposition présente soixante ans de carrière et revisite l’oeuvre de cette figure majeure de la Figuration narrative, constamment tendu par la modernité et par la singularité de ce bleu qui l’a rendu célèbre.

Out of all the Figuration Narrative painters, Monory was no doubt the only one to be fully narrative. Sometimes hyperrealist, the enigmatic scenes that he painted and juxtaposed to form a sort of haunted diary of a painter who questioned the world’s reality every day. The blue that made him famous, whether monochrome or with other colors
in the spectrum, is the color of this doubt. It acts as a dreamlike veil and establishes a certain distance.

De tous les peintres dits de la Figuration narrative, Monory aura sans doute été le seul à être pleinement narratif. Parfois hyperréalistes, les scènes énigmatiques qu’il peint et qu’il juxtapose forment comme le journal de bord hanté d’un peintre qui chaque jour s’interroge sur la réalité du monde. Le bleu qui l’a rendu célèbre, qu’il soit monochrome,
ou qu’il accueille d’autres couleurs du spectre, est la couleur de ce doute. Il agit comme un voile onirique et comme une mise à distance.

Portrait de Jacques Monory
© Photo Jean Larivière.

Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
Horaires d'ouverture de la Fondation Beyeler: tous les jours 10h00–18h00, le mercredi jusqu'à 20h00

www.fondationbeyeler.ch

Du 13 février au 19 avril 2020

La modernité en tant qu'ère du progrès technique se caractérise surtout par le mouvement et la vitesse, qui ont aussi trouvé des manifestations multiples dans le domaine de l'art. En parallèle s'est développé un désir croissant de décélération, qui s'exprime dans des images toujours nouvelles de calme et de quiétude. Par les temps d'accélération toujours plus poussée comme les nôtres, le besoin d'apaisement et de détente semble particulièrement fort.

L'actuelle présentation de la collection de la Fondation Beyeler se concentre ainsi sur des œuvres d'art moderne et contemporain qui ont pour thème le calme et la quiétude. Il est frappant de constater à quel point ces œuvres diffèrent de par leur esthétique, leur contenu, leur forme, leur choix de médium et de matériau. Le musée lui-même apparaît en tant que lieu potentiel de silence et de réflexion. Chaque salle de l'exposition est consacrée à un aspect spécifique de la notion de calme et de quiétude, invitant le spectateur à une contemplation silencieuse: le calme statique et physique, le calme idyllique de la nature, le calme céleste et le calme avant la tempête, le silence et le vide, l'équilibre de la composition, la nature morte, le calme intérieur, se taire, la solitude et la méditation, et enfin le sommeil et le repos éternel sont les motifs autour desquels s'articulent les différents chapitres de l'exposition. Ensemble, les œuvres exposées déploient toute la richesse de la thématique, principalement dans les médias de la peinture et de la sculpture. Il s'y reflète par ailleurs une caractéristique essentielle des œuvres d'Edward Hopper, auquel la Fondation Beyeler consacre au même moment une grande exposition.

Mark Rothko, Untitled (Red-Brown, Black, Green, Red), 1962,
huile sur toile, 206,0 x 193,5 cm,
Fondation Beyeler, Riehen/Bâle, Collection Beyeler:
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / 2019,
ProLitteris, Zurich; Photo: Peter Schibli