Arnulf Rainer
Recouvrements
10 octobre – 16 novembre 2019
Au Salon
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h

Dès les années cinquante, Arnulf Rainer s’est manifesté par des gestes radicaux, délibérément anti-académiques, dans un milieu artistique autrichien alors très conservateur. L’un de ces gestes est l’Übermalung, c’est-à-dire le recouvrement énergique, partiel ou total d’une image préexistante.

From the 1950s, Arnulf Rainer was known for his radical, deliberately anti-academic approaches in an Austrian art world that was still very conservative. One of these is Übermalung, or the energetic and partial or total covering of a pre-existing image.

La suite d’oeuvres du milieu des années 70 présentée au Salon de la galerie appartient à cette famille des Übermalungen. Ce sont des photographies, montées sur bois ou sur aluminium, qui ont été recouvertes par l’artiste de peinture noire ; on ne distingue pratiquement plus rien de l’image sous-jacente. La nouvelle forme suscite alors parfois un titre : Crâne, Fruit, Tas, Panneau, Tablier… ou bien Rainer laisse le regardeur en inventer un. Ces petites peintures noires sont chargées d’une puissance émotionnelle et dramatique intense qui évoque une sorte de minimalisme expressionniste dont la devise pourrait être « less is more ».

The set of works from the mid-70s presented in the Salon belong to this family of Übermalungen. They are photographs, mounted on wood or aluminium, which have been covered in black paint by the artist: it is almost impossible to see anything of the underlying image. The new form sometimes inspires a title: Skull, Fruit, Heap, Panel, Apron…or Rainer lets the viewer come up with their own. These small black paintings are charged with an intense dramatic and emotional potential which evokes a sort of expressionist minimalism, the slogan of which could be “less is more”.

Jean Tinguely

BRICOLAGES & DÉBRI(S)COLLAGES
Exposition du 13 septembre au 20 octobre 2019
Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois
33-36, rue de Seine
75006 Paris
T.+33(0)1 46 34 61 07
www.galerie-vallois.com 
info(at)galerie-vallois.com

Du 13 septembre au 20 octobre 2019, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois rend hommage au génie créateur de Jean Tinguely, artiste majeur du 20e siècle, en présentant un ensemble exceptionnel de sculptures animées ou lumineuses, réalisées dans les années 70.
Après avoir dévoilé les Méta Reliefs et Méta Matics des années 50 en 2012, puis une sélection rare des sculptures dite de « la période des fous » des années 60 en 2016, la Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’intéresse aux travaux des années 70, décennie qui a vu exploser la couleur, la fantaisie, les projets fous comme le Cyclop de Milly-la-forêt, les processions de carnaval et tant encore.

Jean Tinguely Hommage a Dada – Max
1974 Éléments en métal, taille-haies électrique, plumes
105 x 44 x 31 cm
Pièce unique © André Morin
Courtesy NCAF et Galerie GP & N Vallois, Paris

Lucio Fontana
Sur le seuil

Dates : du 17 mai au 29 septembre 2019
Commissaires : Iria Candela, “Estrellita B. Brodsky” Curator of Latin American
Art, The Metropolitan Museum of Art, New York, avec Manuel Cirauqui,
Curateur, Musée Guggenheim Bilbao.
Musée Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2 - 48009 Bilbao, Espagne
https://www.guggenheim-bilbao.eus/

- Les premières oeuvres de Fontana des années 1930 et 1940 illustrent une trajectoire évoluant vers l’abstraction mais perméable aux courants esthétiques qui marquaient ces années complexes. En même temps, elles annoncent déjà la volonté de transgression des toiles lacérées qui domineront sa production ultérieure.

 - L’exposition présente une sélection extraordinaire d’oeuvres de la série iconique des Entailles (Tagli), ainsi que les tous premiers Trous (Buchi ), pièces que leur radicalité situe à la frontière entre peinture, sculpture et action artistique.

 - Avec ses Environnements spatiaux (Ambienti spaziali ) et ses expérimentations avec la lumière et l’espace, en recourant parfois aux tubes de néon, Fontana jette les bases du développement futur de l’art de l’installation et de l’oeuvre d’art immersive.

Le grand rendez-vous du printemps pour l’art moderne et contemporain célèbre la scène française et invite à la découverte des effervescentes métropoles Barcelone, Lisbonne, Madrid et Porto.

Devenu incontournable en plus de 20 ans d’existence, Art Paris est le rendez-vous du printemps pour l’art moderne et contemporain à Paris, rassemblant cette année encore plus de 150 galeries venues de plus de 20 pays pour près de 1000 artistes représentés.
Mêlant grandes figures artistiques et puissantes découvertes venues des quatre coins d’Europe, ainsi qu’un regard cosmopolite sur la création d’Afrique, d’Asie, d’Amérique latine ou du Moyen-Orient de l’après-guerre à nos jours, Art Paris, sous l’impulsion de Guillaume Piens, son Commissaire Général, cultive la passion de l’art sous toutes ses formes. Art Paris s’attache à une ligne éditoriale forte : une foire de passion plutôt qu’une foire de spéculation, qui ose le défrichage et reste à taille humaine dans le magnifique écrin du Grand Palais.

Le Musée Privé vient d'ouvrir un nouveau service ANNONCES ART ET CULTURE

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Collectionneurs, Galéristes, artistes, experts, amateurs d'art, vous pouvez profiter de nos visiteurs pour vendre les oeuvres que vous possédez en direct ou passer une petite annonce dans le domaine de l'art et de la culture.

Cette année encore, Le Musée Privé s'associe en tant que partenaire média à Art Paris 2020, le rendez-vous majeur pour l'art moderne et contemporain à Paris au printemps qui se tiendra du 2 au 5 avril 2020 au Grand Palais.

Patrick Reynolds et Le Musée Privé ont été séduits par Art Paris pour la qualité de sa programmation et pour son atmosphère conviviale, qui en font un véritable bijou de l'art contemporain. Ils seront heureux de relayer l'actualité de la foire tout au long de l'année.

Voici en avant-première le programme de l'édition 2020 d'Art Paris.

Privilégiant une approche thématique et ouverte à tous les médiums artistiques, la 22ème édition réunira 150 galeries internationales du 2 au 5 avril 2020 sous la coupole majestueuse du Grand Palais.
Doté d'une ligne éditoriale forte, déclinée en thématiques, de secteurs qui privilégient la découverte ou la redécouverte, Art Paris cultive la passion de l'art sur toutes ses formes dans un écrin à taille humaine et convivial.  

Deux thématiques coloreront encore cette édition d'Art Paris.

Un regard sur la scène française : histoires communes et peu communes

Depuis 2018, Art Paris soutient la scène hexagonale en associant le regard subjectif, historique et critique, d'un commissaire d'exposition à la sélection de projets spécifiques d'artistes français proposés par les galeries participantes. Sous le titre histoires communes et peu communes, Gaël Charbau pilotera la sélection de 20 artistes dont les œuvres mettent en avant les notions de récit, d'histoire singulière et universelle.

Les projets sélectionnés feront l'objet d'une mise en avant particulière dans la communication de la foire.

Une sculpture en acier de Lucio BITTENCOURT (né en 1953) dimensions 70 x 60 x 25 cm poids environ 25 kg à 30 kg

PRIX PROMOTIONNEL : 650 EUR,  pas d'expédition livraison sur Paris Banlieue uniquement

Biographie de Lucio BITTENCOURT

Lucio Bittencourt est né à Mogi das Cruzes, à São Paulo, en 1953. Il a commencé son activité artistique très jeune en travaillant avec les racines et le bois, avant de découvrir la ferraille comme matière première principale.

Depuis 1979, il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives au Brésil, parmi lesquelles: Paramount Theatre Cultural Space; Lúcio Bittencourt 10 ans de sculpture, exposition en plein air sur la place fédérale Caixa Econômica et dans la vallée de Anhangabaú, individu au Collège São Luiz, São Paulo; Art Space São Paulo, Santos; Art Beton, SP (1996, 1997, 1998 et 2000); Clube Paineiras Morumbi, SP (1999, 2001 et 2003); Della Via, Rio de Janeiro; Musée Jacareí, SP; Capitania das Artes, SP; Biennale de Alto Tietê, Suzano; 45 ans d'Inal - Industrie de l'acier laminé, Mogi das Cruzes, SP; "Tradição e Ruptura", salle des fêtes de la Biennale de São Paulo; Maison de la Culture Mário Quintana, Porto Alegre, RS; Institut de culture hispanique de Brasilia; Institut national d'architecture, La Paz, Bolivie; Musée d'art brésilien de Campinas; SP; Musée d'art de la Caixa Econômica Federal, Rio de Janeiro; Musée d'art moderne de Goiânia; GO; Musée de l'Industrie de Tupã, SP; Pinacothèque de l'État de São Paulo; Salon d'art contemporain de Santo André, SP et aux salons des arts Embu, Ilha Bela, Matão, Taubaté, Angra dos Reis; Mairiporã, SP.

Voir la video sur l'artiste: https://www.youtube.com/watch?v=HRClymRDFmQ

Nous vendons de préférence à un libraire, un marchand spécialisé, ou une galerie toute notre documentation sur l'art contenant des monographies d'artistes, des livres illustrés, des livres curiosa érotisme, soit environ 800 pièces à prix de gros motivant, suite à travaux d'aménagement programmés. Nous contacter pour plus de renseignements.

Vous pouvez avoir une idée de notre lot en regardant notre boutique sur ebay : https://www.ebay.fr/str/lemuseeprive

Tel : Patrick Reynolds 06 08 06 46 45 ou envoyer mail à patrick.reynolds(at)le-musee-prive.com

SPILLING OVER: PAINTING COLOR IN THE 1960S TO OPEN AT THE WHITNEY MARCH 29
NEW YORK, Opening at the Whitney on March 29,
Spilling Over: Painting Color in the 1960s

Whitney Museum of American Art
99 Gansevoort Street
New York, NY 10014
(212) 570-3600
https://whitney.org/ 
Drawn entirely from the Whitney’s collection, Spilling Overincludes important recent acquisitions by Emma Amos and Kay WalkingStick, as well as works by Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Alvin Loving, Miriam Schapiro, Frank Stella, and others. Half of the included paintings have not been shown atthe Whitney for over twenty-five years.
“Color as a formal, social, and political matter feels particularly urgent today, but the artists in Spilling Over already saw it as a means to bridge the seen and the felt, the conscious and unconscious, the political and the environmental. We’re thrilled to bring together such an incredible group of artists and their works, some acquired nearly at the time of their making and some very new to the Whitney’s collection,” said David Breslin, the exhibition curator and DeMartini Family Curator and Director of the Collection.
Scott Rothkopf, Senior Deputy Director and Nancy and Steve Crown Family Chief Curator, remarked, “We are particularly honored to be unveiling the first paintings to enter our collection by Kay WalkingStick and Emma Amos, the latter of which has been acquired jointly with The Studio Museum in Harlem—a fitting symbol of the long friendship between these two museums and the many artists we both hold dear.”

Philip Martin Gallery presents a solo exhibition of new paintings by Holly Coulis.

There will be a reception for the artist Saturday, May 4 from 6-8pm.
May 4 - July 6, 2019

www.philipmartingallery.com

Holly Coulis’s paintings operate as stages where still life scenes unfold. A table, or tables, create an initial structure where simplified, geometric forms are arranged and interact. There is a sense of order in these scenes as though the fruits and dishes had been laid out by some external force. Through layers of paint, linear elements are created, giving the illusion of colorful stripes or energy fields around individual objects. These works feel familiar, but upend our sense of figure/ground, horizon-line, perspective, and scale. In these newest paintings, the still life begins to verge into abstraction.

Coulis works from a visual vocabulary built up over years of practice, and the sense of discovery and newness in her works occurs as she continues to explore her own paintings and their possibilities: “I rarely look at a scene. It’s more about shapes of things I know. Things like oranges, lemons, cherries: they’re all very easy shapes.” Standing in front of her works, we are immediately involved in a scene of pleasure and abundance, surprise and stimulation - a stimulation that is physical, intellectual and aesthetic.