OPERA GALLERY MADRID

14 September - 06 November 2023

Opera Gallery Madrid presents the exhibition Saura, Pintar como querer in collaboration with the Succession Antonio Saura and La Fondation Archives Antonio Saura from 14 September to 6 November 2023.

On 22 July, we commemorated the 25th anniversary of the passing of the esteemed artist, Antonio Saura. In honour of this significant milestone, Opera Gallery is proud to pay homage to one of Spain's most prominent artistic figures of the 20th century. The exhibition Saura, Pintar como querer meticulously curates a collection of his works, boasting over 50 pieces on paper and approximately a dozen captivating canvases. Within this remarkable assembly, we explore some of his renowned series, including "Auto-da-fé", "Heads", "Crucifixions", "Ladies", "Nudeslandscapes", "Crowds", "Shrouds", and "Goya's Dog". To further illuminate his creative journey, we proudly showcase 19 of his most iconic posters alongside these exquisite artworks.

Saura, Pintar como querer offers a comprehensive exploration of the diverse subjects that Antonio Saura passionately embraced throughout his career, catapulting him to national and international acclaim. This exhibition provides a unique opportunity to delve into the profound intellectual, emotional, and aesthetic underpinnings that shaped the vision of the El Paso group's founder—a collective that not only laid the groundwork but also conceptualized the post-war avant-garde movement in Spain. 

Exposition du 14/09 au 28/10/2023 

Galerie AB - Agnès Aittouares

14 rue de la Grange Batelière, 75009 Paris

5 rue Jacques Callot, 75006 Paris

Ouverte du lundi au samedi de 10h à 18h30

+33(0)6 14 42 96 83 | +33(0)1 45 23 41 16

Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - https://www.galerie-ab.com/

À l'occasion de l'ouverture de son nouvel espace à Saint-Germain-des-Prés et de la célébration du cinquantenaire de la disparition de Pablo Picasso, la Galerie AB - Agnès Aittouares vous propose une exposition d'une vingtaine de dessins réalisés entre 1942 et 1971. 

L'exposition « PICASSO. La force du trait » est accompagnée d'un catalogue.  

To celebrate the opening of our new space in Saint-Germain-des-Prés and the 50th anniversary of Pablo Picasso's passing, Galerie AB - Agnès Aittouares is delighted to present an exhibition showcasing Pablo Picasso's drawings created from 1942 to 1971.

Join us for the "PICASSO. La force du trait" exhibition, which is accompanied by a comprehensive catalog.

« Dans le travail de Picasso, la recherche de la formule définitive a pour résultat l'instantanéité et le besoin de la révélation immédiate. Quand Picasso s'applique, ce n'est pas à reproduire, mais à produire. Il veut convaincre dans l'instant par un seul trait, par un seul mot criant l'évidence. Il veut vaincre par la violence toute douceur et par la douceur toute violence. Toute œuvre commencée est fatalement pour lui une œuvre achevée. » Paul Éluard, Picasso. Dessins, 1952

La Galerie Dutko a le plaisir de présenter jusqu'au 21 octobre 2023 une exposition d'œuvres de l'artiste française Monique Frydman. Pour sa quatrième exposition personnelle avec la galerie, nous présenterons sa dernière série de peintures intitulée « L'Autre Rive », créée entre 2022 et 2023.

« Je voudrais quelque chose comme l'Orée du monde pour mes tableaux ». Ces mots, ce sont ceux de Monique Frydman datant du 2 décembre 1988, retrouvés dans ses carnets d'atelier à l'occasion de leur parution aux éditons de l'Atelier Contemporain en 2019.

Artiste majeure de la peinture abstraite, Monique Frydman a souvent évoqué le temps de la peinture et du tableau dans son œuvre. Quand commence une œuvre ? A l'Orée, comme quelque chose qui est en train de naître, de se dilater, à mi-chemin entre le désir et la maitrise. Il est toujours question du temps de peindre, et du temps de la peinture dans l'œuvre de Monique Frydman. Cette question, qui se posait déjà à l'artiste en 1988, est toujours d'actualité dans sa pratique.

Tirtzah BASSEL | Little Deaths

Starting Sunday le dimanche 15 octobre, de 14h à 18h. 

Starting Sunday October 15, from 2pm to 6pm.

Exposition personnelle du 14 octobre au 25 novembre 2023

Solo show from October 14 to November 25, 2023

Le titre surprend, mais Tirtzah Bassel explique et donne immédiatement le ton de l'exposition : « ''Little Deaths" renvoie à un euphémisme pour parler de l'orgasme. » De l'orgasme féminin pourrait-on immédiatement compléter car le propos de l'artiste est de s'attaquer aux images et modèles forgés par le patriarcat. Pour cela, elle conçoit de nouveaux symboles et repense la question du genre, de la sexualité et des modèles sociaux. « Lorsqu'une femme connaît la source de son plaisir, elle évolue dans le monde d'une manière fondamentalement différente » partage-t-elle.

The title surprises, but Tirtzah Bassel explains and immediately sets the tone of the exhibition: «'Little Deaths" refers to an euphemism for the orgasm» The female orgasm to be precise, the artist's aim being to tackle images and models forged by patriarchy. For this, she designs new symbols and rethinks the issue of gender, sexuality and social models. «When a woman knows the source of her pleasure, she moves in the world in a fundamentally different way» she shares.

RX&SLAG, Paris

16 rue des Quatre-Fils,

75003 Paris

https://www.galerierx.com/fr

Photo : Virgin and Child with Saint Hanan and Saint Johanna the Baptist (after Leonardo da Vinci), Tirtzah Bassel, 61 x 82 cm, huile sur toile, 2023

Guerlain présente sa nouvelle exposition Les Fleurs du Mal, une ode à l’œuvre de Charles Baudelaire. Cet événement artistique qui réunit plus de 25 artistes internationaux -émergents et figures majeures de la scène actuelle- se déroulera à la Maison Guerlain, située au 68 Champs-Élysées, du 18 octobre au 13 novembre 2023.

Les fleurs, symboles éternels de la beauté et de la sensibilité, montrent ici des ambiguïtés subtiles. Manifestations poétiques d’une sensualité éthérée, messagères de la nature, de l'art et des émotions humaines, elles révèlent aussi des aspects maléfiques. Chaque création exposée par la Maison Guerlain explore les frontières fragiles de l'existence et invite à une introspection profonde sur la dualité de la vie et de la mort, du spleen et de l'idéal, dans une quête de transcendance. 

Chaque artiste, dans une résonance subtile avec le thème, explore cette richesse de significations à travers une pluralité de médiums artistiques. Certaines créations sont inédites et sont produites spécialement pour cette occasion.

Avec cette 16ème édition depuis le lancement de ses expositions d’art contemporain avenue des Champs-Elysées, Guerlain explore une nouvelle fois les liens entre nature et création artistique, fondements de son engagement. 

Le domaine viticole de 10 hectares situé à Fréjus expose les œuvres de l'artiste jusqu'au 15 septembre. Le finissage "Closing Soirée Rose" aura lieu le 31 août.

Le vignoble du Clos des Roses incarne cette symbiose entre le vin et l'art. Comme les grands maîtres artistes inspirés par le divin nectar, ce domaine viticole évoque l'héritage millénaire où le vin était considéré comme une création quasi céleste, libérée des contraintes.

The 10-hectare wine estate located in Fréjus exhibits the artist's works until September 15th. The "Closing Evening Rose" will take place on August 31st.

The Clos des Roses vineyard embodies this symbiosis between wine and art. Like the great master artists inspired by the divine nectar, this wine estate evokes the thousand-year-old heritage where wine was considered an almost celestial creation, freed from constraints.

Les mythologies anciennes attribuaient au vin une essence divine, et aujourd'hui encore, il reste une source d'inspiration pour de nombreux artistes.

À l'image des sculptures mystiques de Laurence JENK, les vins du Clos des Roses sont une expression de créativité unique.

Chaque bouteille est une œuvre d'art à part entière, reflétant le talent et la passion des artisans qui les créent. Comme les bonbons de JENK, qui, bien qu'apparemment identiques, sont en réalité des pièces uniques, chaque vin de ce vignoble porte en lui une histoire et une personnalité qui le rendent exceptionnel.

Leila Heller Gallery is pleased to present a selection of works by Melis Buyruk, Alaattin Efe, Naeemeh Kazemi, Maryam Lamei, Arash Nazari, and Behrang Samadzadegan for the 18th Edition of Contemporary Istanbul, booth T7-09.

Melis Buyruk is a Turkish artist born in Gölcük in 1984. Her large-scale floral ceramic sculptures depart from contained, categorical forms of pottery, and celebrate the traditionally feminized discipline. Buyruk graduated from the Ceramic Department of the Faculty of Fine Arts at Selçuk University in 2007, and has exhibited across Turkey, in New York City, and Dubai. Melis Buyruk identifies and subtly blends patterns of vegetation and the natural world, creating porcelain flower fields. They are disorienting, as they evoke both artificiality and illusion in a play on logic. While strikingly realistic and incredibly meticulous, the porcelain flowers are unfeasibly monochrome, hybrid, and eerily level, suggesting an alien environment. Fluctuating between boundaries of reality and surreality, her work reminds the viewer of our fractured and disjointed relationship with nature, and provokes a double consciousness.

Behrang Samadzadegan is an Iranian artist, curator, and professor. In his works, Behrang seeks to probe the possibility (or impossibility) of representing truth, identity, and history within the framework of aesthetic laws and to challenge the capacity of the image for displaying these concepts. As a scholar and curator, he enjoys discovering and studying new artistic phenomena and believes in rethinking and challenging the established rules and requirements of art. Painting has been Samadzadegan's main focus. The subject matters of his works are drawn from images and narratives of contemporary Iranian history, which he combines with fictional stories and the aesthetics of painting. His goal, however, is not to represent historical narratives. The image of history, he believes, is a personal matter created under the influence of visual and aesthetic stereotypes, a combination of confusion, chaos, and a futile quest for reaching unattainable truth.

JONATHAN MEESE

DOCTOR-DOC-DR.-„HIGH NOON" IS BACK!
(WONDERLAND DE LARGE)
Exposition du 2 septembre au 28 octobre 2023

Quatre ans après la série « Meese Haute Couture » qui rendait un hommage déjanté à Karl Lagarfeld, Jonathan Meese fait un retour spectaculaire à Paris avec « DOCTOR-DOC-DR.-„HIGH NOON" IS BACK! (WONDERLAND DE LARGE) », une exposition extravagante sur le pouvoir des contes et légendes, présentée à la galerie Templon rue Beaubourg du 2 septembre au 28 octobre 2023.

« Alice au Pays des Merveilles, le Magicien d'Oz, le Petit Chaperon Rouge, les Trois Petits Cochons, Lady MacBeth, Dr. No, Vincent Van Gogh, King Kong, Dracula, Fantomas, Parsifal... », égrenés comme une litanie, ces héros deviennent les étendards d'une nouvelle vision de l'art. Les peintures, toute en matière, tantôt dégoulinante, tantôt écrasée jusqu'à l'excès, mêlent visions de l'enfance et appels à la «révolution ». Ciment d'une culture collective, les contes, mythes et légendes sont pour Jonathan Meese le creuset de l'imaginaire occidental et une source d'inspiration fondamentale dans sa pratique : « Sans le conte de fée » explique-t-il, « nous ne pourrions construire de futur ». « Le monde entier est un conte de fée, le futur est quelque part notre monde merveilleux. Nous sommes acteur de cet avenir tout puissant. Et l'art détermine le futur. L'art est tout puissant. »

LA LA LAND by Naeemeh Kazemi

which helped her escape the confinement of quarantine and transported her to fantastical places. Living in Iran, Kazemi has had to take creative approaches to her meanings through symbols, so as to not get in trouble with the Iranian government. Her themes of environmental and virus anxiety, feminism, and humanity are disguised in her enchanting paintings through tokens and motifs of the natural world, classical paintings, and quotidian objects.

In her most recent "La La Land" series, she depicts a world that is intertwined yet fragmented. It is as if familiar pieces float strangely in space. In her complex yet highly composed paintings, Kazemi ponders the questions "Could the whole history of the world be a mere misunderstanding?" and "Is it possible that man, with all his discoveries, developments, culture, religion, and global wisdom is just lingering on only to the outward of life?" This series reflects Kazemi's feelings and anxieties towards the world, exacerbated by the Covid pandemic quarantine instated since March 2020. She says, "I'm incredibly scared because I know we will soon annihilate this enlivening life- giving planet. A planet that soon gets a shell from skulls, bones, and dead machines. No one can do anything for her. We lost the game!" Kazemi creates an oasis sheltered from these fears in this series. A "La La Land," clearly fictitious, but serving as a safe haven from the uncertain world.

Her work aims to reflect her constant state of questioning, anxiety, and interrogation with herself. She says "tense dreamy moments occur, which rushes blood to my cheeks." The viewer can see these feelings depicted in the flourishing flora and fauna and bright, enchanting colors. But then, "a moment later, silent, unsure, tired, and depressed." These juxtaposed feelings are sensed in the canvas through the lingering portraits- eyes hidden, hands floating, and plants tangled in a web. Ultimately, through these symbols, themes, and meanings, Kazemi is questioning life itself. For Kazemi, her works are not set in a final reality. She explores the system of meanings and understands that it is constantly changing and new realities are born every day. While first brought upon by the uncertainties of social and personal health by the pandemic, her investigation of finding meaning in life remains true for past, present, and future generations.