Rim Battal
Laurette Massant
Camille Moravia
Tareq de Montfort
Nina el Polin
Deborah De Robertis

Opening 31.03.16 > 18.00 h
Show 01.04.16 > 07.03.16

Galerie Nivet-Carzon
2, rue Geoffroy l'Angevin
F-75004 PARIS
+33 954 29 30 10
Mobile + 33 673 87 76 83
http://www.nivet-carzon.com
Pour cette carte blanche, Deborah De Robertis a choisi d'inviter les "artistes de sa famille". Comme elle, Rim Battal, Nina El Polin, Laurette Massant, Camille Moravia et Tareq de Montfort ont en commun de chercher à définir de nouveaux modèles.
Ne vous y trompez pas. Cette exposition n'est pas une énième proposition de nus qui englobe tous les fantasmes érotico-socio-culturels sans discernement au nom d'un exhibitionnisme faussement provocateur. Les artistes présentés vont plus loin et sont plus précis dans leur propos. Il est ici question de 'nudité politique' selon l'expression de la philosophe Geneviève Fraisse.

EXPOSITION Drifting
Olivier Valsecchi
Du 5 février au 14 mars 2016
OPIOM Gallery
 11 Chemin du Village
 06650 Opio
 France
info(at)opiomgallery.com
http://www.opiomgallery.com
http://www.oliviervalsecchi.com

Du 5 février au 14 mars 2016 OPIOM Gallery présente Drifting, la dernière série du photographe français Olivier Valsecchi qui a un parcours exceptionnel comme vous pourrez le voir dans sa biographie.
Le photographe développe depuis quelques années un travail mettant le corps au centre de ses recherches.

Sa série Dust qui a reçu le prix Hasselblad Masters l'a révélé en 2010 , il a depuis réalisé quatre séries AMAZON, DRIFTING, TIME OF WAR, KLECKSOGRAPHY selon une même même démarche créative.

Olivier Valsecchi IRIS VANITAS, 2014
80 x 120 cm, Edition of 3

EXPOSITION
CHUANG CHE : 50 ans d’abstraction

Sabine VAZIEUX et
Hervé COURTAIGNE présentent

à la Galerie Hervé Courtaigne
53 rue de Seine, Paris 75006

Du 24 mars au 30 avril 2016

Vernissage :
Jeudi 24 mars 2016 à partir de 17h

Spécialisés dans la peinture abstraite de l'après-guerre, Sabine Vazieux et Hervé Courtaigne consacrent, pour la première fois en Europe, un solo show à l’artiste chinois : Chuang Che.

 Né en 1934, il est considéré comme l’un des pionniers de l’abstraction chinoise. À l’instar de Zao Wou ki et Chu Teh Chun, il découvre et s’inspire de l’abstraction occidentale dès les années 50.

Chuang Che
Composition , 1980
Acrylic and oil on canvas
SIGNED AND DATED - 126 x 175.5 cm

La Galerie Caroline tresca présente "Le plus simple appareil"
14, rue Servandoni, 75006 Paris
Ligne Fixe  +33 (0) 143 268 036
Mobile        +33 (0) 617 197 357
www.galerie-caroline-tresca.fr

Robin GOLDRING

IL n'y a plus rien, ou si peu, seulement quelques éclats sombres dont l'ensemble pourrait constituer une nuit sans lune. Un ciel noir a envahi l'espace de ces petites peintures sur bois. À moins que ces ténèbres imposent leur domination pour mieux révéler les lumières orphelines de quelques corps, puisque seuls et nus des corps subsistent. C'est un peu  la bure du mendiant de Victor Hugo « ... Son vieux manteau tout mangé des vers, et jadis bleu, Étalé largement sur la chaude fournaise, Piqué de mille trous par la lueur de braise, Couvrait l'âtre, et semblait un ciel noir étoilé... »

Gagosian Gallery Athens
3 Merlin Street
Athens 10671
T. 30.210.36.40.215
F. 30.210.36.40.204
www.gagosian.com/
athens(at)gagosian.com

4 Février au 3 avril 2016
Isn’t art about breaking rules, about challenging existing systems; isn’t it about discovering meaning in things or
situations before others see anything in them?
—Peter Lindbergh
Gagosian Athens is pleased to present photographs by Peter Lindbergh.

Lindbergh’s now-iconic photographs of women derive inspiration from early narrative cinema and street photography, in their fleeting observations and compositional elegance. His Eastern European heritage can be traced in the stark and guileless realism that frames the feminine beauty of his subjects.
In his editorial work for Vogue, Harper’s Bazaar, Interview, and many other international magazines, Lindbergh replaces staged, calculated glamour with a vérité approach, enhanced by his use of high-contrast black-andwhite photography. He uses body movement, in particular modern dance, to celebrate the human form in a way that carries elements of both antiquity and modernity.

Peter Lindbergh Gagosian Gallery Athens
NADJA AUERMANN, MOJAVE DESERT, CALIFORNIA USA, 1996, 2015
Gelatin Silver Print Illford multigrade
23 5/8 × 19 11/16 inches unframed (60 × 50 cm)
Edition of 25
© Peter Lindbergh

Signature par Jessica Yatrofsky
Christian Berst art brut paris
3/5 passage des Gravilliers
Paris 75003
www.christianberst.com/
samedi 13 février 2016 de 17h à 19h
L'artiste, réalisatrice et photographe américaine Jessica Yatrofsky a choisi la galerie pour signer à Paris son livre I Heart Girl, un porfolio de photographies de femmes, une invitation à réexaminer la féminité en soulignant la complexité de l'identification du sexe.

The subjects of I Heart Girl do not exhibit the expected stereotypes of women in mass media today. Each face and each body is presented by Jessica Yatrofsky through study and repetition, examining feminity with irreverence and countering the widely accepted female image of past generations.

Purposely capturing young subjects with varying degrees of "masculine" and "feminine" traits, Yatrofsky further ignores the clichés of conventional gender identifiers.

Some subjects are adorned by tattoos, symbolic of their placement in history, others with hints of counter-culture peeking through extra pierced holes and candy-colored wisps of hair. The poses are earnest and the light is revelatory. Through features once perceived as diametrically opposed; the subjects becoming representative of a facet in the current cultural landscape. It is a landscape whose breadth has extended and evolved further than ever before, but still one that is often at odds with itself.

Jessica Yatrofsky is a New York brooklyn-based photographer and filmmaker. Focusing on body politics, beauty and gender, Yatrofsky's work spans across fine art and fashion photography as well as experimental and documentary film. Her photographic work has been exhibited internationally and is part of the permanent collection with the Leslie Lohman Museum in New York City.

Philippe HIQUILY
11.03 - 09.04 2016

Galerie Laurent STROUK
2 avenue Matignon
75008 PARIS
FRANCE
www.laurentstrouk.com
galerie(at)laurentstrouk.com
+33 (0) 1 40 46 89 06
Philippe HIQUILY (1925-2013) est un artiste français singulier. Sculpteur mais aussi créateur de mobilier, HIQUILY s’est tenu à l’écart du marché de l’art et des mouvements artistiques. Libre, hédoniste, il confère à ses œuvres un esprit à la fois onirique et surréaliste. L’érotisme quasi omniprésent et la délicatesse de ses réalisations contrastent avec l’aspect brut des matériaux de récupération qui lui servent de base.

HIQUILY intègre l’Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris en 1953.

  Philippe Hiquily Marathonienne 48 x 32 x 18 cm EA n°1

Il fréquente rapidement l’atelier de CESAR mais développe une approche personnelle de la sculpture : il utilise la tôle, moins chère que le bronze, et la soude par la technique du métal direct. Sa rencontre avec l’artiste Germaine RICHIER est déterminante : elle le conseille, l’encourage et lui commande même des socles et des sellettes pour ses propres sculptures. HIQUILY fait rapidement partie des jeunes artistes qui font les beaux jours de Saint germain des Prés et après deux expositions dans les galerie Palmes et galerie du Dragon, il est contacté par la galerie newyorkaise The Contemporaries. L’exposition, organisée en 1959, est un succès. Toutes les œuvres sont vendues et l’une d’entre elles est acquise par le musée Guggenheim. Son succès a des échos en France et, la même année, sa sculpture « Jérémie » obtient le prix de la critique lors de la première biennale de Paris.

Au début des années 60 il est repéré par le décorateur Henri SAMUEL et devient rapidement une référence incontournable du milieu de la décoration. Cette activité lucrative lui permet de continuer à faire des sculptures.

Femme accroupie, penchée en avant, 1913
Pierre noire et lavis noir
Cachet d’atelier : georges dorignac
557 x 440 mm
Courtesy Galerie Malaquais

Jaume Plensa
La Forêt blanche

4 février – 24 mars 2016
Vernissage jeudi 4 février à partir de 18h
GALERIE LELONG
13, rue de Téhéran  
75008  Paris         
Tel : + 33 1 45 63 13 19
www.galerie-lelong.com/fr/
 
Jaume Plensa, né en 1955 à Barcelone, a connu depuis sa dernière exposition à la Galerie Lelong en 2012 une importante activité internationale. Des anamorphoses de têtes de jeunes filles, en fonte de fer, de 7 mètres de hauteur, ont été présentées pour la première fois dans une vaste exposition dans les rues de Bordeaux en 2013, en même temps que d'autres sculptures bien connues : de grandes silhouettes humaines composées de lettres et de symboles en acier inoxydable, dans l'esprit de Nomade installé à Antibes, et des personnages de lumière assis sur des mâts comme ceux qui dominent la Place Masséna à Nice.
 
Une autre exposition de plein-air a ensuite été organisée au Millenium Park à Chicago pour le dixième anniversaire de la Crown Fountain, créée par l'artiste en 2004. Plus récemment, les œuvres de Plensa ont été vues au musée d'Augsburg, au Musée de Céret, et à la Basilique San Giorgio Maggiore à Venise, dans un événement collatéral de la Biennale, entre mai et novembre 2015. Cette exposition, très largement appréciée, a été récompensée par un Global Fine Art Award dans la catégorie « art public ».

Jaume Plensa White Forest (Laura), 2015, bronze à patine blanche,
edition de 5, 196 x 103 x 103 cm
Courtesy Galerie LELONG

Akira Kito Sébastien Kito
Peintures - Sculptures
09/12/2015 - 31/01/2016
Galerie Lara Vincy
47 rue de Seine - 75006 Paris - France
Tel: +33(0)1.43.26.72.51 / +33(0)1.40.51.78.88
http://www.lara-vincy.com/
contact(at)lara-vincy.com

Directeurs:
Liliane Vincy - Youri Vincy

Horaires d'ouverture:
Mardi-Samedi 11h - 13h et 14h30 - 19h
Métro : Odéon, Mabillon, Saint-Germain-des-Prés

La galerie Lara Vincy présente un ensemble de peintures de Akira Kito couvrant trois périodes de 1955 à 1964, années durant lesquelles il était représenté par la galerie depuis son ouverture en 1955.
En résonance, les sculptures métalliques évidées et les prismes en verre de Sébastien Kito, son fils, viendront dialoguer avec les thèmes présents dans l'œuvre de A. Kito : personnages et objets "enfantins" de la première époque (1955-1957), symboles et mythologie (1958-1961), la dernière période de 1962 à 1964 regroupe des œuvres au trait plus libre comme "Cinéma" (1964) et annonce prématurément les orientations de ses recherches picturales au cours des années qui suivront.

" Deux artistes, très différents, que réunissent la filiation et la piété filiale – et la fidélité à la galerie Lara Vincy : Akira et Sébastien Kito son fils

Akira Kito, "Dragon", 1958, huile sur toile, 130 x 81 cm
Courtesy Galerie Lara Vincy